“Un beso y una flor” 

Origen del tema
   •   Año: 1972
   •   Álbum: Un beso y una flor (tercer disco de Nino Bravo)
   •   Autores:
      •   Letra: José Luis Armenteros
      •   Música: Pablo Herrero
   •   Fue compuesta especialmente para Nino Bravo, con la idea de potenciar su registro lírico y su estilo melódico-emocional.

Contexto biográfico
   •   En 1972 Nino Bravo (Luis Manuel Ferri Llopis) tenía 27 años y estaba en su mejor momento artístico.
   •   Este tema consolidó su popularidad en España y Latinoamérica.
   •   Se volvió parte de su identidad artística: baladas intensas, voz poderosa y un tono nostálgico.
   •   La canción ganó aún más simbolismo tras su muerte trágica en un accidente automovilístico en 1973, a los 28 años.

Contexto histórico y significado
   •   Escrita durante una época marcada por migraciones internas en España y salidas al exterior por motivos laborales.
   •   La letra habla del desprendimiento, el viaje y la esperanza:
      •   “Dejaré mi tierra por ti…” → la despedida y el sacrificio.
      •   “Y me iré con el sol cuando muera la tarde…” → la partida inevitable.
   •   Se transformó en un himno para los emigrantes españoles de los años 70 y, más tarde, para cualquier persona que afronta separación o cambios importantes.

Datos musicales
   •   Balada pop-melódica con arreglos orquestales típicos de los 70.
   •   Tempo medio, carácter expansivo.
   •   Introducción suave que crece hacia un estribillo de gran vuelo vocal.
   •   El fraseo de Nino Bravo (vibrato controlado, emisión firme) es parte del sello que convirtió este tema en un clásico.

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Letra completa en español: “Un beso y una flor”

Dejaré mi tierra por ti,
dejaré mis campos y me iré
lejos de aquí.

Cruzaré llorando el jardín
y con tus recuerdos partiré
lejos de aquí.

De día viviré
pensando en tu sonrisa,
de noche las estrellas
me acompañarán.

Serás como una luz
que alumbre mi camino.
Me voy, pero te juro
que mañana volveré.

Al partir
un beso y una flor,
un “te quiero”, una caricia y un adiós.
Es ligero equipaje
para tan largo viaje:
las penas pesan en el corazón.

Más allá
del mar habrá un lugar
donde el sol cada mañana
brille más;
forjarán mi destino
las piedras del camino.
Lo que nos es querido
siempre queda atrás.

Buscaré un hogar
para ti,
donde el cielo y el mar
se unan al fin.

Lejos de aquí…
(Se repiten estribillos y estrofas finales en la versión original)

Un beso y una flor

“What’s Up?” — 4 Non Blondes (1992–1993)
   •   Año de lanzamiento: 1992 (como parte del álbum Bigger, Better, Faster, More!); 1993 como single.
   •   Género: Rock alternativo, pop-rock, con influencias folk y gospel.
   •   Compositora: Linda Perry, vocalista del grupo.
   •   Productor: David Tickle (la versión del disco). Linda Perry produjo versiones posteriores.
   •   Tonalidad y estilo musical:
      •   Progresión simple basada en La mayor (A) y acordes abiertos.
      •   Voz muy expresiva, con uso característico del grito controlado (“And I pray… Oh my God, do I pray…”).
      •   Estructura clásica verso–coro, con un puente climático.

La canción mezcla melancolía y protesta, con un crescendo emocional que se convirtió en un sello del rock alternativo de principios de los 90

2. Datos biográficos del grupo
   •   4 Non Blondes fue una banda estadounidense creada en San Francisco en 1989.
   •   Integrantes más conocidos:
      •   Linda Perry – voz, guitarra
      •   Christa Hillhouse – bajo
      •   Dawn Richardson – batería
      •   Shaunna Hall (luego reemplazada por Roger Rocha) – guitarra
   •   Su estilo combinaba rock alternativo, punk, funk y soul, con gran presencia vocal.
   •   El grupo se separó en 1994, en pleno éxito, por la frustración de Linda Perry con las decisiones artísticas de la discográfica.
   •   Perry continuó como productora y compositora mundialmente exitosa, colaborando con:
      •   Pink (“Get the Party Started”)
      •   Christina Aguilera (“Beautiful”)
      •   Gwen Stefani
      •   Adele, Alicia Keys, etc.

La canción se volvió un himno generacional porque:
   •   Expresaba el desencanto de la juventud posterior al fin de la Guerra Fría.
   •   Reflejaba la confusión ante la política, la sociedad y el futuro económico.
   •   Encajaba con el auge del rock alternativo y el grunge (Nirvana, Pearl Jam), que también transmitían angustia existencial.

4. Significado y análisis de la letra 

La canción cuenta la historia de alguien que se siente atrapado, confundido y frustrado con el estado del mundo y con su propia vida. La protagonista intenta entender “qué está pasando” (“What’s going on?”), pregunta existencial que da título indirecto al tema.
   •   Se despierta cada día con una sensación de frustración acumulada.
   •   Siente que hay una presión interna que la empuja a “gritar fuerte” para liberar todo lo que la oprime.
   •   Habla del paso del tiempo y de cómo, pese a los esfuerzos, parece estar “atascada en el mismo lugar”.

El momento del “And I pray… oh my God, do I pray…” expresa:
   •   El intento sincero de encontrar sentido a través de la reflexión, la espiritualidad o cualquier herramienta interna.
   •   Pide claridad y esperanza para todos (“for a revolution”).
No se trata de una revolución política concreta, sino de un cambio personal y colectivo que saque a la gente de la apatía.

El famoso grito comunica:
   •   Angustia, pero también liberación.
   •   La vivencia universal de sentirse perdido mientras se intenta comprender un mundo confuso.

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5. Resumen fiel de la letra completa 

La canción describe a una mujer que, al enfrentar su día a día, se siente atrapada y frustrada por la falta de sentido en su vida y en el mundo. Observa el paso del tiempo sin lograr los cambios que desea, y experimenta un fuerte impulso de gritar para liberar su angustia. Eleva una especie de plegaria pidiendo claridad y un cambio profundo para ella y para todos. Se siente confundida, perdida y exige saber “qué está pasando”, buscando respuestas que el mundo no le ofrece.

What’s Up

“You Got It” 

🎵 Información musical
   •   Artista: Roy Orbison
   •   Álbum: Mystery Girl
   •   Año de publicación: 1989
   •   Compositores: Roy Orbison, Jeff Lynne y Tom Petty
   •   Productores: Jeff Lynne y Roy Orbison
   •   Género: Rock / Pop Rock
   •   Duración: 3:30
   •   Sello: Virgin Records

Fue el primer single póstumo de Orbison y se convirtió en uno de sus mayores éxitos de la etapa final de su vida.

📜 Contexto histórico
   •   Orbison venía de una década difícil (muerte de su esposa, de dos hijos, y un declive comercial).
   •   En 1988 se une al supergrupo Traveling Wilburys (Harrison, Dylan, Petty, Lynne).
   •   En ese mismo momento prepara Mystery Girl, su “álbum regreso”.
   •   Muere súbitamente el 6 de diciembre de 1988, pocas semanas antes del lanzamiento.
   •   “You Got It” se vuelve un símbolo de resurrección artística, y un éxito global:
      •   Top 10 en EE.UU.
      •   Nº1 en Canadá.
      •   Top 3 en UK.

El tema quedó como su último gran éxito en vida y también su legado inmediato después de su muerte.

🎤 Análisis musical
   •   Estructura pop clásica, clara influencia de Jeff Lynne (ELO, Wilburys).
   •   Sonido pulido, guitarras brillantes, percusión suave.
   •   La voz de Orbison aparece impecable, con su rango tenor característico.
   •   La melodía combina nostalgia y luminosidad; el estribillo funciona como un “levanta-ánimo”.
Letra

Verso 1
Todo lo que deseo en esta vida aparece cuando te veo.
Cada vez que estás cerca, siento que el mundo se acomoda.
No necesito pedir nada más: con vos, tengo todo lo que importa.

Pre-estribillo
Si alguna vez dudás de lo que siento, mirame:
mi corazón va directo hacia vos, sin condiciones.
No existe nada que no haría para verte bien.

Estribillo
Todo lo que quieras, lo tenés conmigo.
Todo lo que necesites, soy capaz de dártelo.
Todo lo que buscás en el amor… ya lo encontraste:
lo tenés.

Verso 2
Cada sueño que imaginé, cada esperanza que guardé,
cobra sentido cuando decís mi nombre.
Vos sos la razón que hace liviano cada paso.

Pre-estribillo 2
Solo pedime lo que sea:
tu felicidad es mi rumbo.
Lo que te haga falta, lo voy a hacer.

Estribillo
Todo lo que quieras, lo tenés conmigo.
Todo lo que necesites, soy capaz de dártelo.
Todo lo que buscás en el amor… ya lo encontraste:
lo tenés.

Puente
Y si alguna vez sentís miedo, duda o cansancio,
no te suelto: te sostengo.
Mi amor es una certeza.

Estribillo final
Todo lo que quieras, lo tenés conmigo.
Todo lo que necesites, yo lo doy.
Lo que siempre buscaste…
conmigo, ya lo tenés.

You got it

“THE WINNER TAKES IT ALL” (El ganador se queda con todo) ABBA

Datos musicales, biográficos e históricos

Contexto biográfico
   •   El tema se lanzó en 1980, dentro del álbum Super Trouper.
   •   Fue compuesto por Björn Ulvaeus (letra) y Benny Andersson (música).
   •   La canción está profundamente marcada por la ruptura matrimonial entre Björn Ulvaeus y Agnetha Fältskog, que se habían divorciado en 1979 después de nueve años de casados.
   •   Aunque Björn siempre aclaró que no es un relato literal de su separación, admite que su estado emocional y el clima del divorcio impregnaron totalmente la letra.
   •   Agnetha, su exesposa, fue quien la cantó —lo que le dio a la canción una carga emocional enorme y la convirtió en una de las interpretaciones más icónicas de toda la música pop.

Contexto histórico
   •   El final de los años 70 y comienzos de los 80 marcaron el declive personal de ABBA: ambos matrimonios del grupo (Björn–Agnetha y Benny–Frida) se disolvieron.
   •   Sin embargo, esa etapa también produjo sus canciones más maduras y melancólicas.
   •   The Winner Takes It All salió como single el 21 de julio de 1980.
   •   Fue un éxito internacional inmediato:
      •   #1 en Reino Unido, Irlanda y varios países europeos.
      •   Top 10 en Estados Unidos (#8 en Billboard).
   •   El videoclip se filmó en Marstrand, Suecia, con Agnetha como figura central, en un tono sobrio y cinematográfico.

Análisis musical
   •   Balada pop con elementos de europop dramático: piano prominente, armonías sencillas pero intensas y modulación emotiva.
   •   Tempo medio-lento, alrededor de 84 bpm.
   •   Su estructura clásica de balada permite que la letra tenga el peso total.
   •   La interpretación de Agnetha es considerada por muchos críticos como una de las mejores performances vocales de toda la historia del pop.
   •   El solo de piano de Benny, simple pero devastador, refuerza el clima de derrota emocional.

Significado general
   •   La canción gira en torno al fin de una relación, pero narrado desde la perspectiva de quien “pierde”.
   •   El título —“el ganador se queda con todo”— aparece como metáfora amarga de cómo el amor, una vez roto, deja a uno en desventaja emocional total.
   •   No es una canción de reproche: es una canción de aceptación dolorosa.

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Traducción completa al español: The Winner Takes It All

(Adaptación fiel al sentido poético del original.)

Tomé prestado un lugar en tu corazón
Pero el juego terminó
Y al ganador le toca todo.

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No quiero hablar
De las cosas que hemos pasado,
Aunque me duelan.
Ya no están. Es historia.

He jugado todas mis cartas,
Y vos también.
No queda nada más que decir,
No hay más ases que jugar.

El ganador se queda con todo,
El perdedor queda pequeño.
Al lado de la victoria,
Ese es su destino.

Yo estaba en tus brazos,
Creía que pertenecía allí.
Me figuraba que tenía sentido:
Construir una cerca,
Construir un hogar.

Pensaba que allí estaría fuerte,
Pero fui una tonta.
Las reglas deben obedecerse:
El juez
Dicta sentencia;
Como un dado,
Frío como el hielo,
Y alguien siempre pierde.

El ganador se queda con todo,
El perdedor debe caer.
Es simple y claro:
¿Por qué debería quejarme?

Pero decirte lo siento,
Parece tan difícil.
Quiero entender
Qué me hiciste.
¿Me negaste una oportunidad?
¿Decidiste vos solo?
¿El destino de nuestra historia?
¿Por qué debería quejarme?

Pero dime, ¿ella besa
Como yo lo hacía?
¿Siente lo mismo
Cuando te llama por la noche?

Me gustaría saber
Si te resulta igual cuando aparece.
Si eso te hace abrir los ojos.
Si sabes que ella sabe
Que yo te pertenecía.

El ganador se queda con todo.
El perdedor tiene que caer.
Quizás sea simple y claro,
Pero eso es lo que duele:
El ganador se lo lleva todo.

The winner takes it all

1. Contexto histórico
   •   La banda “Los Auténticos Decadentes” se formó en 1986 en Buenos Aires, en pleno auge del rock latino y del clima cultural post-dictadura.
   •   “Tu forma de ser” pertenece al álbum El milagro argentino (1991), el disco que consolidó a LAD como una de las bandas más populares del continente.
   •   En esos años, la escena del rock nacional vivía con fuerza el cruce entre ska, cumbia, rock, reggae y música festiva. Los Decadentes fueron pioneros en abrazar sin pudor esa mezcla.

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2. Datos musicales
   •   El tema combina ska con un ritmo más pop-rock, simple, directo, pensado para el vivo.
   •   La estructura es clásica: estrofa – estribillo – estrofa – estribillo – puente – estribillo.
   •   La base rítmica está dominada por guitarras limpias, bronces alegres y un tempo ideal para la fiesta.
   •   La voz de Cucho Parisi marca el sello: nasal, canchera, cercana.
   •   El estribillo es uno de los más reconocibles de la música argentina de los ‘90.

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3. Biografía y relación con la banda
   •   Los Decadentes siempre escribieron sobre temas cotidianos, humorísticos, populares.
   •   “Tu forma de ser” nació dentro de un clima de camaradería y espontaneidad: las canciones de ese disco surgieron de zapadas y anécdotas personales.
   •   Se cree que la letra se inspiró en una mujer real del entorno de la banda, aunque ellos nunca dieron nombres.
   •   Refleja la mirada decadente: ternura + ironía + barrio + humor.

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4. Análisis del significado de la letra (sin citarla textualmente)

La canción describe a una persona con un carácter intenso, impulsivo, exagerado, casi teatral. El narrador dice que le gusta justamente eso, que la quiere tal cual es: caprichosa, desbordada, impredecible.
   •   Habla de aceptar las contradicciones del otro.
   •   Usa imágenes exageradas y humorísticas para señalar defectos que, al final, resultan encantadores.
   •   El coro es una declaración directa de amor, sencilla, sin adornos.
   •   La canción juega con el contraste entre “sos insoportable” y “te quiero así”.
   •   Es una celebración de la imperfección humana vista con cariño.

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5. Impacto cultural
   •   Se convirtió en himno popular, presente en fiestas, estadios, peñas y todo tipo de celebraciones.
   •   Es una de las canciones más versionadas del grupo.
   •   La frase del estribillo es parte del imaginario argentino, repetida en memes, grafitis y cánticos.
   •   Permite entender el espíritu de LAD: alegría, autodescarga, emoción y fiesta sin vergüenza.

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6. Resonancia emocional y social
   •   Habla de relaciones reales, no idealizadas.
   •   De querer a alguien con lo bueno y lo malo.
   •   De aceptar los extremos del otro sin intentar corregirlo.
   •   Ese mensaje sencillo y sincero hizo que la canción se volviera intergeneracional.

Tu forma de ser

“El choclo”

Autores

Ángel Gregorio Villoldo (1861–1919) fue el compositor de “El choclo”, uno de los tangos más emblemáticos de la historia del género. Considerado un pionero del tango criollo, Villoldo fue guitarrista, cantor, letrista y figura central de la Guardia Vieja. Sus obras sentaron las bases rítmicas y melódicas del tango primitivo.

Aunque el tango nació como pieza instrumental, más adelante aparecieron distintas letras. La versión más difundida es la de Enrique Santos Discépolo (1901–1951) y Juan Carlos Marambio Catán (1888–1968), escrita en 1947. Discépolo fue uno de los grandes poetas del tango, autor de piezas fundamentales como “Cambalache”, “Uno” y “Yira Yira”. Marambio Catán, actor, cantor y autor, también dejó una huella importante en la evolución del tango-canción.

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Historia

“El choclo” se estrenó en 1903 en el restaurante El Americano, ubicado en la intersección de Cangallo y Libertad (hoy calle Perón), en Buenos Aires. Su título proviene, según versiones de época, del apodo de un personaje de la noche porteña; otras interpretaciones lo vinculan con la mazorca como símbolo de fuerza o rusticidad.

La pieza nació como un tango instrumental de ritmo vivo, típico de la Guardia Vieja. Con el paso de las décadas, la incorporación de la letra de 1947 lo transformó en un tango-canción más dramático y expresivo. La obra se convirtió en uno de los tangos más interpretados y grabados en el mundo, junto con “La Cumparsita” y “A media luz”, consolidándose como un símbolo internacional de la identidad musical rioplatense.

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Letra (versión Discépolo – Marambio Catán, 1947)

Con este tango que es burdel,
que es mi emoción y mi razón,
con este tango nació el tango
y como un grito salió del sórdido barrial
buscando el cielo.

Conjuro extraño de un amor
hecho cadencia
que abrió caminos sin más ley
que la esperanza y el dolor.

En su alma mezcla de rabia,
de ausencia y de ternura,
lloró en sus notas la amargura
de todo un barrio que gimió.

Tango querido,
siento que te acarician
esta canción y el corazón.

Porque el tango es mi pasión
mi vida entera,
porque el tango me dio
el corazón que yo soñé.

Y así naciste, tango,
entre malevos;
como una burla de las penas,
de los pobres y el amor.

Con este tango que es burdel
nació el deseo.
Con este tango se desangra
la emoción de mi ciudad.

Tango querido,
vení que te quiero tanto,
que cuando canto
me das temblor…

El choclo

•   La canción se compuso originalmente bajo el título “Cuando Calienta El Sol en Masachapa”.  ￼
   •   La música fue escrita por el compositor nicaragüense Rafael Gastón Pérez.  ￼
   •   Para la versión en español famosa se utilizan letras de los hermanos Carlos Rigual y Mario Rigual — integrantes del grupo Los Hermanos Rigual.  ￼
   •   Fue publicada en 1961, y poco después se hizo famosa con la versión de Los Hermanos Rigual.  ￼
   •   La canción ganó enorme difusión internacional. Por ejemplo, en la versión en inglés “Love Me with All Your Heart”: la versión de The Ray Charles Singers alcanzó el puesto #3 en el Billboard Hot 100 y ocupó 4 semanas en el #1 en la lista Pop-Standard en junio de 1964.  ￼
   •   La versión en español de “Cuando calienta el sol” logró éxito también en Europa: por ejemplo, alcanzó el #1 en Italia, permaneciendo allí varias semanas.  ￼
   •   A lo largo de los años ha sido interpretada por muchísimos artistas, como Luis Miguel (1987), Connie Francis, Pablo Montero, Raffaella Carrà, entre otros.  ￼
   •   La versión de Luis Miguel fue incluida en su álbum “Soy Como Quiero Ser” (1987), bajo producción de Juan Carlos Calderón.  ￼

En resumen: la canción nació en Centroamérica, saltó a fama internacional en los años ’60, fue adaptada al inglés con gran éxito, y siguió vigente por décadas gracias a reinterpretaciones en múltiples estilos y por diferentes artistas.

Letra

Cuando calienta el sol aquí en la playa
Siento tu cuerpo vibrar cerca de mí
Es tu palpitar, es tu cara, es tu pelo
Son tus besos, me estremezco, oh, oh, oh
Cuando calienta el sol aquí en la playa
Siento tu cuerpo vibrar cerca de mí
Es tu palpitar, tu recuerdo, mi locura
Mi delirio, me estremezco, oh oh oh
Cuando calienta el sol
Aquí en la playa
Cerca de mí
Es tu palpitar, es tu cara, es tu pelo
Son tus besos, me estremezco, oh, oh, oh
Cuando calienta el sol aquí en la playa
Siento tu cuerpo vibrar cerca de mí
Es tu palpitar, tu recuerdo, mi locura
Mi delirio, me estremezco, oh oh oh
Cuando calienta el sol…..

Love me with your heart (Cuando calienta el sol)

1) Datos musicales de “Angie”
   •   Artista: The Rolling Stones
   •   Álbum: Goats Head Soup
   •   Año de lanzamiento: 1973 (agosto)
   •   Compositores: Mick Jagger – Keith Richards
   •   Duración: 4:33
   •   Productor: Jimmy Miller
   •   Estilo: Balada rock acústica
   •   Instrumentación destacada:
      •   Piano (Nicky Hopkins)
      •   Guitarra acústica (Keith Richards)
      •   Arreglo de cuerdas suave (Nicky Harrison)
   •   Ubicación en charts:
      •   #1 en Billboard Hot 100 (EE.UU.)
      •   #5 en Reino Unido
   •   Particularidad: Es una de las baladas más melódicas y emotivas de la banda, con un tono marcadamente introspectivo.

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2) Contexto biográfico e histórico

Qué pasaba con la banda en 1973
   •   Los Stones estaban en un período turbulento: problemas legales, agotamiento, y tensiones internas tras una gira intensa.
   •   Se encontraban grabando en Jamaica, en condiciones más relajadas, lejos de la presión mediática y fiscal europea.

Quién es realmente “Angie”

Se ha especulado durante décadas. Las teorías más conocidas:
	1.	Anita Pallenberg (pareja de Keith Richards por entonces).
	2.	Angela Bowie, esposa de David Bowie (rumor muy difundido pero falso según los propios Stones).
	3.	La hija de Keith Richards, Angela, nacida meses antes.

Versiones oficiales:
   •   Keith Richards explicó en su autobiografía Life que el nombre “Angie” fue elegido antes de que su hija naciera, y que simplemente le gustaba el sonido.
   •   Mick Jagger dijo que la letra no trata de ninguna persona en particular, sino del final de una relación y de la aceptación dolorosa.

Tema y significado

“Angie” es una balada de desamor, centrada en la tristeza, la despedida y la sensación de que, aun terminando, ambos habían vivido algo importante. Su tono melancólico y la simplicidad acústica la convirtieron en un clásico universal.

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3) Letra en español de “Angie” (Traducción)

(Traducción fiel y clara, no versión comercial)

Angie, Angie,
¿cuándo desaparecerán esas nubes?
Angie, Angie,
¿a dónde nos llevará todo esto?

Sin amor en nuestras almas,
y sin dinero en nuestros abrigos,
no puedes decir que estamos satisfechos.
Pero Angie, Angie,
no puedes decir que nunca lo intentamos.

Angie, eres hermosa, sí,
pero no es hora de decir adiós.
Angie, aún te amaré
aunque haya lágrimas en tus ojos.

No hagas llorar a tus ojos,
todos tus sueños se están rompiendo.
No puede ser que estemos destinados a morir.
Angie, Angie,
¿no es maravilloso estar vivos?

Angie, Angie,
ellas no pueden decir que nunca lo intentamos.

Siempre recordaré
cómo brillaban tus ojos.
No había amor en nuestras almas,
y apenas un centavo en nuestros bolsillos.
No puedes decir que estamos satisfechos.

Pero Angie,
aún te amaré, cariño,
donde sea que vaya.

Angie, Angie,
¿no es hora ya de decir adiós?

Angie

“Maneater” – Hall & Oates

1. Datos generales
   •   Artistas: Daryl Hall & John Oates
   •   Álbum: H₂O
   •   Fecha de lanzamiento: Octubre de 1982
   •   Género: Pop–rock, blue-eyed soul, new wave
   •   Compositores: Daryl Hall, John Oates, Sara Allen
   •   Productores: Hall & Oates con Neil Kernon
   •   Sello: RCA Records

La canción fue publicada como primer single del álbum H₂O y se convirtió en uno de los éxitos más grandes del dúo.

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2. Éxito comercial
   •   #1 del Billboard Hot 100 durante 4 semanas consecutivas (diciembre 1982 – enero 1983).
   •   Fue su quinto número uno en EE.UU.
   •   También fue top 10 en varios países, incluyendo Canadá, Australia y el Reino Unido.
   •   El álbum H₂O llegó a ser multiplatino.

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3. Origen e historia de la canción
   •   Daryl Hall contó que la idea original surgió a partir de una melodía más cercana al reggae que luego mutó hacia el groove pop-funk que hoy conocemos.
   •   La figura central —“Maneater”— no estaba inspirada en una mujer en particular, sino en un arquetipo urbano: personas ambiciosas, frías, consumidas por el dinero y el poder de la ciudad.
   •   Musicalmente, el bajo y la batería generan un ritmo “tenso” que apunta al peligro que representa esa figura devoradora.
   •   John Oates siempre aclaró que la canción no es misógina ni se refiere a “una mujer fatal”, sino al consumismo y a la codicia como fuerzas que devoran a cualquiera.

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4. Estilo y características musicales
   •   Groove marcado de bajo, batería y sintetizadores.
   •   Influencias de R&B, new wave y soul blanco característicos del dúo.
   •   Una melodía vocal simple pero pegadiza, con armonías típicas de Hall & Oates.
   •   El saxofón agrega un matiz urbano y nocturno muy asociado a la estética de los primeros ’80.

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5. Videoclip
   •   Filmado en Nueva York con estética noir.
   •   Presenta a un puma negro como metáfora de la “mujer devoradora”, reforzando la idea de peligro latente.
   •   Tuvo rotación permanente en MTV, lo que impulsó aún más su éxito en la era del videoclip.

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6. Letra en español — Resumen fiel (no literal por derechos de autor)

La canción describe a una persona muy atractiva, seductora y encantadora, pero extremadamente peligrosa en el plano emocional y económico.

El narrador advierte que:
   •   Se presenta como irresistible.
   •   Puede arruinar la vida del que se acerque.
   •   Usa a otros para obtener dinero, estatus o ventajas.
   •   Nadie debe confiarse: “te va a devorar” tarde o temprano.

También se subraya que, aunque muchos caen bajo su influencia, el narrador la conoce bien y prefiere mantenerse lejos.

Mensaje central:
Una crítica al materialismo y a las personas que se aprovechan de los demás para ascender, disfrazado en la imagen de una mujer seductora y peligrosa.

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7. Importancia cultural
   •   Es uno de los himnos del pop de los ’80.
   •   Ha sido usada en películas, series y anuncios (ej.: Family Guy, Glee, The Office, Grand Theft Auto, etc.).
   •   Consolidó a Hall & Oates como el dúo más exitoso de la historia del pop estadounidense.

Maneater

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac dónde está Adri ￼

Un beso y una flor

Adrian en guitarra

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