“Light My Fire” es una de las canciones más emblemáticas de The Doors, banda estadounidense de rock psicodélico formada en 1965. El tema se convirtió en un símbolo de la contracultura de los años 60 y catapultó al grupo a la fama internacional.

Datos Históricos y Artísticos

- **Fecha de lanzamiento:** “Light My Fire” fue lanzada en enero de 1967 como parte del álbum debut homónimo *The Doors*.
- **Composición:** Aunque la idea principal y la melodía inicial fueron de Robby Krieger (guitarrista), la canción fue desarrollada colectivamente por la banda, con aportes líricos y musicales de Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (teclados) y John Densmore (batería).
- **Estilo musical:** La canción fusiona rock psicodélico, jazz y blues, destacando por su extenso solo instrumental de teclado y guitarra.
- **Impacto:** Alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 en 1967 y es considerada una de las mejores canciones de la historia del rock.
- **Reconocimientos:** Fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy y en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista *Rolling Stone*.

## Biografía del líder de The Doors

**Jim Morrison** (1943-1971) fue el carismático vocalista y letrista principal de The Doors. Nació en Melbourne, Florida, y se destacó por su voz profunda, su presencia escénica magnética y sus letras poéticas y provocadoras. Morrison es considerado uno de los frontmen más influyentes de la historia del rock. Su vida estuvo marcada por el exceso, la rebeldía y una profunda fascinación por la literatura y la filosofía. Falleció prematuramente por una sobredosis de drogas, en París a los 27 años, convirtiéndose en un icono de la cultura popular.

## Traducción al español de “Light My Fire”

> **Enciende mi fuego**
>
> Sabes que sería un mentiroso  
> Si dijera que no te deseo  
> Chica, sabes que sería un mentiroso  
> Si dijera que no te deseo  
> Vamos, enciende mi fuego  
> Vamos, enciende mi fuego  
> Intenta encender la noche
>
> El tiempo para vacilar se ha ido  
> No hay tiempo para revolcarse en la duda  
> El tiempo para vacilar se ha ido  
> No hay tiempo para revolcarse en la duda  
> Intentamos quedarnos juntos, pero nuestro amor se está acabando  
> Chica, no podemos llegar mucho más alto  
> Vamos, enciende mi fuego  
> Vamos, enciende mi fuego  
> Intenta encender la noche

Esta canción es un himno generacional y un ejemplo del poder creativo y la influencia de The Doors, especialmente bajo el liderazgo de Jim Morrison. Su legado sigue vigente, inspirando a nuevas generaciones de músicos y fanáticos del rock.

Light my fire

“Put Your Head on My Shoulder” es uno de los temas más icónicos de Paul Anka y un clásico del pop romántico de finales de los años 50.

## Historia y contexto

Paul Anka escribió y grabó “Put Your Head on My Shoulder” en 1958, lanzándola como sencillo en 1959. La canción fue producida por Don Costa y se convirtió rápidamente en un éxito, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100 en 1959. La melodía y la letra, sencillas pero emotivas, capturaron el espíritu romántico de la época y consolidaron a Anka como uno de los principales ídolos juveniles de su generación.

## Biografía de Paul Anka

Paul Anka, nacido en 1941 en Ottawa, Canadá, es un cantante, compositor y actor conocido por su prolífica carrera en la música pop. Además de “Put Your Head on My Shoulder”, escribió otros éxitos como “Diana”, “Lonely Boy” y “You Are My Destiny”. Anka también compuso para otros artistas, incluyendo el famoso tema “My Way” para Frank Sinatra.

## Detalles musicales

- **Género:** Pop, doo-wop
- **Año de lanzamiento:** 1959
- **Productor:** Don Costa
- **Duración:** Aproximadamente 2:35 minutos
- **Sello discográfico:** ABC-Paramount

La canción destaca por su estructura sencilla, armonías vocales suaves y una instrumentación orquestal ligera, típica del pop de finales de los 50.

## Premios y reconocimientos

Aunque “Put Your Head on My Shoulder” no ganó premios importantes en su época, su impacto cultural ha sido duradero. Ha sido incluida en numerosas recopilaciones de clásicos del pop y es frecuentemente utilizada en películas, series y comerciales que evocan la nostalgia de los años 50 y 60.

## Versiones y artistas que la interpretaron

La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de las décadas, entre ellos:

- **The Lettermen** (1968): Su versión alcanzó el puesto 44 en el Billboard Hot 100.
- **The Beach Boys**: Grabaron una versión en 2006 para su álbum “Stars and Stripes Vol. 1”.
- **Michael Bublé**: Ha interpretado la canción en vivo, dándole un toque contemporáneo.
- **Los Cinco Latinos**: Realizaron una versión en español titulada “Pon tu cabeza en mi hombro”.
- **Various Artists**: Ha sido adaptada y versionada en diferentes idiomas y estilos, incluyendo jazz, pop y balada.

## Letra en español (traducción)

> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Abrázame, cariño  
> Bésame, dime que me amas también  
> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Susurra en mi oído, cariño  
> Dileme, dime que me amas también  
>  
> Sentirás que el amor es real  
> Cuando lo sientas cerca de mí  
> Tu amor es lo que necesito  
> Tu amor es lo que necesito  
>  
> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Abrázame, cariño  
> Bésame, dime que me amas también  
> Pon tu cabeza en mi hombro

Esta es una traducción aproximada y adaptada para mantener el sentido romántico de la canción. No es una versión oficial, pero respeta el contenido y el tono original.

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“Put Your Head on My Shoulder” sigue siendo una de las baladas más reconocidas de la música pop, símbolo de una época y referente para generaciones posteriores de artistas y oyentes.

Put you head on my shoulder

“Put Your Head on My Shoulder” es uno de los temas más icónicos de Paul Anka y un clásico del pop romántico de finales de los años 50. 

## Historia y contexto

Paul Anka escribió y grabó “Put Your Head on My Shoulder” en 1958, lanzándola como sencillo en 1959. La canción fue producida por Don Costa y se convirtió rápidamente en un éxito, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100 en 1959. La melodía y la letra, sencillas pero emotivas, capturaron el espíritu romántico de la época y consolidaron a Anka como uno de los principales ídolos juveniles de su generación.

## Biografía de Paul Anka

Paul Anka, nacido en 1941 en Ottawa, Canadá, es un cantante, compositor y actor conocido por su prolífica carrera en la música pop. Además de “Put Your Head on My Shoulder”, escribió otros éxitos como “Diana”, “Lonely Boy” y “You Are My Destiny”. Anka también compuso para otros artistas, incluyendo el famoso tema “My Way” para Frank Sinatra.

## Detalles musicales

- **Género:** Pop, doo-wop
- **Año de lanzamiento:** 1959
- **Productor:** Don Costa
- **Duración:** Aproximadamente 2:35 minutos
- **Sello discográfico:** ABC-Paramount

La canción destaca por su estructura sencilla, armonías vocales suaves y una instrumentación orquestal ligera, típica del pop de finales de los 50.

## Premios y reconocimientos

Aunque “Put Your Head on My Shoulder” no ganó premios importantes en su época, su impacto cultural ha sido duradero. Ha sido incluida en numerosas recopilaciones de clásicos del pop y es frecuentemente utilizada en películas, series y comerciales que evocan la nostalgia de los años 50 y 60.

## Versiones y artistas que la interpretaron

La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de las décadas, entre ellos:

- **The Lettermen** (1968): Su versión alcanzó el puesto 44 en el Billboard Hot 100.
- **The Beach Boys**: Grabaron una versión en 2006 para su álbum “Stars and Stripes Vol. 1”.
- **Michael Bublé**: Ha interpretado la canción en vivo, dándole un toque contemporáneo.
- **Los Cinco Latinos**: Realizaron una versión en español titulada “Pon tu cabeza en mi hombro”.
- **Various Artists**: Ha sido adaptada y versionada en diferentes idiomas y estilos, incluyendo jazz, pop y balada.

## Letra en español (traducción)

> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Abrázame, cariño  
> Bésame, dime que me amas también  
> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Susurra en mi oído, cariño  
> Dileme, dime que me amas también  
>  
> Sentirás que el amor es real  
> Cuando lo sientas cerca de mí  
> Tu amor es lo que necesito  
> Tu amor es lo que necesito  
>  
> Pon tu cabeza en mi hombro  
> Abrázame, cariño  
> Bésame, dime que me amas también  
> Pon tu cabeza en mi hombro

Esta es una traducción aproximada y adaptada para mantener el sentido romántico de la canción. No es una versión oficial, pero respeta el contenido y el tono original.

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“Put Your Head on My Shoulder” sigue siendo una de las baladas más reconocidas de la música pop, símbolo de una época y referente para generaciones posteriores de artistas y oyentes.

Put you head on my shoulder (P. Anka style)

« Proud Mary » es una canción de la banda estadounidense de rock Creedence Clearwater Revival , escrita por el vocalista y guitarrista principal John Fogerty . Fue lanzada como sencillo en enero  de 1969 por Fantasy Records y en el segundo álbum de estudio de la banda, Bayou Country . La canción se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos, alcanzando el número 2 en el Billboard Hot 100 en marzo de 1969, siendo el primero de cinco sencillos del grupo en alcanzar esa posición.

Más tarde ese año, el cantante de R&B Solomon Burke lanzó una versión en Bell Records de su álbum Proud Mary que alcanzó el puesto número 15 en la lista Billboard R&B .
Otra versión del dúo de R&B Ike & Tina Turner para su álbum Workin' Together , publicado por Liberty Records en 1971, alcanzó el número 4 en el Billboard Hot 100 y el número 5 en la lista Billboard R&B. Ganaron un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de R&B de un Grupo en la 14.ª edición de los Premios Grammy por su interpretación en 1972. Tras la disolución del dúo, Tina Turner continuó interpretando la canción durante su carrera en solitario y grabó nuevas versiones para su estudio, así como para álbumes en vivo.

En una entrevista de 1969, John Fogerty dijo que la escribió en los dos días posteriores a su baja de la Guardia Nacional . En las notas de la reedición ampliada de 2008 del álbum Bayou Country de Creedence Clearwater Revival , Joel Selvin explicó que las canciones del álbum comenzaron cuando Fogerty estaba en la Guardia Nacional, que los riffs de "Proud Mary", " Born on the Bayou " y " Keep on Chooglin' " fueron concebidos por Fogerty en un concierto en el Avalon Ballroom , y que "Proud Mary" fue arreglada a partir de partes de diferentes canciones, una de las cuales trataba sobre una lavandera llamada Mary. La línea "Left a good job in the city" fue escrita después de la baja de Fogerty de la Guardia Nacional, y la línea "rollin' on the river" era de una película de Will Rogers .

La canción es una "mezcla perfecta de música de raíces blancas y negras ". Fogerty explicó que le gustaba la Sinfonía n.º 5 de Ludwig van Beethoven y quería iniciar la canción con una introducción similar (una tercera descendente), insinuando la forma en que "Proud Mary" comienza con la repetición del acorde de do a la. Fogerty quería evocar armonías góspel masculinas, como las que ejemplificaban grupos con los que estaba familiarizado, como Swan Silvertones , Sensational Nightingales y Five Blind Boys of Mississippi ; especialmente en el verso "Rollin', rollin', rollin' on the river"; y en el solo de guitarra hizo su "mejor imitación de Steve Cropper ". La pista básica de "Proud Mary", al igual que las otras canciones del álbum, fue grabada por John Fogerty ( guitarra principal ), Tom Fogerty ( guitarra rítmica ), Stu Cook ( bajo ) y Doug Clifford ( batería ) en RCA Studios en Hollywood , California , con John sobregrabando los instrumentos y todas las voces más tarde. 

Billboard describió "Proud Mary" como un "blues vibrante con un ritmo potente". Cash Box lo describió como "un tema de funk y ritmo de ritmo medio y constanteque se hará sentir tanto en el pop como en el underground". Cash Box lo clasificó como el sencillo número 55 de 1969.

Proud Mary

« You Don't Have to Say You Love Me » es la versión en inglés de la canción italiana de 1965 « Io che non vivo (senza te) », escrita por Pino Donaggio y Vito Pallavicini . La letra en inglés fue escrita para Dusty Springfield por Vicki Wickham y Simon Napier-Bell .
La canción italiana fue presentada en la 15.ª edición del Festival de San Remo por Donaggio y su compañera de equipo, Jody Miller . Llegó a la final en San Remo y, según la grabación de Donaggio, alcanzó el número 1 en Italia en marzo de 1965, permaneciendo allí durante tres semanas. « Io che non vivo (senza te) » tuvo un papel destacado en la banda sonora de la película Sandra , de Luchino Visconti , protagonizada por Claudia Cardinale , que recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia ese mismo septiembre.
“You Don't Have to Say You Love Me" fue grabada por Dusty Springfield en 1966 y resultó ser su sencillo más exitoso, alcanzando el número uno en la lista de sencillos del Reino Unido y el número cuatro en el Billboard Hot 100. Elvis Presley grabó una versión en 1970 que fue un éxito tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Otras versiones han aparecido en las listas de éxitos del Reino Unido, Irlanda, Italia y Finlandia.
Springfield, que participó en el Festival de San Remo de 1965, estaba entre el público cuando Donaggio y Miller interpretaron " Io che non vivo (senza te) " y, aunque no conocía el significado de la letra, la canción conmovió a Springfield hasta las lágrimas. Obtuvo una grabación en acetato de la canción de Donaggio, pero dejó pasar un año antes de perseguir activamente la idea de grabar una versión en inglés.
El 9 de marzo de 1966, Springfield grabó una pista instrumental de la composición de Donaggio en los estudios Philips de Marble Arch . El equipo de sesión incluía al guitarrista Big Jim Sullivan y al baterista Bobby Graham . Springfield aún carecía de una letra en inglés para grabar, pero su amiga Vicki Wickham , 
productora de Ready Steady Go!, escribió la letra en inglés necesaria junto con su amigo Simon Napier-Bell , representante de los Yardbirds . Ni Wickham ni Napier-Bell tenían experiencia apreciable como compositores. Según Napier-Bell, él y Wickham estaban cenando fuera cuando ella le comentó que Springfield esperaba conseguir una letra en inglés para la canción de Donaggio, y ambos aceptaron con desenfado el reto de escribir la letra ellos mismos: «Volvimos al piso de Wickham y empezamos a trabajar en ella. Queríamos ir a una discoteca de moda, así que teníamos aproximadamente una hora para escribirla.
Ni Wickham ni Napier-Bell entendieron la letra original en italiano. Según Wickham, intentaron escribir su propia letra para una canción antiamor titulada "I Don't Love You", pero al no prosperar la idea original, la adaptaron inicialmente a "You Don't Love Me", luego a "You Don't Have to Love Me" y finalmente a "You Don't Have to Say You Love Me", una frase que encajaba con la melodía de la canción. Napier-Bell posteriormente le dio el mismo título a su primer libro, un relato autobiográfico de la escena musical británica de la década de 1960. 
Resultó tan popular en Estados Unidos que el álbum de Springfield de 1965, Ev'rything's Coming Up Dusty, se lanzó allí con una lista de canciones ligeramente diferente y se tituló con el mismo nombre que el sencillo de éxito (la cara B del sencillo estadounidense, "Little by Little", se publicó en el Reino Unido como cara A independiente y alcanzó el puesto número 17 en dicha lista). La canción también encabezó las listas, alcanzando el número uno en Filipinas y el número uno en la lista de los treinta mejores de NME. Se mantuvo en el número 1 durante dos semanas, desde el 14 de mayo de 1966 hasta el 28 de mayo de 1966. También alcanzó el número uno en la revista Melody Maker en mayo de 1966.
Cuando Springfield murió de cáncer de mama en marzo de 1999, la canción apareció en Now 42 como homenaje.

You don’t have to say you love

« Cherish » (“Apreciar”) es una canción de la banda estadounidense de R&B Kool & the Gang , lanzada en mayo de 1985. Fue el tercer sencillo de su decimosexto álbum de estudio, Emergency . Recibió la certificación de Oro de la RIAA y se mantuvo en el número 1 de la lista de música contemporánea para adultos de Billboard durante seis semanas consecutivas. Se convertiría en el mayor éxito de la lista de música contemporánea para adultos de la década de 1980. La canción es una balada romántica que se volvió extremadamente popular en su lanzamiento y, desde entonces, se ha convertido en un clásico de las canciones de bodas.

Cherish" alcanzó el número dos en la lista Billboard Hot 100 en septiembre de 1985, permaneciendo en segundo lugar durante tres semanas, detrás de " Money for Nothing " de Dire Straits . También fue número uno en la lista estadounidense de R&B , permaneciendo una semana en la cima. En el Reino Unido, la canción alcanzó el número cuatro en la lista de sencillos del Reino Unido y permaneció allí durante tres semanas. 
La canción fue compuesta en la tonalidad de si bemol menor , aunque el estribillo cambia a re bemol mayor ( el relativo mayor de si bemol menor).

La canción fue versionada en 2006 por la modelo británica Katie Price y su entonces esposo, el cantante pop Peter Andre . El tema está incluido en su álbum de duetos de 2006, A Whole New World .
En 2007, la cantante de R&B Deniece Williams versionó la canción en su álbum, Love, Niecy Style .
En 2008, el cantante de R&B Alexander O'Neal versionó la canción en su álbum, Alex Loves .
El artista cristiano contemporáneo The Katinas versionó la canción en su álbum de 2013 Love Chapter , donde se tituló "Cherish The Love".
En 2021, Frank Farian y su hija Yanina grabaron una versión titulada "Cherish (The Life)".

Letra

Demos un paseo juntos cerca de la orilla del mar
De la mano tu y yo
Apreciemos cada momento que nos han dado
Porque el tiempo pasa
A menudo rezo antes de acostarme a tu lado
Si recibes tu llamado antes de que me despierte
¿Podría pasar la noche?
Apreciar el amor que tenemos
Debemos apreciar la vida que vivimos
Aprecia el amor, aprecia la vida
Apreciar el amor
El mundo siempre está cambiando, nada permanece igual
Pero el amor resistirá la prueba del tiempo
La próxima vida en la que viviremos está por verse
¿Estarás a mi lado?
A menudo rezo antes de acostarme a tu lado
Y si recibes tu llamado antes de que me despierte
¿Podría pasar la noche?
Apreciar el amor que tenemos
Deberíamos apreciar la vida que vivimos (bebé, sí)
Aprecia el amor, aprecia la vida
Apreciar el amor
Apreciar el amor que tenemos
(Apreciemos cada momento que tenemos juntos)
Mientras ambos vivamos
Aprecia el amor, aprecia la vida
Apreciar el amor
Apreciar el amor que tenemos
Debemos apreciar la vida que vivimos
Aprecia el amor, aprecia la vida
Apreciar el amor
Apreciar el amor que tenemos
Mientras ambos vivamos
Aprecia el amor, aprecia la vida
Apreciar el amor

Compuesta por: J. Taylor / R. Bel

Cherish

«Viento dile a la lluvia», creado por Litto Nebbia e interpretado por la banda argentina Los Gatos, es una canción de rock argentino que fue lanzada como sencillo en 1968, y luego fue incluido como tema del álbum del mismo nombre, lanzado ese año. Fue uno de los grandes éxitos de Los Gatos, probablemente el más importante luego de «La balsa».

El sencillo (RCA Vik 31Z-1259) contiene «Viento dile a la lluvia», en el Lado A, y «Déjame Buscar felicidad», en el Lado B. Las ventas del sencillo superaron las 200.000 unidades vendidas.

La letra es simple pero muy efectiva: el cantante le pide al viento que interceda ante la lluvia, para pedirle que se detenga, para que él pueda volar.
La canción consta de dos estrofas. En la primera el cantante dice que "hace más de una semana, que estoy en mi nido, sin poder volar". En la segunda, aclara que está con su compañera.
Casi cuarenta años después de realizada, Litto Nebbia realizó la siguiente reflexión sobre la canción:
"Viento dile a la lluvia". Una armonía simple, pero en esa época, muy pocos sabían los acordes de paso que llevaba. La melodía es una cosa muy fuerte, de ésas que pueden perdurar cien años. Sumá estos detalles. Era la primera vez que una canción en ritmo lento llega a ser un hit representativo para la juventud, y también la primera vez que para referirnos a la libertad se habla metafóricamente a través de una historia fabulesca de un pajarito y la lluvia...

Musicalmente el tema es una balada orquestal compleja de inspiración soul (muy de moda por aquellos años) y temática romántica. El teclado imprime sobre los arreglos clásicos un toque del rock experimental y psicodélico que comenzaba a caracterizar a la banda.
Se trata de una melodía sin estribillo, en dos partes, sostenida por suaves armonías del órgano sobre una base repetida de la secuencia Do mayor-Fa mayor séptima (Fmaj7) de gran estabilidad, que se rompe para subir mediante acordes de paso -una innovación en el rock argentino- a La mayor e iniciar una nueva secuencia abundante en disonancias: Re menor-fa menor-Do mayor-La menor-Re menor, antes de volver a la base Do mayor-Fa mayor séptima (Fmaj7). El canto está realizado con cámara de eco.

En 1976 el cantante italiano Domenico Modugno grabó una versión en italiano, titulada "Il passero", que fue incluida en el álbum L'anniversario.

Viento dile a la lluvia

« A Hard Day's Night » (Anochecer de un día agitado)es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles . Atribuida a Lennon-McCartney , fue escrita principalmente por John Lennon, con una pequeña colaboración de Paul McCartney. Fue lanzada en la banda sonora de A Hard Day's Night en 1964. También se lanzó como sencillo en el Reino Unido y en Estados Unidos (con « I Should Have Known Better » como cara B).
La canción tuvo un papel destacado en el primer largometraje de los Beatles, A Hard Day's Night . Encabezó las listas de éxitos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos cuando se lanzó como sencillo. Los sencillos estadounidenses y británicos de "A Hard Day's Night", así como los álbumes estadounidenses y británicos del mismo título, se mantuvieron en el primer puesto de sus respectivas listas simultáneamente durante un par de semanas en agosto de 1964, la primera vez que un artista lograba esta hazaña.
Lennon compuso la canción en una noche y la presentó para que la comentaran a la mañana siguiente. Como describió en su entrevista con Playboy en 1980 : «A la mañana siguiente presenté la canción... porque había una pequeña competencia entre Paul y yo por ver quién se quedaba con la cara A, quién conseguía los éxitos. Si se fijan, al principio la mayoría de los sencillos, tanto en el cine como en otras cosas, eran míos... al principio yo dominaba el grupo... La razón por la que Paul cantó en 'A Hard Day's Night' (en el puente) es porque yo no alcanzaba las notas». Sin embargo, McCartney y otros recuerdan que McCartney colaboró con Lennon.
El 16 de abril de 1964, los Beatles se reunieron en el Estudio 2 de EMI Studios y grabaron «A Hard Day's Night». Les tomó menos de tres horas pulir la canción para su lanzamiento final, y finalmente seleccionaron la novena toma como la que se publicaría. 
Durante la grabación de "A Hard Day's Night", Lennon y McCartney grabaron sus voces en doble pista, incluido el estribillo. Lennon canta la voz principal en las estrofas y Paul la principal en la octava central. Durante el estribillo, McCartney se encarga de la armonía aguda y Lennon de la grave. La toma 7 revela que la letra aún no estaba definida, con Lennon cantando "You Make Me Feel All Right" y McCartney y Harrison aún inseguros con sus respectivas líneas, terminando con Lennon reprendiéndolos con la frase "I heard a funny chord" (Escuché un acorde raro).
El solo instrumental lo interpreta Harrison con una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas, con Martin tocando el piano. La grabación se realizó a media velocidad y luego se aceleró al máximo. Grabar este solo fue la parte más laboriosa de la sesión. Una toma publicada en un bootleg en la década de 1980 muestra a Harrison cometiendo errores al tocar. Según la descripción de los editores de Rolling Stone : «Pero para cuando la sesión terminó a las 10 de la noche, había esculpido uno de sus solos más memorables: una carrera ascendente tocada dos veces y coronada con una floritura circular, con el repique de campana de su guitarra repetido al piano por Martin». 
La canción cierra con Harrison tocando un arpegio del acorde inicial (Fadd9) durante el desvanecimiento. 
La letra habla de la devoción del cantante por su amante y de cómo trabaja para que ella pueda comprarle lo que quiere. El cantante canta sobre su cansancio al llegar a casa del trabajo, pero sobre cómo las cosas que hace su amante lo animan.
La canción fue la quinta de siete canciones de los Beatles en alcanzar el número 1 en un año, un récord histórico en las listas estadounidenses. En orden, fueron « I Want to Hold Your Hand », « She Loves You », « Can't Buy Me Love », « Love Me Do », «A Hard Day's Night», « I Feel Fine » y « Eight Days a Week ». También fue la sexta de siete canciones escritas por Lennon-McCartney en alcanzar el número 1 en 1964, un récord histórico en las listas estadounidenses por la mayor cantidad de canciones escritas en alcanzar el número 1 en el mismo año.

A hards day’s night

True fue lanzada el 15 de abril de 1983 como tercer sencillo del álbum homónimo, grabado entre octubre y diciembre de 1982 en Compass Point Studios (Bahamas) y Red Bus (Londres)  ￼.
   •   Autor y musa: La canción fue compuesta por Gary Kemp, guitarrista y compositor principal, como una expresión de sus sentimientos hacia Clare Grogan, vocalista de Altered Images. Aunque la relación fue platónica, él la idealizó profundamente  ￼.
   •   Contexto emocional: Kemp describió el tema como una metáfora del desafío de escribir una canción de amor honesta: “¿Por qué me es tan difícil escribir la siguiente línea, cuando deseo que se diga la verdad?”  ￼.
   •   Referencias literarias: La línea “Take your seaside arms” es un guiño deliberado a Lolita de Vladimir Nabokov, novela que Grogan le había regalado. En el libro aparece “seaside limbs”, y este tipo de detalles simbólicos pueblan la letra  ￼.

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Estilo musical y desarrollo
   •   Influencias: La canción marca una transición desde el estilo “New Romantic” hacia un sonido más soulful, buscando inspiración en artistas como Marvin Gaye y Al Green  ￼.
   •   Instrumentación clave: Steve Norman, del grupo, aportó un solo de saxofón distintivo que se convirtió en uno de los más memorables de los 80s  ￼.
   •   Estrategia de lanzamiento: La banda primero lanzó los sencillos “Lifeline” y “Communication” para re-posicionarse en la escena pop antes de que el fenómeno True cobrara vida  ￼.

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Impacto histórico
   •   Éxito comercial: True alcanzó el número 1 en Reino Unido durante cuatro semanas en abril de 1983 y fue un éxito en más de 20 países. En Estados Unidos llegó al top 5 del Billboard Hot 100 y al número 1 en Adult Contemporary  ￼.
   •   Legado radiante: Este tema se volvió el mayor éxito de Spandau Ballet y su canción más emblemática. En EE.UU., ha sido una de las canciones más radiadas de la historia  ￼.
   •   Cultura popular: True ha sido versionada por artistas como Paul Anka, sampleada por P.M. Dawn (en su hits Set Adrift on Memory Bliss) y usada en películas como Sixteen Candles y 50 First Dates, además de series como Modern Family  ￼.
   •   Live Aid: La banda cerró su presentación en el concierto benéfico Live Aid en 1985 con esta canción, consolidando su importancia cultural  ￼.

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Interpretaciones musicales
   •   Temática y lirismo profundo: La canción puede entenderse como un “amor no correspondido” o, más profundamente, como el propio acto de confrontar la dificultad de expresar una verdad emocional  ￼ ￼ ￼.
   •   Reacciones del público: Opiniones en foros reflejan que, aunque a veces se interpreta como un tema indefinido, su poder emerge de esa sensación nostálgica e inefable  ￼.

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En resumen

True es mucho más que una balada pop de los 80: es el fruto de una confesión emocional personal, de un cambio estilístico audaz y de una ejecución musical impecable que permitió a Spandau Ballet escalar al estrellato global. Su legado perdura gracias a su honesta melancolía y su honestidad melódica.
Letra
Cada vez que pienso en ti
el mundo queda atrás,
la distancia se desvanece
y solo quedas tú.
Es tan difícil encontrar
la frase que decir,
pero sé que en esta historia
todo es de verdad.

Estribillo
Verdadero… como el cielo en la mañana,
verdadero… como el sol sobre el mar,
aunque el tiempo corra y todo cambie,
lo que siento aquí no morirá.

Verso 2
Guardo en mí tu risa azul,
tu voz de claridad,
y este sueño que persigo
no se va jamás.
Hay silencios que me dan
respuestas sin hablar,
y aunque no estés a mi lado
sé que volverás.

Estribillo
Verdadero… como el fuego que me llama,
verdadero… como el sol sobre el mar,
aunque el tiempo corra y todo cambie,
lo que siento aquí no morirá.

(Solo de saxo / guitarra improvisado – mismo compás que el original)

Coda
Verdadero… oh, verdadero…
Siempre tú… siempre tú…
Verdadero.

True

La Barca
   •   Compositor: Roberto Cantoral García (México, 1935–2010)
   •   Género: Bolero
   •   Año de composición: 1957
   •   Primera interpretación: Dúo Los Tres Caballeros (del que Cantoral formaba parte)
   •   Grabaciones emblemáticas:
      •   Los Tres Caballeros (1957)
      •   Lucho Gatica (Chile, 1958)
      •   Luis Miguel (México, 1991, álbum Romance)

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📜 Contexto histórico
   •   Roberto Cantoral compuso La Barca inspirado en una despedida amorosa vivida en un puerto del Pacífico mexicano.
   •   La canción se convirtió en un estándar del bolero latinoamericano, interpretada por figuras como Plácido Domingo, José Feliciano, Rocío Dúrcal y Luis Miguel.
   •   Luis Miguel la incluyó en su álbum “Romance” (1991), producido por Armando Manzanero, que revitalizó el bolero y lo llevó a un público joven.
   •   El álbum Romance vendió más de 7 millones de copias en todo el mundo y marcó un renacimiento comercial del género.

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🎤 Roberto Cantoral — breve biografía
   •   Nacimiento: 7 de junio de 1935, Ciudad Madero, Tamaulipas, México
   •   Muerte: 7 de agosto de 2010, Toluca, México
   •   Integrante de Los Tres Caballeros junto a Leonel Gálvez y Chamin Correa.
   •   Autor de otros éxitos: El reloj, Al final, Quien como tú.
   •   Presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México por más de 20 años.

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📀 Versión de Luis Miguel
   •   Álbum: Romance (1991)
   •   Productor: Armando Manzanero, con arreglos de Bebu Silvetti
   •   Estilo: Bolero clásico con orquesta, respetando la estructura original pero con sonido contemporáneo.
   •   Impacto: Acercó el bolero a nuevas generaciones y fue uno de los sencillos más exitosos del disco.
   •   Premios: Aunque La Barca no ganó un premio específico, el álbum Romance obtuvo múltiples reconocimientos y es uno de los discos en español más vendidos de la historia.
Letra

Dicen que la distancia es el olvido
Pero yo no concibo esa razón
Porque yo seguiré siendo el cautivo
De los caprichos de tu corazón
Supiste esclarecer mis pensamientos
Me diste la verdad que yo soñé
Ahuyentaste de mí los sufrimientos
En la primera noche que te amé
Hoy mi playa se viste de amargura, oh
Porque tu barca tiene que partir
A cruzar otros mares de locura
Cuida que no naufrague en tu vivir
Cuando la luz del sol se esté apagando y
Te sientas cansada de vagar
Piensa que yo por ti estaré esperando
Hasta que tú decidas regresar
Supiste esclarecer mis pensamientos
Me diste la verdad que yo soñé
Ahuyentaste de mí los sufrimientos
En la primera noche que te amé
Hoy mi playa se viste de amargura
Porque tu barca tiene que partir
A cruzar otros mares de locura
Cuida que no naufrague en tu vivir
Cuando la luz del sol se esté apagando y
Te sientas cansada de vagar
Piensa que yo por ti estaré esperando
Hasta que tú decidas regresar
(Hasta que tú decidas regresar)

La Barca

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac

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Adrian en guitarra

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