L’arbre qui croît en moi
2010
Pauline Buet, violoncelle
Captation live, concert Cantabile le 17 décembre 2010 au Théâtre Adyar

Composée en hommage aux Indiens Kichwa de Sarayaku, créée par Pauline Buet, sa dédicataire, en octobre 2010 lors des Journées « Frontières de vie », L’arbre qui croît en moi a été présentée dans une nouvelle version lors du Concert Cantabile du 17 décembre 2010 au Théâtre Adyar.
Nous avons initialement pensé à l’arbre et à la musique, tous deux aussi fragiles que forts, qu’un rien écrase et qui pourtant portent nos cœurs vers les révolutions collectives et personnelles les plus amples. Pour vivre, l’arbre comme la musique ont besoin de croître en nous, et pas seulement d’être plantés au loin. Souhaitons qu’ils s’insinuent en nous, car ils sont chacun à leur manière une « sentinelle vers l’invisible » selon le mot du peintre Caspar David Friedrich.
C’est la tension entre fragilité et force, entre intériorité et extériorité, qui innerve toute la pièce, associant des séquences aux caractères opposés : les indications sur la partition prescrivent parfois un archet « léger, rapide, ondoyant », au contraire parfois « lent, plein et intense ». Ces oppositions sont démultipliées par des variations de registres de « voix » et de couleurs de l’instrument, rejoignant doublement la musique de Schumann : par la thématique, celle de l’arbre, récurrente dans le romantisme allemand ; mais aussi dans le rapport que Schumann entretient à la nature, qu’il évoque par des plans très larges alternant avec des « zooms » extrêmement proches : voix multiples, proches ou lointaines, venant de la clairière ou du bois, intérieures ou extérieures, fondues ou séparées, régulières ou saccadées.


L'arbre qui croît en moi - Cello solo - 2010

Souffle j’étais
2010
Piano : Agnès Houlez, Violoncelle : Emmanuelle Bacquet, Hautbois : Jacky Morel

Captation live, concert de musique de chambre des musiciens de l’Orchestre Régional de Bayonne Côte Basque, 8 avril 2011.

Ce trio suit le destin musical et sonore de courtes cellules et figures compositionnelles, que l'on pourrait appeler métaphoriquement des souffles, à l'image de bulles ou de ballons envoyés dans le ciel, dont on suivrait la trajectoire le plus loin possible avant de leur prêter une destinée. Dans le premier mouvement, l’intervalle de seconde, cette petite chose qui en contient en puissance bien d’autres, est la principale cellule employée, le principal « souffle ». Le « souffle » du second mouvement est une figure d’accord arpégé qui s’imprime aussi bien verticalement, en termes d’harmonie, qu’horizontalement comme répétition temporelle. 
L’emploi de l’imparfait dans Souffle j’étais suggère une présence qui continue, une vivacité encore bien présente. 
Le premier mouvement comporte deux parties issues du même matériau mais assez dissemblables dans leur réalisation (première partie : mesures 1 à 47 ; seconde partie : mesures 48 à̀ 74) et une coda (à partir du chiffre 10). Dans la première partie, la main gauche du piano et le violoncelle sont intimement associés dans le grave (peut-être une réminiscence de Brahms ?), ce qui dégage l’espace du médium et de l’aigu pour le hautbois et la main droite, et leur laisse toute liberté pour décliner ces « souffles », brèves cellules de deux notes. La seconde partie reconfigure cet équilibre, en associant le hautbois et le violoncelle en homorythmie, alors que le piano se voit confier un flux qui pose des appuis harmoniques.
Dans le deuxième mouvement, il s’agit avant tout d’explorer un champ harmonique confié au piano. Toutefois, l’énonciation arpégée des accords permet de basculer aisément d’un temps contemplatif à un temps strié, pour laisser la place à de courts duos hautbois/violoncelle dans lesquels le piano se tient à l’arrière-plan. Le développement central associe ces deux formes d’écriture : temps harmonique strié et jeux entre hautbois et violoncelle. Le mouvement est articulé en séquences dont les enchaînements se font soit en rupture soit en fondu.
L’œuvre est dédiée à Emmanuelle Sanglar, pianiste, et professeur de piano, en partage d’une belle et longue amitié.


Souffle j'étais - Oboe, cello and piano trio - 2010

Tombeau de nuages
2011
Piano : Emmanuelle Swiercz
Extrait du CD Liszt Voyageur enregistré par Emmanuelle Swiercz – Label Intrada – 2012

A la demande de la pianiste Emmanuelle Swiercz, Alain Bonardi a composé trois pièces pour piano en commentaire d’œuvres de Liszt. Tombeau de nuages prolonge Nuages gris, célèbre pièce du dernier Liszt (1885), dont la brièveté est toujours frustrante ; les deux derniers accords qui égrènent sa fin en ont suscité d’autres, pour devenir un monde en soi, un large champ de développement harmonique. Le titre Tombeau de nuages renvoie au double sens du mot « tombeau ». Le premier est, dans l’esprit du XVIIIe siècle, un hommage à un compositeur, comme le rappellera magistralement Ravel dans son Tombeau de Couperin. Le second est le sens classique, nous renvoyant au Liszt âgé, quelques mois avant sa mort,  au compositeur-voyageur qui renonce peu à peu à arpenter le monde et laisse désormais les nuages glisser sur lui.


Tombeau de Nuages - Piano solo - 2011

Pianotronics 2
2014
Yuki Kamiya, piano
Captation live, lors du concert du 7 mars 2014, à la Toho Gakuen à Tokyo.

Pianotronics 2 est la deuxième pièce d’un cycle de 12 compositions pour piano et électronique temps réel. La partie électronique en temps réel, développée dans le cadre de la MétaMallette de PuceMuse, associe les transformations sonores du piano à leur spatialisation ambisonique (faisant appel à la bibliothèque HOA du CICM), de telle sorte qu’elles soient directement conçues dans l’espace et pas seulement spatialisées ultérieurement. Les sept harmoniques circulaires utilisées dans le modèle ambisonique (de niveau 3) intègrent des frequency shifters et des granulateurs faisant appel à des accords de piano dans le grave.


Pianotronics 2 - Piano and live electronics - 2014

Creusé vers l’étoile
2011
Emmanuelle Swiercz, piano
Extrait du CD Liszt Voyageur enregistré par Emmanuelle Swiercz – Label Intrada – 2012

A la demande de la pianiste Emmanuelle Swiercz, Alain Bonardi a composé trois pièces pour piano en commentaire d’œuvres de Liszt. Ce mouvement d’aller-retour entre Liszt et l’époque contemporaine n’appréhende pas le présent comme simple conséquence du passé. A l’opposé, cette démarche explore des ramifications, tend des miroirs, éclaire les œuvres les unes à la lumière des autres. Ainsi, Creusé vers l’étoile est un commentaire du Sonnet 104, plus particulièrement de son début, de cette montée marquant souvent le commencement de l’œuvre chez Liszt, pour s’extraire d’une matérialité pesante, et cheminer vers la lumière, d’où le titre Creusé vers l’étoile.

Mais ce commentaire avec d’amples jeux d’accords qui se répondent entre les deux mains en montant vers l’aigu fait irrémédiablement penser aux Funérailles de Liszt en hommage à Chopin. Le Sonnet 104, Funérailles et Creusé vers l’étoile ainsi se répondent indépendamment des époques.


Creusé vers l'étoile - Piano solo - 2011

Pianotronics 3
2016
Maquette avec des samples de piano.

Pianotronics 3 est une œuvre en forme ouverte composée de 8 pièces courtes, intitulées : 
•	séquence initiale, 
•	séquence 1, 
•	séquence 2,
•	séquence 3,
•	séquence 4,
•	séquence 5,
•	séquence 6,
•	séquence finale.
La séquence initiale ouvre la pièce, et la séquence finale la conclut. Mais les séquences de 1 à 6 peuvent être jouées dans n’importe quel ordre. C’est l’ordinateur qui propose au pianiste l’ordre des pièces.
Exemple d’ordre
Séquences initiale / 2 / 3 / 1/ 4 / 5 / 6 / finale.
Par ailleurs, les tempi des séquences sont proposés par l’ordinateur à l’interprète grâce à un métronome visuel. Dans la partition, chaque séquence est indiquée avec une plage de tempi possibles entre un tempo minimum et un tempo maximum.
Exemple de tempi
107 (séquence initiale) / 93 (2) / 103 (3) / 101 (1) / 87 (4) / 93 (5) / 123 (6) / 103 (séquence finale)
La communication avec le pianiste se fait via un moniteur vidéo ou un iPad installé sur le lutrin du piano. Sur cet écran s’affichent la partition de la séquence à jouer et le métronome visuel sous la forme d’un disque rouge clignotant au tempo proposé par l’ordinateur au début de chaque séquence.

Pianotronics 3 - Piano and live electronics - 2016

Préparation de l'installation sonore pour la nef de l'Hôtel Dieu de Tonnerre, du 1er juillet au 31 août 2018

Les Songes de la nef - Extrait 1

Guitar: Amèlia Mazarico. Sound engineer: Nicolas Thelliez.

This piece is inspired by India; it is a far-off and invented inspiration, fed by listening to travel writings and sounds, but nevertheless very present. According to indian mythology, Brahmâ divinity created the universe by sound, and not by the Word as we state in the West, thus transforming religion into a dialectical machine. The title « Fil de soi » refers in french both to a « fil de soie », that is a silk thread, and without the final ‘e’ « Fil de soi » to an introspective path in our personal labyrinth –like Ariadna’s thread. It also refers to mixed music for guitar and live electronics: the threads/strings of the guitare linked to the threads/wires of the electronics. In the electronic part, we continue a research on realtime timbre transformation of the instrument, that is the only sound material (no pre-recorded files) with the inspiration of indian sitar.

Fil de Soi 1

Guitar: Amèlia Mazarico. Sound engineer : Nicolas Thelliez.
Another Fil de Soi, another introspection in my personal labyrinth, still inspired by asian sounds, especially metallic percussions. Another research on realtime timbre transformation of the guitar. Still no prerecorded sounds, just live guitar transformation.

Alain Bonardi

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