"Todos los recuerdos presentes envolvían ese sonido y algo me miró" pour ensemble de 15 musiciens dediée au Nouvel Ensemble Moderne et à sa directrice Lorraine Vaillancourt. Créée en 2008 par le NEM à Lyon.
(fl, htb,  2cl, bsn, cor, tr, trbn, perc, pno, 2vl, alto vlc, cb)

« Todos los recuerdos presentes envolvían ese sonido y algo me miró » est une réflexion sur la place qu’occupe la mémoire au sein de
la création artistique en général et particulièrement en musique. Elle est aussi un reflet esthétique de l’importance de la mémoire dans
la vie des hommes comme une arme de résistance. L’élément déclencheur de cette oeuvre est une phrase de Luis Sepúlveda où il disait
avoir été capable de résister aux emprisonnements lors de la dictature militaire chilienne grâce au souvenir des oeuvres littéraires qu’il
avait lues, ce qui lui a permis de s’évader de cette dure réalité. Ces souvenirs sont devenus pour lui une arme qui l’a protégé de la folie
et de la mort. Dans ce même ordre d’idées, le titre de la pièce appartient à un poème de Leonel Lienlaf, poète mapuche, qui évoque le
souvenir de la littérature orale reçue de sa grand-mère. Dans cet esprit, j’utilise l’idée du souvenir comme un geste réparateur qui se
répète, se cherche et qui se construit dans le processus u rétour sur lui-même. À l’intérieur de ce processus, les changements au niveau
timbrique sont la matière fondamentale d’une transformation permanente. La notion de mémoire rejoint ici celle de la résonance où
plusieurs idées musicales se dégagent à partir d’un élément générateur. La pièce est constituée de douze sections articulées par des
contrastes, par transformation graduelle ou par des éléments déclencheurs qui apparaissent au hasard. Ces sections sont comme la
mémoire qui n’est pas une évocation logique mais un désordre de possibilités infinies qui font sens.

Todos los recuerdos presentes envolvían ese sonido y algo me miró

« À la partie inférieure de la marche, vers la droite, je vis une petite sphère aux couleurs chatoyantes, qui répandait un éclat presque insupportable. Je crus au début qu'elle tournait ; puis je compris que ce mouvement était une illusion produite par les spectacles vertigineux qu’elle renfermait. Le diamètre de l'Aleph devait être de deux ou trois centimètres, mais l'espace cosmique était là, sans diminution de volume. Chaque chose (la glace du miroir par exemple) équivalait à une infinité de choses, parce que je la voyais clairement de tous les points de l'univers. »

 Jorge Luis Borges,  L’Aleph, 1966


Inspirée de la nouvelle éponyme de Jorge Luis Borges, j’ai voulu créer dans cette pièce un espace complexe constitué de plusieurs couches de sons ou d’évènements sonores. Mon intention est d’inviter à l’écoute d’un espace pluridimensionnel plutôt qu’à une écoute subordonnée à une ligne directionnelle et temporelle. Dans cette perspective, le jeu de nuances, la durée irrégulière des évènements, la multiplicité de possibilités de jeux de cordes, le fait de rendre perceptibles certains processus d’évolution formelle, ainsi que le choix de rendre identifiables certains gestes sonores m’ont permit de construire cet Aleph dont la lecture et les interprétations peuvent être multiples. 
Cette démarche s’inscrit dans la continuité de recherche d’une dramaturgie musicale qui traduise le mieux l’idée de forme ouverte, c’est à dire, un lieu de fragilité continuellement soumis à l'émergence de nouveaux évènements sonores, gestuels et visuels—un espace sensible, et en constante transformation.

Concert 18 octobre 2013 musique québécoise

L'Aleph

LA MACHI (20’)
For solo flute and electronics. Premiered on March 14,                        2010 by Marie-Hélène Breault at the National Museum of Fine Arts, Quebec.

LA MACHI

CATHEDRALE-LUMIERE (11’45’’) 2013
For saxophone quartet (SATB)
Premiered on November 29 at La Chapelle Historique du Bon Pasteur, Montréal by QUASAR, saxophone quartet.
Dedicated to QUASAR saxophone quartet

For the visual artist Carole Simmard-Laflamme, The Cathedral Dress thus crystallizes the traces of significant moments in life. It carries within it cultures and civilizations. The fabric recovered to create the works becomes the memory-material of men and women participating in a collective and multicultural installation in the very image of humanity.
Inspired by the architectural aspect of The Cathedral Dress as well as by the symbolic richness and singularity of the materials that compose it, we composed this piece based on the idea of weaving a complex sound space. Research has thus been focused on the design of the processes of transformation, metamorphosis, interpolation of materials: timbre, texture, density, friction, tearing, colors, fusion, diffraction, reflection of light and sound, vibration, shattering, dazzling.
Divided into two main parts: Cathedral-Light and Cathedral Dress, the piece is structured into twelve moments that symbolize the twelve periods of Simard-Laflamme's work.

Cathédrale-Lumière

For eight flutes and solo cello.
Commissioned by ECM+ with support from the Canada Council for the Arts. 
Premiered on 8 November 2005 by the Ensemble de flûtes Alizé, conductor Véronique Lacroix, soloist Marie-Éve Bock at the Saint-Pierre Apôtre church in Montreal.

Inspired by the fable of the same name by Jean de Lafontaine, the approach I attempted in this piece aims to musically evoke not only the literary and formal aspect but especially the playful character of fables in relation to their projection in the human sphere. Since it is not a question of passing on a morality but of criticizing impostures that seem natural, these fables keep an exceptional durability.   

For the composition of this work, I relied on three main aspects: 1. the notion of story-moral coexistence, man-animal, pleasure-instruction, 2. the idea of opposition, as a confrontation of musical elements and 3. sound spatialization. The idea of coexistence of elements is present through the unfolding of multiple characters in the solo dialogue of the cello at the beginning of the piece. The notion of opposition is evoked by the confrontation of a solo instrument with a mass of flutes but also within the various timbric games of the instruments. I particularly worked on the idea of spatialization in the construction of the mass texture of the flutes through the setting in motion of the same height or the same gesture that moves inside the ensemble of flutes. This movement of the musical gesture seeks the echo effect through a play of imitation and repetition that densifies this heap of sound to make it almost noisy.

The play is articulated through the main characters who, as in Lafontaine’s text, support the plot. In the formal aspect, the initial solo of the cello then the dialogue flute alto cello and the set of flutes that invade this dialogue, constitute a structure that also corresponds to that of the fable. However, the cello follows throughout the piece a gradual transformation of simplification of materials. It evokes at the end, devoid of the range of timbres and in a granular sound, an almost lyrical and dark character.

Le chêne et le roseau

For flute, clarinet, cor, piano, violin and cello
Premiered by SMCQ, Société de Musique Contemporaine du Québec conducted by Walter Boudreau on April 17 2014 at Salle Pierre-Mercure – Centre Pierre-Péladeau, Montréal.
Dedicated to the composer Denis Gougeon 

Reflet is built from a melody extracted from the piece «Piano soleil» by Denis Gougeon. A simple process of stretching this original melodic line is the basis of the composition of the piece. Indeed, this melodic line of a duration of 20 seconds in the work of Gougeon, envelope here the total of the piece.
The melodic line is underlined by several sound production techniques inside the piano that reveal the melody in motion and constant transformation. Some of these techniques are: the alternation of tremolos and trills between two or three notes, the degree of pressure of the fingers on the strings that can go up to the muffled sound, the position of the fingers on the strings (near the bridge, in front of the ankle etc.)  which determines the presence of harmonics more or less sound and thus has an influence on the timbre of the sounds produced. There is also the touch of two or three of the strings that normally produce the sound, the pizzicatos on the free strings and the slight distortion of the sound result of touching the strings with the nail. The interventions of the other instruments are a consequence of this melodic line; while strengthening the gesture, they merge with the main melody of the piano by bringing to the sound changes of timbre and dynamism.
Written in tribute to Denis Gougeon, my piece Reflet tries in this way to translate the expressive force found in the music of this great composer who had a strong influence on my music and on my person. It was with admiration and respect that I wanted to «reflect» his music as a continuation, as a desire to perpetuate his imagination and his art.

REFLET

For Mezzo-soprano, oboe, harp, piano, 3 percussions, 
Commissioned by Lawrence Cherney, the artistic director of Soundstreams  Canada.
Premiered on September 29 2015 at the Koerner Hall, TELUS Centre for Performance and Learning, Toronto, by Melissa Scott, oboe; Erica Goodman, harp; John Hess, piano; Michelle Colton, percussion; Dan Morphy, percussion et
Ryan Scott, percussion.

This piece is inspired by the poem Romance de la luna, luna by Federico Garcia Lorca

Romance De La Luna, Luna

LA TELESITA (5’) 2011
For Viola da gamba et clavecin
Commissioned by Fiolûtröniq Cléo Palacio-Quintin (flûtes et électronique) Elin Söderström (viole de gambe) & Katelyn Clark (clavecin) with the genereux support of the Conseil des Arts et des Lettres du Québec.
Premiered by Elin Söderström (viole de gambe) & Katelyn Clark (clavecin) on March 8, 2011 at La Chapelle Historique du Bon Pasteur de Montréal as part of the program of composer-in-residence Cléo Palacio-Quintin.


La Telesita is a legend from the north of Argentina that relates the life of a very poor girl. Her passion for dance led her to dance non-stop until she fell to the floor exhausted by fatigue. A tragic end marks her life, because she dies burned by the fire that warmed her.
La Telesita and La folia share the same symbolism, that of madness, excess and vertigo associated with the repetition of a gesture that constantly gives the dance its ritual character.
I wanted to revive the image of La Telesita from fragments of sounds that stand out from the initial chords of La folia and gradually take the strength and spirit of the dance through the repetition of the same motif.

TELESITA

LAISSER VIBRER (5’) 2003
For flute, clarinet, percussion, piano, violin and cello 
Premiered by the Virâj ensemble directed by Mélanie Leonard on February 2003 at the Claude Champagne Hall, Faculty of music of the Montréal University.

Laisser Vibrer

Bleu vert tendre ( 5’17)
Pour quinze musiciens. Interprété par le Nouvel Ensemble Moderne,
dirigé par Lorraine Vaillancourt le 20 août 2001 au Domaine Forget, Québec.

Bleue Vert Tendre

Fosse 11

Pou clarinette, percussion, piano, violon, alto et violoncelle. Commande de Radio France pour l'émission radiophonique “Alla Breve” de Anne Montaron. Créée le 7 mai 2017 au Théâtre de l’Aquarium, Paris par l’ “Ensemble Aleph”. Enregistré le 21 avril 2017 au studio 106 de la Maison de Radio France.

ASHPA RUPAJ means in quichua language « Hot land ». 
The principal idea of the piece was to create different sonorities to reflect characteristic sounds of the native music of northern Argentina. The originality of the music of this region consists precisely in its great timbral richness, which draws its power on a kind of primitive and complex sound. It is a music characterized by quick change of registers, abrupt fluctuations of intensity, the use of glissandos, guttural sounds, nasal sounds, sounds which are at the limit between singing and crying.

But it is above all the flagrant contrast between an extreme simplicity in the form and a deep complexity in the timbre that is at the origin of what I consider the expressive force of traditional music. This is this particularity that I tried to capture in this piece.

ASHPA RUPAJ

trio pour piano, violon et violoncelle. Crée par le Land’s end Ensemble à Calgary le 3 février 2017

New Voices, New Directions

Don Liborio Avila

Pièce pour orchestra crée le 12 février 2017 à Toronto par l’Esprit orchestra dirigé par Alex Pauk.

El canto del viento

Dernier numéro du ballet JUANA

Analia Llugdar, musique  Eric Oberdorff, chorégraphie. 
Soprano Donatienne MICHEL-DANSAC, Violoncelliste Myrtille HETZEL, Clarinettiste Annelise CLÉMENT,

Danseuses
Cécile ROBIN PRÉVALLÉE, Emma LEWIS, Audrey VALLARINO, Mariko AOYAMA,
Co-production Compagnie Humaine / Monaco dance Forum / CIRM 2012.

Captation spectacle vendredi 29 novembre 2013 au Théâtre National de Nice dans le cadre du Festival Manca 2013.

X Un gato

Trio pour violon, violoncelle et piano
La pièce est construite à partir de la notion d’attaque-résonance. L’attaque est conçue comme un point générateur, déclencheur de cette résonance. L’idée motrice de Tricycle est justement la composition de la
résonance, c’est-à-dire de son écriture, de la notation de tout ce qui se détache de l’attaque, et de son postérieur développement. La notion de continuité et celle de variation dans toutes ses formes :
transformation, mutation, déformation et même distorsion, sont les outils indispensables pour rentrer dans la complexité de la matière sonore, pour décomposer et composer les textures, les timbres et les sons. De cette
façon, l’image de la résonance comme un vestige du son est remplacée par celle de résonance en tant que processus de reconstitution qui implique une sélection de l’objet sonore à retravailler, sa sujétion à des changements perpétuels et sa progressive affirmation comme un nouveau matériel capable de désenchaîner
des nouvelles formes de « résonance ».
Tricycle est une commande de Jeunesses Musicales du Canada et a été créée le 28 janvier 2005 par le Trio Fibonacci à La Chapelle Historique du Bon Pasteur, Montréal.

Tricycle WAV CD

LUZ - PK

El sueño de Aquiles (16’) 2010.
	pour quatre voix solistes et quatre percussionistes. Commande de Soundstrreams Canada à travers de Lawrence Cherney avec l’appui du Conseil des arts du Canada. Création le 16 octobre 2010 au Festival Cervantino, Mexique. 


Le rêve d’Achille

¿Qué nos faltó para que la utopía venciera a la realidad?
			¿Qué derrotó a la utopía?

ANDRES RIVERA - La revolución es un sueño eterno



Pour la composition de cette oeuvre, je me suis inspirée du poème El sueño de Aquiles. Polifonía, du poète mexicain José Manuel Recillas.  Le poème fait référence à Achille, le personnage central de l'Iliade et à sa rencontre avec Hector à qui il assassine, mais il fait allusion aussi d’une manière plus décisive, à Aquiles Serdán, l’un des précurseurs de la Révolution mexicaine. Selon José Manuel Recillas, il existe une sorte de jeu de miroir entre le temps mythique et le temps réel qui se manifeste à travers des citations de l’Iliade où les mots d’Hector juste avant sa mort deviennent celles d’Aquiles Serdán. Le jeu de miroir entre les deux personnages se fondre dans la question éternelle de savoir ce qui attend à l’homme dans l’avenir et dans le désespoir par rapport au fait que le monde ne changera jamais et que la lutte de l’homme pour sa liberté doit être constante.


J’ai été particulièrement intéressé par l’idée de jeu de miroirs dans lequel la nuit (noche) devient le miroir de l’aube (mañana), l’espoir celui du désespoir, la colère celui du délire et la solitude celui de l’absence. Musicalement, cette idée se manifeste dans le traitement des voix qui de fois se multiplient pour créer un geste unique ou se superposent dans des textures contrepointiques.  La disposition des deux percussionnistes en  arrière de la salle répond à une idée de spatialisation du son où, à la manière d’un miroir, la percussion I se reflète dans la percussion III et la percussion II dans la percussion IV. De la même façon, il existe un jeu constant entre les voix et la percussion où l’un devient l’écho de l’autre et où l’un se fond dans l’autre.

Étymologiquement le mot Achiles signifie de akhos : douleur et de laos : peuple, le nom Achiles devient alors une personnification de la douleur d’un peuple. Cette oeuvre est alors un chant qui accompagne le rêve éternel de « revolución » et son désir de  liberté.

El sueño de Aquiles

Extrait du ballet JUANA

Analia Llugdar, musique  Eric Oberdorff, chorégraphie. 
Soprano Donatienne MICHEL-DANSAC, Violoncelliste Myrtille HETZEL, Clarinettiste Annelise CLÉMENT,

Danseuses
Cécile ROBIN PRÉVALLÉE, Emma LEWIS, Audrey VALLARINO, Mariko AOYAMA,
Co-production Compagnie Humaine / Monaco dance Forum / CIRM 2012.

Captation spectacle vendredi 29 novembre 2013 au Théâtre National de Nice dans le cadre du Festival Manca 2013.

AS 2 RY solo clarinet and electronics

Extrait de "La Faim Artaud" pour flûte, clarinette, trompette, trombone,piano, percussion, violon, alto, violoncelle

I b. Kré pouc te

Duo pour violoncelle, clarinette et électroacoustique-Extrait du ballet JUANA

Analia Llugdar, musique  Eric Oberdorff, chorégraphie. 
Soprano Donatienne MICHEL-DANSAC, Violoncelliste Myrtille HETZEL, Clarinettiste Annelise CLÉMENT,

Danseuses
Cécile ROBIN PRÉVALLÉE, Emma LEWIS, Audrey VALLARINO, Mariko AOYAMA,
Co-production Compagnie Humaine / Monaco dance Forum / CIRM 2012.

Captation spectacle vendredi 29 novembre 2013 au Théâtre National de Nice dans le cadre du Festival Manca 2013.

JEUX (duo violoncelle-clarinette)

 ANALIA LLUGDAR
Analía Llugdar is a Canadian/Argentine composer who is currently based in Montréal, Canada. She studied piano and composition at Cordoba National University, Argentina. She continued her composition studies at University of Montréal, where she completed a Master with José Evangelista and a PhD in Music composition with Denis Gougeon. 

She has received several awards for her work, including First Prize in the chamber music category of the CBC Radio National Competition for Young Composers, the Jeunesses Musicales du Canada Award and the Grand Prix of the Canada Council for the Arts. Also, she has received the Contemporary Music Québec-Flandres Prize 2007, the Jules Léger Prize 2008, the “Prix Opus du compositeur de l’année 08/09 du Conseil quebecois de la musique” and recently the Victor-Martyn-Lynch-Staunton prize of the of the Canada Council for the Arts.

Several of her works were performed at festivals including Montréal Nouvelle Musique (MNM), Conference of Contemporary Music (Brussel), the International Society of Contemporary Music Concerts (Flandres), Biennal Musique en Scène 2008 (Lyon), Royaumont Voix Nouvelles (France), Domaine Forget (Quebec), The 2008 Cornerstone Festival (Liverpool), Huddersfield New Music Festival (Huddersfield, UK), Presences China Concerts 2009 (Shanghai), TRANSIT festival in Belgium, Cervantino in Mexico,  MANCA in Nice etc.


Analia Llugdar

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