Español
Esta obra sonora está basada en la visita de cinco días que hice a la costa del atlántico de Colombia con el apoyo de la beca IBERMUSICAS y la Fundación Círculo Abierto, para participar en el proyecto “Sonidos de la Ribera”. Fue un viaje para conocer las raíces de la música afro colombiana, así como algunas de sus vertientes contemporáneas como La Champeta. El centro de la vista fueron tres pueblos en donde me pude empapar de los verdaderos orígenes de la música negra de esta región: Palenque De San Basilio, Repelón, y Santa Lucía, en donde pude grabar distintos ejemplos. Allí, algunos de los instrumentistas nos hicieron del favor de tocar solos de tambor con distintos ritmos de la región. 
La base de mi obra es la dilatación temporal de esos distintos ritmos de tambor, a partir de granulaciones temporales. Los sonidos resultantes nos hacen sentir una especie de pulsación vital, que para mi es la respiración de estas tierras negras agrestes, de sus antepasados esclavos y de la cultura negra presente, que intenta a toda costa salvar lo poco que les queda con respecto a su identidad, sus toques de tambor y sus bailes.
Sobre estas pulsaciones granulares que incluyen las resonancias extendidas de estas magníficas percusiones (incluida la de una marímbula), edité una serie de paisajes sonoros grabados en el viaje, comenzando por mi primera noche en un departamento de Cartagena, luego por una grabación en las pequeñas calles del centro histórico de esta bella ciudad, en donde podemos escuchar a un merolico lanzando su canto al aire, en el lago de Repelón, con los pescadores y sus hijos, que curiosamente hablaban de su música y de sus bailes, y de cómo alguno de ellos ya había aprendido a bailar, etc. Para mi, ellos representan un mejor futuro para esta cultura que todavía sufre y parece estar relegada del status quo Colombiano. 
La obra termina con la inclusión de uno de los cantos regionales de Santa Lucía que coreografiaron para nosotros, en donde se canta repetitivamente la frase: la rama del tamarindo. Este es un árbol endémico del África tropical que imagino se ha vuelto importante en esta región de Colombia. 
La obra, por su longitud, esta pensada para ser escuchada de manera no lineal, a modo de instalación sonora, o en la casa, mientras escribimos, pensamos, etc. Es una especie de mantra que adquiere distintas configuraciones macro rítmicas, desde una pulsación lenta y simple, hasta varias super puestas y que crean una estructura más compleja. Todas ellas interactúando de manera constante con los paisajes sonoros endémicos.
English
This sound work was based in a five day visit to the Colombian Atlantic Coast with the support of the IBERMUSICAS grant and the Circular Abierto Foundation in Barranquilla, in order to participate in the Project “Sounds of the Ribera”. It was a trip designed to get to know the roots of Afro Colombian Music, as well as some of its contemporary popular music branches as the Champeta. The center of the visit was three towns where I could get involved with the true origins of the black music of this region: Palenque De San Basilio, Repelón, and Santa Lucía, where I could record different examples. There, some of the instrumentalists played us solo drum music with the different rhythms of the region.
The base of my work was the temporal extension of these drums rhythms, by the way of time granulations. The resulting sounds are a kind of vital pulsation, which for me, represents the breathing of theses dried lands, of the salve ancestors and the new black present culture, that is trying to save the little that is left with respect to their identity, their drum playing and their dances.
Over these granular pulsations, with their magnificent resonances, I added a series of sound scapes recorded on the trip, starting from my first night in an apartment in the city of Cartagena (traffic), and then in the Little streets of the historic center (a street vendor, a chariot, etc), and then in the small towns I visited, where we can hear the fisher men and their kids, where one of them tells his friend how he learned to dance. For me, these children represent a better future for this culture that still suffers and seems to be relegated from the status quo in this south American country.
The work ends with the inclusion of one of the regional chants form Santa Lucia that was choreographed for us, where they sing repeatedly the phrase, The Tamarind Branch, and endemic tree from tropical Africa that has become important in this region of Colombia.

La Rama Del Tamarindo

FABRICA SP

Esta obra es la segunda fase de una serie de obras que estoy produciendo, la primera fue creada en Noviembre de 2022 y presentada en el espacio Boca, General Prim 14 en la ciudad de México, utilizando 18 lajas irregulares de piedra (tres distintos tipos de lajas, 6 de cada una) y conos de hierro oxidado para sostenerlas de 3.5 cm de diámetro (tres conos por laja), con las cuáles he realizado varias activaciones sonoras al tocarlas como litófonos. En este caso la obra es de mayores proporciones, ya que en vez de lajas utilizo piedras grandes de tezontle rojo, que son mucho más voluminosas, e irregulares de distinta manera. El título de la obra tiene que ver con el juego de usar distintas alturas para presentarlas, creando así una geografía escultórica pétrea. El tezontle rojo también se puede tocar, produciendo sonidos distintos, menos agresivos y más huecos y porosos (valga la metáfora), pero no todas se pueden tocar o no en toda su corporeidad, sino solo en los lugares formados por piedra dura y no de la lava seca porosa que se desmorona fácilmente. En este caso, la escultura - instalación consta de 8 piedras que también fueron activadas, es decir, tocadas con distintas herramientas que pueden servir como baquetas por mí y por otros músicos experimentales. En esta acción tocamos yo y Roberto Turnbull

Relieves Pétreos Tezontle - Extracto Largo

Geografías Agrestes es una instalación sonora a partir de un objeto de origen prehispánico: el comal de barro, una forma matérica cargada de múltiples significados, desde los históricos, culturales, utilitarios y estéticos, hasta  los sociales, políticos y geográficos. Este objeto  nacido en Mesoamérica, se utilizaba sobre todo para cocer las tortillas de maíz. Los comales son circulares y cóncavos y tienen varias dimensiones que van desde los 25 centímetros hasta un metro de diámetro. 
El comal de barro se sigue empleando en México así como en algunos países centroamericanos, pero está extinguiéndose a causa de distintos factores: la aparición de comales de acero mucho mas resistentes; la escases de barro que los vuelve muy caros; a causa de la globalización que induce a la gente pobre a comprar cerámica china barata. Las tradiciones se están perdiendo. Sin embargo, el comal de barro sigue siendo preferido en pequeñas comunidades en donde los artesanos no han desaparecido, y donde existe una preferencia al sabor de la tortilla cocida en ellos.
Este proyecto parte de las cualidades formales, estéticas y sónicas de los comales, pero plantea desarrollarse a partir de las distintas implicaciones conceptuales que entraña su utilización. Estos son amasados, moldeados, y luego cosidos bajo el sol durante días. Al final, son cubiertos por periódicos para ser cocidos sobre el fuego. Este último proceso genera unas manchas azarosas en su superficie que nos remiten a geografías esparcidas y quebradas. Par mi, estos mapas representan a las comunidades mexicanas y mesoamericanas que todavía resisten a la pobreza, a la desigualdad, a ser tragados por la modernidad, y que se aferran a sus tradiciones, la única cosa digna que les queda.











"Geografías Agrestes"

Momentos (moments)2015-2016, is a composition for amplified viola dedicated to Alexander Bruck. It consists in six movements or short pieces, separated interludes, that can be disposed in any order chosen by the interpreter. Not all the moments have to be always played. Each one of these moments are processes, trajectories, different ways of playing the viola searching for non traditional conditions where new sounds can arise. Each moment searches instability, but in that quest, the execution finally ends up finding distention, quietness. The work is non linear due to the modularity of the fragments, but also within the micro cosmos of each one of the moments found in experimentation, starting from the imagination of the interpreter to whom the work was dedicated, as well as in the different ways the composer tried to find the trajectories by playing the instrument without knowing how to. The executions of the viola player as well as the ones performed by the composer were transcribed resulting in these six determinate moments, but which could grow and become more numerous. The result, or al least the interpretation here recorded, make me think about complexity and simplicity, about a constant breathing and expiration that have no determinate beginning or end.

Momentos es una composición para viola amplificada dedicada a Alexander Bruck. Consiste en seis movimientos o pequeñas piezas, interludios separados que pueden ser dispuestos en el orden que al intérprete le plazca. No todos los momentos tienen que ser siempre tocados. Cada uno de estos momentos son procesos, trayectorias, distintas maneras de tocar la viola buscando condiciones no tradicionales dentro de las cuáles puedan aparecer sonidos nuevos. Cada momento busca la inestabilidad, pero en esa búsqueda la ejecución finalmente termina encontrando la distención, la quietud. La obra es no lineal debido a la modularidad de los fragmentos, pero también dentro del micro cosmos de cada uno de los momentos encontrados en la experimentación, partiendo tanto de la inventiva del intérprete al que se le dedicó la obra, como a las maneras en que el compositor intentó por si mismo encontrar esas trayectorias ejecutando el instrumento sin saber tocarlo. Tanto las ejecuciones del violista como las del compositor fueron luego transcritas resultando en esos seis momentos determinados, pero que podrían crecer y ser más numerosos. El resultado, o por lo menos la interpretación aquí grabada, me hace pensar en la complejidad y en la simplicidad, en una especie de respiración y expiración constantes que no tienen un principio o un final determinados.

MOMENTOS

Es una obra basada en archivos de programas de radio difundidos en radio UNAM entre 1963 y 1984, particularmente en audios de las voces de Germán List Arzubide (“Conversaciones con Germán List Arzubide), Raquel Tibol ("Museos en el Aire"), y Julio Estrada (“Otra Música”), que son de algún modo los tres protagonistas de la obra, pero también aparecen en el principio algunas voces de José Revueltas (Claudio Brook (“Nuevo Teatro”), y el locutor que entrevistó a Arzubide.

La idea de esta obra es hablar de cómo ese breve momento en la historia del arte Mexicano, el Estridentismo, fue un impulso de vanguardia muy prontamente olvidado, pero que ha sido re valorado por los creadores involucrados con la experimentación en un México todavía a la fecha a veces enquilosado en un conservadurismo ligado a las tradiciones más burquesas. De allí que el mismo José Revueltas, que era un escritor realista, socialista y un gran crítico del sistema,  era hermano de Fermín y Silvestre quienes también estuvieron fuertemente influidos por el Estridentismo.

La obra comienza a modo de programa de radio, con distintas entradas de distintos programas significativos en la historia de Radio UNAM en cuanto a nuevas propuestas, y luego de una especie de diálogo de varios actores, estos se van convirtiendo en una pedazería de palabras y se van desintegrando poco a poco. Es acaso este el posble devenir del Estridentismo? romper con las formas antiguas, pero y luego? hacia donde es el camino?. Por lo menos, en esta deconstrucción, podremos tal vez destruir para poder recomenzar.

RADIO  ESTRIDENTISTA

Encargo del GRM 2017

Esta obra desdobla los distintos sonidos que puede generar una guitarra, uno de los primeros instrumentos de cuerdas en la antiguedad. Su titulo está inspirado en el origen del instrumento en la mitología griega, la Lira, un caparazón de tortuga con tres cuerdas que fue inventada por el dios Hermes, quien luego la obsequío al héroe Orfeo. Al morir despedazado por las Menades, Zeus mandó a un aquila a rescatar la lira para llevarla al firmamento en donde quedó plasmada. Fidícula por otro lado es el nombre de la primera guitarra romana, y también el nombre que Cicerón de ajudicó a la estrella má brillante de la constalción Lira, Alpha Vega que es la 5ta estrella más brillante del firmamento.  

Esta obra esta hacha a partir de los distintos sonidos que puede generar una guitarra, uno de los primeros instrumentos de cuerdas en la antiguedad. Su titulo está inspirado en el origen del instrumento en la mitología griega, la Lira, un caparazón de tortuga con tres cuerdas que terminó plasmada en el firmamento formando una pequeña constelación marcada por cinco estrellas, cuya punta, Alpha Vega, fue nombrada por los antiguos romános como Fidicula (la lira romana). Fidicula Lyrae despliega sus sonidos en un gran firmamento, desdoblando las simbologías de las antiguas constelaciones estelares, pero guardando siempre como referencia a ese punto luminoso como el origen metafórico de los sonidos de las cuerdas razgadas.

FIDICULA  LYRAE

Encargo del festival Mecánica Nanacarrow

Esta obra esta basada en distintas transformaciones electroacústicas de distintos estudios para piano mecánico de Conlon Nancarrow, quien dedicó su vida a la composición de obras para pianolas, piezas que ni dos pianistas juntos podrían tocar debido a su gran virtuosismo. En mi obra, Nancarrow se transforma completamente y adquiere una nueva dimensión, una que tendría que ver con el tiempo congelado. La obra fue compuesta para 8 canales digitales y esta es una versión estéreo.

Con Lampico Row

This interactive sound installation is about the tension of a paradigmatic musical object from the xx century electronic era: the electric guitar. It is an instrument with a karma tied to the idea of tension in rock and roll. It is the tension of the strings, the tension of the guitar player that seeks for redemption, the tension of the listener that searches catharsis in order to find later the distension in the resonance of the last guitar attack of the song.

The tension in this installation is extended in space through the element that originates sounds, the strings, whose longitude is not limited by the guitar´s arm. Their extension depends completely upon the space in which the guitar lives, taking up its totality. The guitar is found in suspension, tensed, inert and in silence, but appears to be floating and confortable. Plucking any of its extended strings moves the guitar in space. The guitar vibrates entirely and stops being the primary body in order to be converted into the heart of a new expanded object.
This new version for two electric guitars in a big public swimming pool was a comission from the SONICA sound art festival in Glasgow UK. Here, the two guitars occupy the whole space up to the sitting places. Besides letting the public interact with the guitars, there was a prepared performance (The Extended Tension I), the artist and and Jer Reid, a local improviser, where both musicians structured a free improvisation taking in account the qualities of the new extended instruments.

The Extended Tension. Interpreters: Manuel Rocha Iturbide and Jer Reid

Ecosistemas 2  For Flute, Clarinet, Flute in G, Bass Clarinet and electronics.

This work was originally an electroacoustic composition for 6 channels commissioned by the IMEB institute in Bourges on November 2008, and finished in May 2009. All the material of the piece was generated at the IMEB studios using digital and analog gear, and then it was mainly mixed in my personal studio in Mexico City.
The main idea of this work was to create a sonic metaphor of acoustic ecosystems, having different species from different geographies and climates. I wanted to generate a diversity of sounds that interrelate to each other, to make transitions that go from noisy textures to periodic sounds, but contemplating also the sounds that exist between the discontinuous and the continuous, and also to juxtapose all these textural rythms along with the different timber qualities of the sounds. Many of these sonic elements were made from percussive and wind instruments, manipulating them in such a way (synchronic and quasi synchronic granulation, and source filter synthesis) that they became similar to insect sounds such as cicadas and crickets. Other textures were produced through convolution of insect sounds with water, cracking fire, etc, and finally, the rest were made with analog synthesis using a Mini Moog (analog) and a Waldorf (digital-analog) synthesizer.
A second version of the piece was made one year later, adding a wind ensemble constituted by Flute, Clarinet, Flute in G and Bass Clarinet. The sounds of these four instruments added up in the integration of a new acoustic species cohabiting and interacting with the different electronic genera. This new version was crated to be used for a dance coreography by Alicia Sanchez that never happened. It was finally premiered for the first time years later, on February 8th 2019 by the Mexican Cepromusic Ensemble directet by Jose Luis Castillo in the Manuel M. Ponce hall in Bellas Artes, Mexico City.

Ecosistemas 2

The title of this piece was inspired in the cosmic interstellar phenomena of dust and gas clouds which eventually collide creating stars and planets, but also in stellar globular cumulus where we can experience an incredible visual underplay between stars and light through the wonderful images taken by powerful telescopes, or by watching the via lactea in a clear night.
The composition was based in the different timbre qualities of the oboe instrument, but it also uses electronic transformed sounds coming from his brothers and cousins (Bass oboe, English horn, and Bassoon).
I particularly worked with the incredible multiphonic sounds produced by them, also with different sound iteration techniques such as bisbigliando, double staccato, frullato, and with glissandi sounds.
This work was started at the electronic studio of the Banff Center for the Arts in Canada using recorded samples from Canadian Oboe player Lawrence Cherney, but finally played for the first time by Mexican oboe player Alejandro Tello, and it was concluded in 2005 when thanks to a grant from the Sistema Nacional de Creadores I was finally able to finish it at my own studio in Mexico City.
Due to de difficulty of the piece, it has also been played with clarinet, sax alto, and finally with sax soprano, three instruments which multiphonics are also very interesting. This version is for soprano saxophone, played by the amazing brazilian sax player Pedro Bittencourt.

Light And Dust

2012. New Work for a mixed ensemble (12 instruments). Flute, oboe, Clarinet, Basson, Trumpet, French Horn, Trombone,Violin, Viola,  Chelo, Double Bass and Percussion.
Performed by the Mexican Ensemble LIMINAR at MUAC auditorium- October 6 2012.

 	Esta obra para gran ensamble de alientos, metales, cuerdas y percusión, fue concebida a partir de una antigua idea que tuve en la que me interesaba generar procesos musicales análogos a situaciones de la realidad, como los cambios en una gran casa de bolsa (NY) que son más o menos continuos y estables, pero que en un momento casi azaroso podrían sufrir una alteración drástica (el gran crack de 1929). Otro proceso similar sería por ejemplo una conglomeración masiva de gente que circula lentamente, y en donde por algún factor aleatorio surge de pronto el miedo y se desata una estampida. 
Al final no utilicé fenómenos naturales como referencia, sino que produje procesos más o menos cortos que cambian rápidamente, de manera orgánica, y que espontáneamente se revientan o terminan abruptamente dando lugar a otros procesos nuevos. Estas especies de mini secciones están situadas en medio de los dos extremos de la paradójica cuántica, entre el carácter ondulatorio y continuo del electrón (armónico-espectral), y su carácter de partícula discontinua (puntillismo, rítmica estocástica).  
Como conciliar estos cambios bruscos y drásticos, y la casi indiferente secuencia de estados en los que siempre existe una mezcla entre lo continuo y lo discontinuo? (a veces tirando hacia un polo, a veces hacia el otro). Mi intento es demostrar que la paradoja del cuanto contiene en si misma su propia solución. Lo regular transita y se rompe de manera irregular? Las irregularidades transitan de manera continua? O las irregularidades surgen tan solo de tanto en tanto, como demostrando que nunca podremos confiar en la estabilidad ya que en cualquier momento podría surgir un accidente que cambie drásticamente el curso de las cosas.
Irregularidades transitorias hace uso de un ensamble con casi todos los instrumentos de base de la orquesta (uno de cada uno), teniendo así la posibilidad de alternar mezclando los tres distintos grupos instrumentales básicos: maderas, metales y cuerdas, y en donde la percusión fungiría a veces como el elemento que además de sostener y apuntalar, se vuelve de tanto en tanto como el actor del prólogo shakespiriano que intenta hacer comprensible una pedaceria estructural aparentemente desconectada . Al final del día, esperaría que cualquier orden de las distintas imágenes sónicas creadas (me refiero a los mosaicos rotos) podrían tal vez cobrar sentido gracias a esos rompimientos que nunca quisiéramos que ocurran, pero que al final de cuentas son los que nos dan vida e impiden que caigamos en un estancamiento entrópico, estatismo análogo a un estado comatico.

Irregularidades Transitorias

El escritor y científico Johan Wolfgang Von Goethe, concibió la ciencia de la morfología para proveer un método que hiciera evidentes los fenómenos puros en la naturaleza (Urphänomene), haciendo intuitivas las leyes necesarias detrás de las formas perceptibles y la formación de la naturaleza viviente, a través de una percepción disciplinada. Goethe estudió las diversas formas de plantas y animales, su transformación y desarrollo, buscando las leyes necesarias para determinarlas a partir del concepto Urformen, que significa formas originales, primordiales, arquetípicas e ideales, basándose en la percepción y no en ideas abstractas. Estas ideas se originaron a partir de una epistemología basada en la estética y el arte.
	El concepto de Urform me conecta de manera directa con la fenomenología Schafferiana de la percepción sonora, y a partir de ella, con el estudio perceptual de las distintas características de una fuente sonora, equivalente a una planta o a un animal. En este caso se trata del piano forte y de sus sonidos característicos, cuerdas percutidas por martinetes, sonidos cortos o largos, siempre resonantes, y que en sus distintas combinaciones pueden crear melodías, acordes, trinos, escalas y arpegios, etc. También se trata de cualquier otro tipo de sonidos factibles en el Piano a partir de su estructura acústica, como golpes y rasgueos directamente en sus cuerdas, o en la caja de madera que las contiene, con cualquier tipo de artefactos (baquetas de percusion, etc). 
	A partir de esta idea de la Urform podemos pensar no solo en la forma primordial y arquetípica de cada uno de los sonidos característicos del Piano (Urform nota corta, Urform Acorde, Urform Trino, etc), sino de la idea de Piano Forte en sí, en una forma arquetípica del instrumento global con todo su potencial y posibilidades a partir de estas formas originales y de sus posibles desarrollos y desdoblamientos sónicos. 
	Pensemos en las formas ideales originales en la naturaleza, por ejemplo, en las nervaduras de las hojas de las plantas, que aunque son simpre distintas tienen una Urform en común, un origen que las hace a todas hojas. La búsqueda de esa esencia, de esta Urform holística e ideal del Piano Forte, es el punto de partida que da origen a esta obra, gracias al trabajo fenomenológico de percibir e intuir todas las pequeñas formas originales de los sonidos pianisticos que conforman esta macro Urform, dando salida a una obra de millones de otras obras posibles, pero que se conforma de manera particular gracias a una indagación profunda de las metamorfosis infinitas de las formas de la naturaleza del piano, expresadas de acuerdo a una regla: la realción interna de las formas basadas en un solo arquetipo.

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