Paula Santoro – Mar do Meu Mundo 
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Paula Santoro - Alegria
Composição: Léo Minax/Chico Amaral


Realização: Borandá Produções - http://www.boranda.com.br

Contato para shows e CDs contato@boranda.com.br - Tel. (11) 2362 9906

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Alegria
(Léo Minax/Chico Amaral)

Já viu que em volta do buraco tudo é beira 
A sopa quando é muito quente é que te queima 
Um sapo que digere o mundo na saliva 
Tem na umidade a melhor alternativa 
A vida corre atrás de luz querendo sombra 
A gente lança o bumerangue da palavra 
Lá fora o mundo dos meus olhos, melodias 
Calor de lente no buraco é teoria 
Calor de lente no buraco é teoria 

No fim do túnel, luz no filamento 
No dianoite do embaixoemcima 
Poeira ainda cai do big bang... 

E aduba a petalagrimalegria 
E aduba a petalagrimalegria 
Alegria... 
Poeira do big bang 
Poeira do big bang 

O vento lento vai lavando a alvenaria 
O mar que volta e passa a limpo o tempo todo 
Esse ruído sal de frutas molha a areia 
Joga no ouvido o infinito até as veias 
Joga no ouvido o infinito até as veias 

No fim do túnel, luz no filamento 
Convenceria a ana karenina 
Poeira ainda cai do big bang 
E aduba a petalagrimalegria 
E aduba a petalagrimalegria 
Alegria... 
Poeira do big bang 
Alegria... 
Poeira do big bang 
Poeira do big bang

Alegria

Paula Santoro – Mar do Meu Mundo

Composição: Zé Paulo Becker/Mauro Aguiar

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 Se pensarmos um CD como sendo uma fotografia, um instantâneo fiel de determinado momento da carreira de um artista, “Mar do Meu Mundo” é o retrato de uma cantora que chega ao quinto álbum de sua discografia segura da estética musical que defende e acredita.
 

Paula Santoro aposta num estilo quase camerístico e canta para colocar a música, e não a si própria, no centro das atenções. Sem distrair o ouvinte com virtuosismos gratuitos, a voz vem somar-se ao instrumental da banda, formada por Rafael Vernet (piano e arranjos), Kiko Freitas e Rafael Barata (bateria), Guto Wirtti e Zeca Assumpção (contrabaixo), Marco Lobo (percussão), Daniel Santiago (violão e guitarra) e participações do grupo UAKTI e de Maurício Tizumba (tambor de congado).

 

Uma das grandes intérpretes da sua geração, Paula Santoro nasceu em Belo Horizonte (MG) e há anos está radicada no Rio de Janeiro. Com diversos trabalhos em palco, estúdios de gravação e televisão, ela ganhou maior projeção a partir de 2002, quando conquistou o terceiro lugar no V Prêmio Visa de Música. Além dos quatro álbuns solo já lançados, sua discografia agrega dezenas de colaborações nos discos de artistas como Guinga, Nivaldo Ornelas, Pacífico Mascarenhas e Eduardo Neves.

 

Todas as canções de seu novo álbum têm temática marinha ou possuem a palavra mar em suas letras, um conceito que surgiu de maneira espontânea. Durante a pré-produção do trabalho, Paula notou que a maioria das músicas que havia selecionado para o repertório tinha essa característica, então decidiu focar nesse tema. “Não é apenas o mar como elemento da natureza. Refiro-me também ao mar interior, pessoal – de turbulências, calmaria e mistérios”, revela. 

 

Abrindo o disco está “Guanabara” (Fred Martins) que, além de fazer parte do repertório de alguns shows da cantora, trata da Baía de Guanabara, “a mais representativa paisagem marítima do Brasil”, do ponto de vista de Paula.

 

Em seguida, surge “Alegria” (Léo Minax / Chico Amaral). Outra característica do álbum é a presença de muitos compositores mineiros falando de mar, como é o caso de Léo Minax e Chico Amaral – os outros são Kristoff Silva, Makely Ka e Antonio Loureiro. “O mar é uma espécie de desejo oculto para nós que nascemos em Minas Gerais”, confessa a cantora.

 

“Mar do meu mundo” opta por uma maneira mais contemporânea de ver os oceanos e suas águas. O CD pouco dialoga, por exemplo, com as canções praieiras de Dorival Caymmi, para citarmos o maior paradigma da MPB nesse tipo de paisagem. No entanto, uma intenção mais caymmiana aparece em “Homem ao mar” (Zé Paulo Becker / Mauro Aguiar), com uma introdução que enreda violão e berimbau, e em “Samburá de peixe miúdo” (Sivuca / Glória Gadelha), com sua simplicidade e grande força rítmica.

 

“Flor” (Frederico Demarca / Marcelo Fedrá), por sua vez, apresenta dois autores da novíssima geração de compositores cariocas. Além disso, a canção tem uma clara influência de Guinga, artista com quem Paula Santoro dividiu palco e gravações inúmeras vezes nos últimos anos.

 

A sexta faixa é “Mar deserto” (Kristoff Silva / Makely Ka), que recebe o auxílio luxuoso do grupo Uakti, em arranjo de Artur Andrés. A letra explora poeticamente a oposição entre água e areia, o que de certa forma é retomado na canção seguinte, “Arabesco” (Danilo Caymmi / Alice Caymmi).

 

O encadeamento das canções no disco tenta imitar o movimento das ondas. Quase não existe vazio entre uma faixa e outra, como se fosse uma onda passando e outra chegando, continuamente, para embalar o ouvinte de uma maneira fluida, sutil. “Uma história torna-se consequência da outra, como se a narrativa só tivesse fim na última nota”, explica Paula.

 

Essa corrente marítima nos leva em seguida para “Luz da terra” (Antônio Loureiro) e  “Joana dos Barcos” (Ivan Lins / Vitor Martins), o que indica outra característica do trabalho. O álbum investe principalmente na obra de compositores da nova cena musical e, nas vezes em que Paula recorre a autores consagrados – Ivan Lins, Danilo Caymmi e Sivuca –, ela opta pela descoberta, trazendo à tona canções menos conhecidas desses artistas.

 

Por fim, o disco termina com “Água salobra” (Eduardo Neves / Mauro Aguiar), inspirada no encontro das águas dos rios com o mar. “Essa música me fez lembrar Guimarães Rosa e a história de que um dia o sertão já foi mar”, afirma Paula, fazendo assim um contraponto com a música que abriu o álbum – “é como se eu saísse do Rio e voltasse para Minas.”

 

Mais do que a fotografia de um momento artístico, “Mar do meu mundo” é o mergulho de uma cantora em sua musicalidade. 

Paula Santoro - Homem ao mar


DUO TONINHO FERRAGUTTI & BEBÊ KRAMER - "Como manda o Figurino"- EXCLUSIVO
Toninho Ferragutti é nascido em Socorro, interior de São Paulo, e vive há muitos anos na capital paulista. Bebê Kramer nasceu em Vacaria, interior do Rio Grande do Sul, e hoje mora na cidade do Rio de Janeiro. Foram convidados para se apresentar juntos na mostra chamada Reflexos, no início de 2011, que reuniu duos de instrumentistas do Brasil e do mundo. Logo depois desse encontro, receberam um convite para participar também de um projeto do SESC chamado Sonora Brasil, percorrendo todo o sul e sudeste do Brasil com shows que mostrassem um repertório de música contemporânea escrita para o acordeon. Assim nasceu o duo e, com ele, a vontade de registrar em CD o resultado de um encontro tão frutífero e prazeroso quanto, até certo ponto, inusitado.
O que inicialmente parece tão distante, em termos geográficos, revela-se em imensa e profunda afinidade quando observado de um ponto de vista cultural, histórico – e prova disso é o CD “Como Manda o Figurino”, lançado agora por esse duo de experientes acordeonistas através do selo Borandá.

Toninho Ferragutti & Bebê Kramer - Como manda o figurino

DUO TONINHO FERRAGUTTI & BEBÊ KRAMER - "Como manda o Figurino"- EXCLUSIVO
Toninho Ferragutti é nascido em Socorro, interior de São Paulo, e vive há muitos anos na capital paulista. Bebê Kramer nasceu em Vacaria, interior do Rio Grande do Sul, e hoje mora na cidade do Rio de Janeiro. Foram convidados para se apresentar juntos na mostra chamada Reflexos, no início de 2011, que reuniu duos de instrumentistas do Brasil e do mundo. Logo depois desse encontro, receberam um convite para participar também de um projeto do SESC chamado Sonora Brasil, percorrendo todo o sul e sudeste do Brasil com shows que mostrassem um repertório de música contemporânea escrita para o acordeon. Assim nasceu o duo e, com ele, a vontade de registrar em CD o resultado de um encontro tão frutífero e prazeroso quanto, até certo ponto, inusitado.
O que inicialmente parece tão distante, em termos geográficos, revela-se em imensa e profunda afinidade quando observado de um ponto de vista cultural, histórico – e prova disso é o CD “Como Manda o Figurino”, lançado agora por esse duo de experientes acordeonistas através do selo Borandá.

Toninho Ferragutti & Bebê Kramer - Outra Valsa

MARIO ADNET – Um olhar sobre Villa-Lobos
 
Mario Adnet sempre nos propõe um passeio: em seus discos, já revisitou Tom Jobim, Moacir Santos, Luiz Eça, Baden Powell.  Seu novo trabalho, “Um olhar sobre Villa-Lobos”, tem como ponto de partida a obra do compositor que, segundo ele, musicalizou o Brasil. Passageiros sentados à janela desse trem caipira vão reencontrar Villa-Lobos, descobrir nuances despercebidas em sua obra e ouvir sua música pelos ouvidos de Adnet. 
 
“Posso dizer, com segurança, que ele lavou a alma de várias gerações que passaram a gostar de música por sua causa. Colocou todo o Brasil para cantar: pobres, ricos, em colégios e nos estádios de futebol”, diz Mario, lembrando que sua mãe, aluna de canto de uma irmã de Mindinha (segunda mulher do compositor) estava entre os milhares de brasileiros que se apresentaram em corais para Villa-Lobos. “Mas, apesar de ser tão popular, de adorar a rua, Pixinguinha, Cartola, Donga, o compositor, naquela época, só teve como caminho as salas de concerto.”
 
“O meu desejo foi mostrar a música de Villa-Lobos sem fronteiras”, explica Adnet. A escolha do repertório foi intuitiva. “Joana (Adnet) e eu escolhemos pelo ouvido e, depois, quando percebemos, tínhamos coberto fases de toda sua vida”.  Depois, hora de se debruçar nos arranjos e orquestrações. “Não mexi muito. Porque é genial. É genial! Não desconstruí. Não desmontei o que ele fez.”
 
Algumas músicas que eram para piano ganharam orquestra. Temas com canto lírico foram transformados para o popular sofisticado, como “Dança (Martelo)”, das “Bachianas Brasileiras nº 5”, interpretada por Mônica Salmaso.  Mario também canta no disco, assim como “dois patrimônios da nossa cultura”, Milton Nascimento e Edu Lobo, e mais Muiza Adnet e Paula Santoro. Yamandu Costa participa com seu violão em duas faixas. 
 
Ao longo do trabalho, as peças de Villa-Lobos foram se transformando em pistas, ajudando Mario a percorrer os caminhos da música brasileira. “Porque Villa-Lobos é o pai da música brasileira contemporânea, influenciou gerações e gerações. Quando você escuta as Bachianas e os Choros, vê que tudo está lá.”
 
Mas, ao mesmo tempo, Mario deu à música de Villa-Lobos inspirações de seus próprios descendentes. “Em ‘Abril’ fiz um arranjo que tem muito de Tom Jobim. ‘Improviso nº7’ se transformou num choro no melhor estilo Moacir Santos com lembranças de Radamés Gnattalli. O próprio Villa-Lobos dizia que suas músicas eram cartas que ele escreveu à posteridade, sem esperar resposta. Eu sou um dos que estão respondendo, também sem esperar retorno...”
 
“Lá vai o trem sem destino, pro dia novo encontrar, correndo vai pela terra, vai pela serra, vai pelo mar.” 
 
JÔ HALLACK – outubro 2012

Mario Adnet - Trenzinho do Caipira

Mario Adnet - Dança (Martelo) Bachianas Brasileiras

Quando recebeu o convite para participar de uma gravação da cantora cubana Omara Portuondo, em 2003, Swami Jr. nem poderia imaginar que estava prestes a iniciar uma longa e intensa viagem musical. Nos sete anos seguintes, acompanhou a mundialmente conhecida diva da trupe Buena Vista Social Club por diversos países, como diretor musical e violonista. Durante essas turnês, as horas solitárias nos quartos de hotéis o estimularam a criar composições e arranjos que surgem agora no álbum “Mundos e Fundos” – trabalho que o consolida como um dos instrumentistas mais versáteis e criativos na cena musical brasileira.

“Anos atrás, li uma frase do escritor francês Balzac que ficou em minha cabeça: ‘Uma obra de arte deve conter vários mundos’. Por volta de 2008, quando notei que já tinha várias composições nascidas em diversos lugares, durante as turnês que fiz com a Omara, pensei que elas poderiam resultar em um disco interessante”, comenta o músico, que decidiu intitulá-lo com uma expressão popular. “Mundos e fundos quer dizer ‘tudo’, ‘muito’. Acho esse título poético. E tem a ver com a ideia de a arte conter vários mundos”, explica.

Quem acompanha a carreira desse brilhante violonista, baixista, arranjador e produtor, nascido em São Paulo, sabe que mundos musicais aparentemente separados, como o do choro, o da MPB ou o do jazz, convivem há muito tempo em sua obra. Em três décadas de carreira profissional, Swami já tocou choro com a banda Xoro Roxo; forró, samba e outros ritmos dançantes brasileiros com a banda Mexe com Tudo. Acompanhou cantores e compositores de MPB, como Ná Ozzetti, Virgínia Rosa, Chico César e Zé Miguel Wisnik. Tocou jazz e releituras de clássicos da música brasileira com a cantora Luciana Souza e com os guitarristas Chico Pinheiro e Anthony Wilson. 

“Viver na França durante quatro anos foi uma experiência que abriu minha cabeça”, ele conta, referindo-se ao período em que morou em Paris, no início da década de 1980, quando era integrante do Xoro Roxo. “No início, só tocávamos choro, mas, com o tempo, abrimos o repertório com Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti, Dominguinhos. O choro foi uma escola muito importante para mim, uma viagem profunda, mas eu não queria ficar apenas ali. Fui ouvir jazz, música africana, muitas orquestras. Ao voltar ao Brasil, fiz trabalhos que refletiram as experiências que vivi na Europa”.

Nada mais natural, portanto, que Swami abra o álbum “Mundos e Fundos” com uma composição que fez em Paris, dedicada a um de seus mestres chorões: o violonista carioca Dino Sete Cordas. “Aprendi muito viajando e tocando com ele, nos camarins. O Dino foi um músico da maior importância”. Mas não se trata de uma homenagem convencional. “Paladino” é um choro vibrante e contemporâneo, cujas baixarias (as frases que o violão de sete cordas costuma exibir nesse gênero) revelam influências jazzísticas. A formação do quinteto que Swami articulou para essa faixa também está longe de soar tradicional, graças ao berimbau e aos efeitos do percussionista Guilherme Kastrup.

Há outras homenagens no disco. A sensível “El Puro”, composta por Swami em Cuba, em 2006, é quase uma canção que dedicou a seu pai. “Ele foi o cara que me colocou na música. A primeira lembrança que eu tenho de criança é meu pai tocando violão”, relembra. Outra composição na qual o violonista mergulha fundo na emoção é a delicada “Helena”, que dedicou à filha pouco após seu nascimento, em 2003. “Você pode fazer uma turnê com uma grande cantora, um trabalho bacana, mas todos os quartos de hotéis, no fundo, são iguais. Nessas horas, há momentos solitários, em que a música brota. As composições deste disco nasceram em momentos como esses. Talvez tenham uma profundidade que vem desses momentos introspectivos”, reflete.

A funkeada “Abraço”, que Swami fez em parceria com o violonista Chico Pinheiro, em 2001, também entra no disco como uma espécie de homenagem ao parceiro e amigo, que participa da gravação.  “Praticamente, o Chico subiu pela primeira vez, num palco, comigo e o Zé Miguel Wisnik, em 1993. Ele tinha 18 anos. Hoje é um irmão pra mim, mas é meio filho também. Ele tem um talento absurdo”, comenta Swami, lembrando que já produziu dois discos dele.

Dois compositores brasileiros que Swami também admira muito estão presentes no repertório. A inusitada versão do samba “Saudade da Bahia”, de Dorival Caymmi, já começa num improviso – a melodia só surge bem depois. “É uma brincadeira”, diverte-se o violonista, que tem a seu lado, nessa faixa, o pandeirista Amoy Ribas e o violonista Marco Pereira, outro antigo parceiro, com o qual começou a tocar em 1989. “O Marco é um músico maravilhoso, um mestre”.

Swami também não economiza elogios ao se referir ao grande instrumentista e compositor e Jacob do Bandolim, do qual interpreta o choro “Vibrações” com a maior elegância e total controle do violão de sete cordas. “Acho que o Jacob é um dos maiores compositores brasileiros, mas pouco valorizado. Ele é mais reconhecido como instrumentista. Acho que esse tema está à altura dos maiores standards da música mundial. É espetacular”.


Há ainda mais uma releitura, no álbum, que certamente vai surpreender muitos ouvintes. Mostrando ser um grande intérprete, Swami extrai uma beleza inesperada da marchinha carnavalesca “Cabeleira do Zezé” (de João Roberto Kelly e Roberto Faissal), transformando-a em uma peça cheia de lirismo. “Gosto muito de brincar com melodias mais simples ou, aparentemente, banais. Já fiz arranjo até para o hino do Palmeiras”, revela.

Faixa que se destaca pela influência da música flamenca, “Tenda” foi composta pelo violonista Tuco Marcondes, que a mostrou a Swami já no estúdio. “Trabalhei muito com o Tuco e com o Mário Manga, e queria que eles também estivessem no disco. Quando ouvi essa musica, achei que ela tinha familiaridade com as minhas composições, com os contrapontos do violão, mesmo indo por outro caminho ao incorporar a influência do flamenco”, comenta.

Composta por Swami, em um quarto de hotel de Istambul, por volta de 2003, “Valsa de Areia” mimetiza, de certa forma, a aridez do clima daquela região. “É uma valsa meio desconjuntada, que vai mudando de compasso e, no final, tem uma parte meio atonal. Do ponto de vista violonístico, é uma das mais difíceis do álbum de se executar”, analisa o compositor.

Já o choro “Virou Fumaça”, composto por ele em 2009, em Barcelona, foi feito especialmente para completar o repertório do álbum. “Eu queria um choro diferente, com uma harmonia mais contemporânea e um fraseado jazzístico, mas que mantivesse a raiz desse gênero”, explica Swami, que tem nessa gravação a companhia de Milton Mori (bandolim) e Douglas Alonso (pandeiro). 

“Jurupari”, que encerra o álbum, nasceu em Maceió, em janeiro deste ano. Swami a compôs logo depois de ler o romance homônimo, escrito por seu amigo e conceituado violeiro Paulo Freire, que também participa da gravação. A melodia singela confirma uma característica de quase todas as composições de Swami: são cantáveis e fluentes, como se só estivessem à espera de uma letra para assumirem de vez a forma completa de uma canção.

“Acho que tenho esse perfil que o Luiz Tatit define como cancionista. Sempre gostei de canção. Mesmo quando componho uma peça para violão solo, gosto que ela seja quase cantável”, comenta Swami, consciente do papel essencial que a melodia exerce em suas composições. Aliada ao toque elegante e virtuoso de seu violão, essa é uma qualidade que contribui ativamente para que sua música seja tão encantadora.

Carlos Calado
Abril de 2011   

Swami Jr. - Paladino

Quarteto Zanzibar
Composições de Edu Lobo em versão instrumental, com uma formação sem fronteiras.
Por Fernando Grecco*
 
Meu caminho até me confessar um grande fã da riqueza da música brasileira foi um tanto ou quanto inusitado, porém de certa forma comum às pessoas de minha geração.
Aconteceu por volta de 1990, quando tinha 20 anos, tocava guitarra e violão de forma amadora, e conhecia algumas poucas coisas do Edu Lobo. Nessa época, escutava muito jazz e jazz rock, principalmente Coltrane, Mahavishnu Orquestra, Miles Davis, Return to Forever... De música brasileira, tinha um CD do Tom Jobim, Urubu, uma obra prima e um dos meus preferidos até hoje. Os vinis estavam acabando, e dando lugar aos CDs.
 
Então, na casa de uma amiga, achei um vinil do Edu Lobo, com uma foto na capa onde ele aparece andando, desfocado mas aparentando estar relaxado e com a mão no bolso. Já na primeira música foi um impacto: os baixos do piano em Vento Bravo anunciavam muita coisa do que estava por vir. No lado A, Zanga Zangada, Porto do Sol, entre outras pérolas. E no Lado B, uma Missa Breve! Que também dá título ao CD de 1972.
 
A partir daí, eu, que já gostava de música brasileira, passei a procurar tudo do Edu Lobo, e desde aquela época achei que ficaria linda uma fusão das suas composições com outros gêneros como o jazz, a música indiana, o rock – enfim, um “caldeirão” onde eu conseguisse colocar os ingredientes que me influenciavam e que pudessem ter seus sabores combinados.
Vinte anos depois, surgia a Borandá, produtora e selo de música brasileira. E, com ela, minha necessidade vital e vontade de fazer música, como sempre quis e sonhei. Sem concessões: música brasileira, mas sem fronteiras e rótulos.
 
Em 2011, reencontrei o Miguel, com quem já havia tocado em duo de violões nos anos 1990, e começamos, despretensiosamente, a estudar o repertório do Edu Lobo, principalmente aquelas músicas da década de 60, dos festivais e do início dos anos 70. Depois de uns 6 ou 7 meses, já estávamos com um repertório considerável e lembramos do Edgar (tabla), que conheci através do Miguel nos saraus que deram origem à Borandá em 2009. A tabla é um instrumento indiano, super tradicional, e traz com ela, quando tocada com a maestria do Edgar, toda uma tradição de um sistema de ritmos que enriqueceu muito o repertório que estávamos trabalhando. Tocamos juntos algumas vezes e ficamos bem contentes com o resultado, mas ainda faltava o quarto elemento. 
O Beto Angerosa é quem conheço há mais tempo, desde 1986, quando tocávamos juntos em um trio (elétrico) de música instrumental. Agora, quando decidimos que precisávamos de mais uma percussão para deixar o som mais encorpado e dialogar com a tabla, o nome dele foi uma unanimidade. Ele traz as percussões do mundo todo – do Brasil também, é claro, mas da Espanha, da África, da Turquia, dos Bálcãs...
 
A partir daí começou o processo de criação coletiva dos arranjos, dando uma vida diferente às composições do Edu, sem perder sua essência. O resultado é o que vocês podem ouvir e ver nos vídeos. É música brasileira? Jazz? Música indiana? Rock? Talvez tudo isto junto e mais um pouco... 
Então, esta é nossa proposta com o Quarteto Zanzibar: a música sem fronteiras, sem definições preconcebidas. ”Colando” o grande mestre Hermeto: Música Universal!
Agradecemos ao Edu Lobo pela obra maravilhosa e ímpar dentro da história da música brasileira contemporânea, e aos artistas e “gurus” do mundo todo que nos influenciaram neste trabalho e em nossas carreiras.
 
(*) Fernando Grecco é integrante do grupo e diretor artístico da Borandá.

Zanzibar - Zanzibar

Swami Jr. - El Puro

Tatiana Parra & Andrés Beeuwsaert - Aqui

Resultado da colaboração entre artistas com carreiras consolidadas em dois países da América Latina, o CD “Aqui” recebeu o Prêmio de Apoio à Gravação de Música 2010 da Funarte. São treze faixas com composições próprias e obras de autores latino-americanos de diversos gêneros e épocas, onde o diálogo entre a bela voz da cantora paulistana Tatiana Parra e o piano argentino de Andrés Beeuwsaert encanta pela dissolução de limites entre o erudito e o popular.

Valendo-se de distintas linguagens, o duo demonstra que não necessita de palavras para conquistar qualquer ouvinte sensível e desprovido de preconceitos musicais – bastam a voz e o piano.

Alegria

Borandá

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