Tenebrae
Conception et direction artistique : 
Gualtiero Dazzi et Martin Gester

Alessandro Scarlatti  
Extrait des "Lamentations du Prophète Jérémie" (1706)
Gualtiero Dazzi 
"Lichtzwang, 10 Lieder nach Paul Celan" (1996)
Commande du Parlement de Musique, œuvre dédiée à Martin Gester
Création Festival Musica 1996

Salomé Haller, soprano
Ian Honeyman, ténor

Le parlement de Musique

Alice Pierot, violon 1
Ulrike Winckler, violon 2
Emmanuel Jacques, violoncelle
Giuseppe Lo Sardo, contrebasse
Aline Zylberajch, clavecin
Martin Gester, orgue et direction 

Enregisrement Radio France Février 1999

A l’origine de ce spectacle créé lors de Musica 1996: la rencontre de deux compositeurs aux confins de la modernité fervents de liaison entre la musique et le théâtre ; deux textes (le prophète Jérémie et le poète Paul Celan) relatant des tragédies de portée universelle ; et deux mondes sonores qui entrent en résonance plus qu’ils ne s’opposent. 
Le Parlement de Musique, ici, brouille à dessein les limites de la “modernité”. Jeu de miroirs entre Scarlatti, plus déstructuré et imprévisible - baroque, au sens originel - que jamais dans son discours de déploration de l’horreur (la destruction de Jérusalem), et Dazzi, où le langage même dit la désespérance (sur l’Holocauste), sans qu’il y ait volonté d’imitation ou d’inspiration de l’un par l’autre; la limite se trouble, et les catégories temporelles et stylistiques s’effondrent. 
Il reste un drame, poignant, intemporel, parce que surplombant les époques et peu préoccupé de style.  
Martin Gester

Gualtiero Dazzi 
"Lichtzwang" (1996) 
Dix Lieder sur des poèmes de Paul Celan

Lichtzwang est une œuvre pour 2 voix et 6 instruments employant les mêmes interprètes que les "Lamentations de Jérémie" d'Alessandro Scarlatti. Lichtzwang peut être interprétée séparément, mais elle partie intégrante du projet Tenebrae. 

"Dix Lieder" sur des poèmes de Paul Celan, poète de langue allemande, dont le langage, dense et sombre, dévoile à chaque poème un sentiment d'extrême urgence de vie. Dans la lumière crue, inextinguible de l'Histoire, et aux prises avec une grandissante difficulté à vivre, le poète tente par un constant exercice de lucidité, par un relevé des restes de la mémoire, de résister, de tenir. 
Le livret de "Lichtzwang", est construit sur des poèmes écrits en 1967, tirés du livre éponyme, traduit en Français sous le titre Contrainte de lumière – éditions Belin. Lichtzwang est le premier recueil posthume : Celan s'est donné la mort, en se jetant dans la Seine, en avril 1970.
Basés sur le thème de la destruction, commun aux deux textes (thème biblique de la destruction de Jérusalem chez Jérémie, et le souvenir de l'Holocauste chez Celan), les dix Lieder se glissent entre les "Lamentations".  Ainsi, en alternant la musique de Scarlatti à la mienne, le parcours du concert nous révèle le lien organique les deux œuvres, sans pour autant qu'il y ait citation de style.
Au travers des affects qu'elle véhiculent, les deux œuvres se regardent comme étant le miroir l'une de l'autre. Mais un miroir qui distancie : l'œuvre baroque reste, même dans son déchirement, liée aux splendides proportions que lui impose son appartenance. Tout en employant les mêmes moyens vocaux et instrumentaux, l'œuvre contemporaine reste imprégnée par la conscience des horreurs de ce temps, et ne peut que bégayer son cri de refus contre la barbarie. 
"Lichtzwang" est dédiée à la mémoire des victimes du génocide de Srebrenica.
Gualtiero Dazzi

TENEBRAE

Gualtiero Dazzi 
Frasi (1993)is a chamber work for Soprano, clarinet and piano. 
It can be performed in the same concert of Schubert's Der Hirt auf dem Felsen. It is a commission of Radio France and was first performed in Strasbourg, Festival Musica in october 1995 by Ensemble Accroche Note. Dazzi's work is based on poetical fragments by Edmond Jabès and Giacinto Scelsi. Libretto was established by the composer in accord to make an imaginary dialog between the two poets on time and eternity, love and presence. 

Darkness generates darkness.
Darkness rises up against darkness.
Edmond Jabès, L'auberge du sommeil

If one understands eternity not as an infinite temporal duration but rather as timelessness, then he who lives in the present lives in eternity.
L. Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus

A world to gain, perhaps, that is inside me - a world, but not me. And nothing to lose, only our illusions, only the crazy maze of our dreams. The truth is an open sky. Narcissus is a fool, Icarus flies away.
Andr‚ Comte-Sponville, Le mythe d'Icare

Gualtiero DAZZI
Frasi
The texts of the lieder
(E.J. = Edmond Jabès, G.S. = Giacinto Scelsi)
1. I am the hostage of a word which is itself the hostage of silence. E.J.
2. Only note
your presence
joyous star
only call
from a world of love
G.S.
3. A spark of love is enough to light up our night. E.J.
The slightest glimmer is a touch of the universe. E.J.
4. Eternity is behind time. E.J.
Time lengthens
between two worlds
forever
G.S.
5. I was spared time. I would have been my own dream. E.J.
6. Desert
beach of the origins
on which the sky falls down
like a challenge.
G.S.
7. ... fearful lest a cry should spring at dawn. G.S.

This recording is by Ensemble Klangheimlich from Bern (CH) 
Lena Leuterburg, soprano
Meinrad Haller, Clarinet
Franziska Rieder, Piano

Frasi

Gualtiero Dazzi & Francisco Serrano:
La Rosa de Ariadna
Susanna Moncayo, Ian Honeyman
Nouvel Ensemble Vocal, cond. Henri Farge
Ensemble Itinéraire, cond. Aldo Brizzi

This is a fragment of a cd http://www.petals.org/Petal006.html

La Rosa de Ariadna

Opera in three movements and an epilogue. The flow of time is real and corresponds to the evolution —full, not elliptical— of the characters. The action takes place in Crete, inside the Labyrinth, the night before Theseus disembarks.
1/ The Minotaur, in its lair, muses on its existence. In the distance the voice of Ariadne is heard, her presence gradually making itself felt. The interventions of the Chorus, during which the passage of time is suspended, provide information on both the events and the meaning underlying the situation. Ariadne enters the Labyrinth.
2/ A powerful force of attraction drives Ariadne toward her brother; the girl spins a lengthy enchantment around the monster. The Minotaur is trapped by a rising passion. Time stops. At the moment of their joining, the singers' voices blend together.
3/ Outside the Labyrinth, a clamor —then taken up by the Chorus— announces the hero's arrival. Ariadne backs away and returns toward the entrance, abandoning the monster. Having perceived his destiny and confronted by the emptiness caused by Ariadne's departure, the Minotaur loses interest in fighting and now merely awaits death.
4/ Epilogue. And yet there is still one glimmer of hope left in the Minotaur's last night.
  
About Ariadne’s Rose

The morning sun glistened on the bronze sword. No trace of blood remained.
« Can you believe it, Ariadne? » said Theseus,
« The Minotaur barely defended itself. »
Jorge Luis Borges
The myth
An emblem of man's bestiality and a symbol of his indomitable instinctive strengths, found in numerous sculptures, pictures, and literature since the dawn of the myth, the Minotaur —that atrocious combination of bull and man, as Ovid described it— has seldom been given a voice. Of course, countless authors, both ancient and modern, have told of it and its story, but except for a handful of texts the Minotaur has been a silenced presence. We know from legend that bright Theseus, the Athenian hero, bearing the thread given to him by his beloved Ariadne, penetrated the Labyrinth and put the Minotaur to death —but not much more. There is nothing to stop us from pondering what could have happened inside there before the hero's arrival. Ariadne's Rose tells how, on the night before the Minotaur's sacrificial victims —Theseus among them— reached Crete, Ariadne, Priestess of the Labyrinth and sister of the Minotaur, drawn in by the monster's gravity, crosses the threshold to find in the darkness the meaning of her creed and the object of her veneration; that meaning is revealed to her as she penetrates ever more deeply. However, when she finds the Minotaur (an encounter that would be later consummated with Dionysus, another variation on the horned god), she hears the cries announcing the arrival of Theseus; she hesitates and, as if awakening from a dream, as if falling into another, leaves the terrible palace. The Minotaur, having glimpsed love and now abandoned, loses itself in its own Labyrinth, which is Ariadne. Without her, without what it has perceived through her, it loses the will to live. The Minotaur is defeated not by boredom —as Borges suggests in his story The House of Asterion, the last part of which appears as the epigraph to these notes— but by love. There was no combat. Theseus does no more than liberate the Minotaur from its suffering.

The context
Perhaps it would be useful to remember that relations between bull and maid lie at the very foundation of European culture. The legend of Europa, the King of Phoenicia's beautiful daughter, kidnapped by Zeus in the form of a white bull and led to the island of Crete, where she gave birth to Minos and Rhadamanthus, underscores the Mediterranean roots of the people who inhabited the Old Continent at the dawn of history. Some versions of the myth even make Europa the mother of the Minotaur instead of its grandmother. In any event, it can be clearly seen that for the ancients, the link between the power of the sun, symbolized by the bull, and woman, the emblem of the moon, represented much more than a simple reference to their origins.
And yet, even taking all that into consideration, why present an opera about the Labyrinth and the imprisoned Minotaur? Can such an (apparently) remote and peripheral concept motivate contemporary interest? The story of the Labyrinth dates back millennia. For centuries man has been fascinated by the archetypal construct of the topos, which is easy to enter but almost impossible to leave. It is a primordial idea. Each generation has pondered it with the same attention and intensity. There is something both cosmic and human in this depiction of the tortuous path that never ceases to grow or mutate. Thus, the legend of the fetid palace and its biform occupant has survived intact for more than three thousand years.
Mythologists maintain that myths reflect man's primordial shudder in the face of the unknown. They are a kind of ancestral memory of mankind. The Labyrinth is a visual metaphor that speaks of both the brain and the bowels, of both our reason and our emotions: of our depths. And it would be superfluous to insist that psychoanalysis has revealed the disguised terror man feels towards his inner abyss. The incarnation of that disguise is the Minotaur.

The work
The poem that makes up the libretto attempts to explore different syntactic and —above all— prosodic possibilities of language, so that the rhythm and the music of the words act, as it were, as both support and counterpoint for the harmony of the sounds. But although the text is structured according to the « dramatic path », it does not yield to the stereotypes of the conventional libretto and never really assumes a direct theatricality; thus, the composer has had to create what he calls « little internal dramas », simultaneities to simulate dialog, periods of acceleration or rdeceleration of the action —not betraying the poem, but rather striving to underscore its lyrical intensity. The voices generally sing along fluid melodic lines, without great harmonic changes, with a treatment that demands a linear timbre, without the operatic vibrato of the « bel canto » type but rather with its own sonorities. For Gualtiero Dazzi, the doomed encounter between Ariadne and the Minotaur is, above all, a possibility for the meeting of two voices, each possessing a dual musical nature which serves as a metaphor for their dual quality —man/woman rather than man/bull— and which makes them appear as the two facets, night and day, of a single being. Thus, the Minotaur is both baritone and countertenor, while Ariadne is a contralto with a darker timbre.
At the orchestral level, the two characters are depicted in very different ways. Initially, the Minotaur appears to be surrounded by a slow counterpoint led by the wind and string sections and almost without percussion, while Ariadne is defined by an essentially percussive texture that is highly articulated in its rhythm. As these two tempos draw closer until they almost combine, the Minotaur, in its excitement, sings countertenor and Ariadne joins in with the same register. Their separation is similarly translated by the orchestra: the Minotaur returns to the immobility of the initial texture, while Ariadne withdraws to the sound of a decreasing number of instruments until she is left alone with a single cello.
The different levels that provide the structure of the orchestral texture are thus linked to the work's dramatic development; both characters are depicted by a tempo at the start and the end and the story is nothing more than the reciprocal contamination of their tempos, followed by their fusion and ultimate separation.
In order to make both the linking and superimposition of these movements apparent, Dazzi proposes a degree of unity in that everything is constructed on a single element of harmony that evolves with relative slowness. Thus, in spite of the formal complexity contained in the interaction of the different tempos, the inner time of each of its different connotations (timbre, register, speed, rhythmic articulation) is immediately recognizable. The orchestra is a set of seventeen elements and the choir is a vocal group of twelve singers, all of whom are soloists.
The work sets itself the task of not disassociating the two phases of the composition: first, the score, which is abstract, and, second, its perception, what is heard: Ariadne in the aural labyrinth. Each moment of the musical score takes perception into account. In this way the general development of the work points to the inner time of every member of the audience. In La Rosa de Ariadna, the Labyrinth has become a thing of sound, of music.

The characters
Ariadne is a complex person. Her name means « most holy »; she is the daughter of the moon, the bearer of light. Cabalistically she represents the soul. She is aracne, the spider than weaves and unweaves our bodies, the warp and weft of life. She is the anima. Nietzsche, in whose philosophy the Cretan princess plays a key role, said that Ariadne was the repeated affirmation, the yes responding to the yes. In this opera, as in the myth, by siding with Theseus Ariadne denies herself life, represented by the bestiality of the Minotaur. Then, as we know, she joins with Dionysus. (A clinical case, one of health and curing, as Gilles Deleuze points out.)
In turn, the Minotaur is the condensed reality of a dual symbol: a monster who at the same time is a prince: born of the queen, it has the head of a bull but the body of a man, the heart of a man, the sex of a man. (Borges reminds us that Dante depicted it the other way around: a bull's body and a man's head, because neither Ovid or Virgil offer a precise description.) It thus has an animal's head, but the innards of a human. In spite of what we have been told, the Minotaur represents not only the indomitable brute force of instinct, but also something more than that: it is the image of an essentially dual being. Its bellows sing praises to the things of this world.
Since the Greeks, western tradition has striven to emphasize the coating of reason and restrictions that cover the deepest layers of the human soul. In this sense, we are all Theseus and the Minotaur at the same time. By killing the bull, says Nietzsche, who studied this myth in detail, Theseus denies life, reducing it to reactive forms -- the triumph of reason and of the organization of man, who is subject to patriarchal gods, over the strength of will and vitality of the instincts.
According to the myth, after seducing Ariadne, Theseus abandons her on the island of Naxos. And it is there that, by means of a kind of ontological compensation, she is taken by Dionysus, a sublimated manifestation of pure and multiple strength, of the affirming will made flesh in the bull. All La Rosa de Ariadna has done is to slightly alter the order in which the events symbolically occur —in other words, the love story between Ariadne, the symbol of the soul, and the bull-god, which stands for the vital, fertilizing forces of nature.
Perhaps for this reason it can be claimed, as Umberto Eco has, that among the many tales devised by man, the story of the labyrinth is « a dense form of future ».
                                                                        Francisco Serrano

La Rosa De Ariadna Extraits

Gualtiero Dazzi
...en bordure d’espaces... (2001)
Sinfonietta in the form of a diptych

Toujours à la poursuite
des sables errants
Il est comme le filet
dispersé sur d'autres rives.

La nébulosité
gagne sur l'ombre
et s'agrandit
figures de rêve
j'ai vu danser
les habitants
d'obscure éternité
et se perdre
en bordure d'espace
dans l'aspiration
d'une aube émerveillée. (G.Scelsi)


There is no programme to look for in these two incombustible poems by Giacinto Scelsi. They have simply always been at my side during my work. Faithful travelling companions.

I composed most of this work in the countryside, far away from the urban quicksands. No buildings in front of my eyes, in my ears only silence.

I could speculate on the technical aspects of the work: why two such apparently different movements? What is the connection between the electronic sound-world and the instrumental one? I will only say this: each musical work opens a space. It is up to the audience to inhabit it.

I dedicate this work to Giulia and Corrado. Once again their house has been a salutary refuge for me, allowing me to finish my work.

© Gualtiero Dazzi, July 2001

https://www.wisemusicclassical.com/work/13543/en-bordure-despaces--Gualtiero-Dazzi/

Oeuvre orchestrale pour grand ensemble et dispositif électronique. Enregistrée ici par l'ensemble Musiques Nouvelles de Liège, Art Zoyd, dirigés par Jean-Paul Dessy pour Experiences de vol 3 (cd Subrosa)

En Bordure D'espaces

Augenblick est une oeuvre de musique de chambre pour trio de flûtes, dédié au Trio d'Argent, trio de flûtistes parisiens, grands voyageurs qui sillonnent la planète avec leur bagage d'oeuvres nouvelles composées à leur intention. C'est la première étape (1996) dans notre longue amitié musicale et dans notre éternelle aventure humaine commune. 
Cette pièce est un hommage à Hariprasad Chaurasia, gran Maître et virtuose du Bansuri, flûte classique en bambou de l'Inde du Nord. 
Voici une note récente qui a été écrite pour une des nombreuses interprétations par le Trio d'Argent de cette oeuvre à Paris en 2013: 

Augenblick un instant de la vie de Bhrama

"Dein Aug sah mir zu, sah hinweg,
dein Mund
sprach sich dem Aug zu, ich hörte : "

"Ton œil me regarda, vit plus loin
ta bouche 
parla jusqu’à l’œil, j’entendis : "

J’entendis ton souffle parcourir l’espace infini. Lent, frémissant, captivant. Ta bouche creusait le silence de la mémoire, inlassablement. Ton œil émondait la peur et dénudait l’instant. L’instant de vie. L’instant de création.

J’entendis ton souffle se troubler et se démultiplier, lorsque la main ouvrit et cueillit. Ton œil patient, impatient, cherchait, touchait, comprenait.	

J’entendis ton souffle s’étonner, dans la profondeur du crépuscule.
Et naître et co-naître encore…

"Là-bas
Nous conduit le regard"

"Dorthin 
Führt uns der Blick"

Elisabeth Kaess février 2013

Première citation
Paul Celan, « Zürich, zum Storchen », La rose de personne, traduction de Martine Broda, Paris, José Corti, 2002, pp.18-19
deuxième citation 
Paul Celan, « Ton passage au-delà », op. cit., pp.24-25

Enregistrement extrait du Cd Asia du Trio d'Argent

Augenblick un instant de la vie de Bhrama

I 
Se io vivo
Berceuse/dolcissimo

Se io vivo più di chi più m’arde
Se io vivo più di chi mi cuoce
Quante più legne o vento il foco accende
Tanto più chi m’uccide mi difende
E più mi giova dove più mi nuoce 
e più mi giova dove più mi nuoce.
 
II 
Come fiamma
Piuttosto vivace/sensuale

Come fiamma più cresce più é contesa
Dal vento, ogni virtù che il cielo esalta
Tanto più splende quant’é più offesa.

III
Sol io ardendo
Calmo e con rubato

Sol io ardendo all’ombra mi rimango,
Quand’el sol de’ suoi razzi el mondo spoglia :
Ogni altro per piacere, e io per doglia,
Prostrato in terra, mi lamento e piango.
 
IV
Sol pur col foco
Canto guerriero / vivace

Sol pur col foco il fabbro il ferro stende
Al concetto suo caro é ’l bel lavoro
Nè senza foco alcuno artista l’oro
Al sommo grado suo raffina e rende.

Nè l’unica fenice sè riprende se non prim’arsa
Ond’io s’ardendo moro 
spero più chiar resurgir tra coloro
Che morte accresce e ’l tempo non offende.


V
S’un casto amor
Calmo ma non troppo lento

S’un casto amor s’una pietà superna
S’una fortuna in fra due amanti equale
S’un’aspra sorte all’un dell’altro cale
S’un spirto s’un voler duo cor governa

S’un’anima in duo corpi è fatta eterna
Ambo levando al cielo e compari ale
S’amor d’un colpo e d’un dorato strale
Le viscer di duo petti arda e discerna

S’aman l’un l’altro e nessun sè medesimo
D’un gusto e d’un diletto a tal mercede
C’a un fin voglia l’uno e l’latro porre

Se mille e mille non sarien centesmo
A tal nodo d’amore a tanta fede 
e sol l’isdegno può rompere e sciorre ?
(il può rompere e sciorre)

VI
Chiunque nasce a morte arriva
Calmo desolato

Chiunque nasce a morte arriva nel fuggir del tempo
E’l sole ni una cosa lascia viva
Manca’l dolce e quel che duole

E gl’ingegni e le parole
E le nostre antiche prole
Al sole ombre al vento un fumo

Come voi uomini fummo
Lieti e tristi come siete 
E or siam come vedete
Terra’l sol di vita priva

Ogni cosa a morte arriva
Gia fur gli occhi nostri interi
Con la luce in ogni speco
Or son vuoti orrendi e neri
E ciò porta il tempo seco.
 
VII
Amor la tua beltà non è mortale
Dolcissimo ma non troppo lento

Amor la tua beltà non è mortale
Nessun volto fra noi è che pareggi
L’immagine del cor ch’enfiammi e reggi
Con altro foco e muovi con altr’ale


01 Se Io Vivo

06 Chiunche Nasce A Morte Arriva

Des traces qui mènent quelque part vert nulle part 
(2015) 6'30''
Flûte basse et dispositif 
Strasbourg 4/15 Ayako Okubo Ensemble Hanatsu miroir
Projet Requiem d’après Anna Akhmatova

François Dhalmann Éditions https://www.dhalmann.fr/efd17/fr/flute/409-des-traces-qui-menent-quelque-part-vers-nulle-part-9790560244785.html

La composition de REQUIEM suit le déroulement du recueil d’Anna Akhmatova. Tout au long de l’œuvre, la composition instrumentale dialogue avec un double dispositif électronique : d’une part, le son des instruments est traité en temps réel par des transformations ou des prolongations du geste propre, idiomatique, de l’instrumentiste, et d’autre part, des séquences de sons fixés laissent apparaître des textures sombres créées à partir de sons de cloches et de gongs qui confèrent à l’ensemble un climat de rituel, une messe aux morts et aux disparus dans les Goulags et autres prisons.

Des Traces Qui Mènent Quelque Part Vert Nulle Part

C'era una volta
(1986)
pour Flutes (alto, do, piccolo) et clarinette basse (aussi contrebasse)
7'
Création par Philippe Racine et Ernesto Molinari Ijsbreker Amsterdam (18/3/86)

La composition de ce duo est inspirée par un poème de Bertold Brecht tiré du bestiaire qu'il a écrit pour Paul Dessau en 1928.
Es war einmal ein Rabe
Ein Schlauer alter Knabe
Den sagte ein Kanari, der
in seine Käfig sang : schau her
von Kunst
Hast du keinen Dunst
Der Rabe sagte ärgerlich
Wenn du nicht singen könntest
wärst du so frei wie ich

Le dialogue entre le corbeau et le canari est ici représenté de façon théâtrale de deux manières: la bataille entre les flûtes (canari) et les clarinettes (corbeau) mais également au plan formel : première et troisième partie plus chantées et deuxième partie plus rythmique et rugueuse.

Enregistrement Ayako Okubo et Thomas Monod - Ensemble Hanatsu Miroir - Strasbourg 18/4/15

C'era Una Volta

Le mot, tombé comme une pierre 
(2015)
Clarinette basse et dispositif (7'30'')
Strasbourg 4/15 - Thomas Monod - Ensemble Hanatsu Miroir
Projet Requiem d’après Anna Akhmatova
François Dhalmann Éditions
https://www.dhalmann.fr/efd17/fr/brand/59-dazzi-gualtiero

La composition de REQUIEM suit le déroulement du recueil d’Anna Akhmatova. Tout au long de l’œuvre, la composition instrumentale dialogue avec un double dispositif électronique : d’une part, le son des instruments est traité en temps réel par des transformations ou des prolongations du geste propre, idiomatique, de l’instrumentiste, et d’autre part, des séquences de sons fixés laissent apparaître des textures sombres créées à partir de sons de cloches et de gongs qui confèrent à l’ensemble un climat de rituel, une messe aux morts et aux disparus dans les Goulags et autres prisons.

Le Mot Tombé Comme Une Pierre

D’un trait…d’Union
(2015)
Violoncelle seul (1'30'')
Paris 6/15 
Ainssi Karttunen 
inédit partition sur demande

J'ai composé cette petite oeuvre à la demande d'Anssi Karttunen pour participer à un hommage à Pascal Dusapin à l'occasion de son 60ème Anniversaire.
D'un trait... d'Union, sei note e qualcuna in più. 
Per Pascal Dusapin con affetto in segno della nostra amicizia.

D'un trait...d'Union

Petite suite de voyage
(1997)
pour violoncelle et piano (14') 
Enregistrement non professionnel de la création : Madrid Casa Velasquez - Silvia Lenzi violoncelle, Thierry Pécou piano. 

Construite comme une suite baroque, cette "petite suite de voyage" est composée à partir de la musique de scène de Peer Gynt mis en scène en 1996 par Stéphane Braunschweig. 
L'autre source d'inspiration, qui se révèle à l'avant dernier mouvement, est la sequenza de L. Berio pour piano seul. 
L'enregistrement présenté ici est le seul que je possède... 
La partition est disponible ici http://www.musicsalesclassical.com/composer/work/333/11606
Merci de votre écoute 
G.Dazzi

Petite suite de voyage

Gualtiero Dazzi 
Les choses oubliées (1994/2016) 
pour flûte et clarinette 
Enregistrement de la création, Le triton (Les Lilas) 30/4/2016
Michel Boizot Flûte Laure Meurice Clarinette

Cette œuvre est la réécriture de S'abriter dans les plis du vent, pour voix et clarinette dont le livret était inspiré de deux poèmes de Roberto Juarroz (1925_1995 - Photo), poète argentin qui occupe une place fondamentale dans mon propre panthéon poétique.
J'ai relevé le défi de garder intacte la partie de la clarinette et de chercher l’idiome qui siège au mieux à la flûte, sans dénaturer l’identité poétique de l’œuvre initiale. Le titre se fait l’écho de l’un des poèmes qui constituaient jadis le livret et dont je voudrais en citer ici un extrait. Ces vers sonnent pour moi comme un manifeste du travail de l’artiste: 
64 (…)
N’être que le discret artisan
qui réunit quelques mots
pour mettre sur les choses qu’on oublie
et réveiller en elles la rencontre
avec quelques couleurs sans attache. 

Les faibles consistances du monde
commencent toujours dans les coins.
et les choses oubliées
détiennent les seuls signaux . 
(treizième poésie verticale - traduction Roger Munier - Ed José Corti)

Gualtiero Dazzi avril 2016.

Les Choses Oubliées

« LE SON DE l’ENCRE »
Concert-spectacle
Ensemble Souffle Nomade
Direction artistique François Daudin Clavaud
en collaboration avec le compositeur Gualtiero Dazzi

Flûtes

Michel Boizot
François Daudin Clavaud
Xavier Saint-Bonnet

Avant que le pinceau ne touche le papier, le bambou est déjà dans ton cœur.
Wen Tong, artiste chinois du 11ème siècle

Il y a vingt ans, L’Ensemble Souffle Nomade – Trio d’Argent réalisait « Asia » au Théâtre du Renard, un concert-spectacle en collaboration avec les compositeurs Luc Ferrari, Gualtiero Dazzi et Thierry Pécou. Le fil rouge du spectacle était le célèbre film d’Orson Wells : La dame de Shanghai.

Dans cette nouvelle production, « Le son de l’encre » l’Ensemble Souffle Nomade se propose d’immerger le public dans l’univers de « l’art du trait » asiatique présenté sous différents aspects et portés par des créations originales pour flûtes et percussions des compositeurs Tao Yu, Claire-Mélanie Sinnhuber, Galtiero Dazzi et François Daudin Clavaud.

Profondément enraciné dans une tradition millénaire, le dessin ou la peinture asiatique est indissociable de la calligraphie. Dans des civilisations qui ne séparent pas la lettre et le dessin, le mot et l'image, l'apprentissage de l'art du trait était la base de la formation classique des peintres.

Pour ce projet, les compositeurs s’inspireront de plusieurs techniques de l’art du trait en Asie. 

Gualtiero Dazzi 
La demeure du rêve (2019)
Pour trio de flûtes, dispositif électronique et « drawing show », en collaboration avec Kim Jung Gi - dessinateur Sud-coréen. 

Kim Yung Gi, l’un des plus illustres dessinateurs au monde, a la rare capacité de pouvoir mémoriser tout ce qu’il voit et de le restituer sous forme de dessin, sans aucune aide visuelle, travail préparatoire ou trait de construction. Son geste se développe de façon complètement organique à partir d’un détail minuscule, pour terminer sur une foule de personnages, remplissant des surfaces très importantes. 
Pour le projet "Le son de l’encre", Yung Gi a été filmé dessinant quatre tableaux différents construits à partir d’une seule idée essentielle : dans chaque dessin il y a une mise en abîme qui conduit au prochain, jusqu’à retrouver les trois premiers tableaux dans un détail du dernier. 

Pour la composition musicale de "La demeure du rêve", j’ai travaillé à partir d’un motif simple, formé de quelques notes : un geste musical qui, par son développement et par sa prolifération, dialogue avec le geste graphique de Kim Yung Gi, filmé en amont du projet. La musique suit le déroulement de l'image comme s’il s’agissait d’un film muet en cherche ainsi à créer le maximum proximité entre le geste musical de l’interprète et celui du dessinateur. 
G. Dazzi mars 2019

Enregistrement de studio réalisé à Radio France pour l’émission Tapage nocturne. Mixage Gualtiero Dazzi. Partie électroniques réalisée grâce au soutiens de Art Zoyd Studio – Valenciennes. 
Le trio d’Argent – Ensemble Souffle Nomade

Gualtiero Dazzi La Demeure Du Rêve

Gualtiero Dazzi 
LA POUSSIÈRE DE TOUTE CHOSE
POUR PERCUSSIONS, LIVE ELECTRONICS ET DISPOSITIF
Oeuvre dédiée à Fritz Hauser
…Au niveau
du silence
la poussière
de toute chose… (Giacinto Scelsi)

Point de départ du concert/spectacle "Il fera jour", cette oeuvre nous plonge
dans le calme du début de la nuit : une myriade de bruits minuscules et
lointains que l’on perçoit uniquement en y prêtant attention : le vent, les
insectes, les oiseaux, ou plutôt les sons des frottements et des grésillements
des pierres sonores, ou encore les rythmes de quelques cloches de
bois. L’univers de ce premier nocturne est à la fois calme et tendu, jouant
sur l’attente et l’inouï, sur l’étrangeté. Peu à peu le son nous enveloppe dans
une musique polychorale spatialisée très dense, mélangeant les spectres de
grandes cymbales graves aux voix de 5 choeurs virtuels.
Le résultat musical final dépend en très grande partie de l'interaction entre le jeu de Fritz Hauser aux percussions et la sensibilité sur le moment de José Navarro, qui pilote les instruments électroniques qui agissent sur le vif en dialogue direct avec le musicien. La composition de cette musique est donc en devenir : une trame instrumentale a été proposée dans un premier temps par le compositeur à Fritz Hauser, qui se l’est appropriée pour réaliser des enregistrements servant à l’élaboration des séquences électroniques. Puis, pendant la période de travail final, le musicien improvise autour de cette matière avec José Navarro, qui a programmé un système interactif et réagit en temps réel au jeu du musicien, et avec le compositeur qui déclenche les séquences préenregistrées.

Enregistrement de la première à La Filature, Scène Nationale de Mulhouse le 17 mars 2007, Ingénieur du son Paul Ubald

Audio CD

La poussière de toute chose

Gualtiero Dazzi
S'abriter dans les plis du vent
(1994)
pour Soprano et Clarinette en sib
Texte d'après Roberto Juarroz (Treizième poésie verticale) 

Théâtre - Situation théâtrale - Poésie
Plus que l'artifice, la situation théâtrale qui me touche est celle où quelqu'un cherche ses mots... le sens... l'essentiel. 
Qui plus que le langage en soi créé cette situation? 
Qui est plus près de l'essentiel que la poésie? 
Qui plus que la poésie touche au plus près le sens de l'être et du langage? 

Et à Juarroz de le dire: 
Mais tout poème n'est que balbutiement
Sous le balbutiement sans fin des étoiles. 

Gualtiero Dazzi juillet 1994. 
Cette oeuvre est dédiée à la mémoire de Roberto Juarroz

Enregistrement de la première: 
Géraldine Keller Soprano Rudy Valdivia Clarinette
Festival Musica Strasbourg Septembre 1995

S'abriter dans les plis du vent

Gualtiero Dazzi
Klage (1997-98) 
Cantate tragique pour soprano, chœur de femmes, clarinettes, violoncelle, contrebasse et percussions. 
Livret du compositeur d’après cinq poèmes de Georg Trakl et trois fragments des Perses d’Eschyle
Commande de Radio France - création Festival Présence 1999 par l’ensemble Accroche note et les jeunes femmes de la Maîtrise de Radio France dirigée par Toni Ramon

Les Perses d’Eschyle est la plus ancienne tragédie de l’histoire du théâtre grecque qui nous soit parvenue. En quelques mots, la pièce raconte la défaite de l’armée des Perses dans le détroit et sur la terre de Salamine. Voulant consolider le pouvoir de l’empire Perse construit en grande partie par son père Darius, Xerxès décide de se rendre en Grèce pour calmer les ardeurs des Grecques. Mais il subit une terrible défaite qui met l’armée en déroute. Au début de la tragédie la reine raconte un rêve qui porte un très mauvais présage. Puis le messager vient raconter la défaite de l’armée des Perses et, à la fin, Xerxès viendra s’effondrer au pied de sa mère. Mais le véritable personnage principal de la tragédie, c’est le chœur des vieux perses qui se plaint de la perte bouleversante des jeunes guerriers. 

S’appuyant sur quelques fragments des Perses d’Eschyle, le chœur chante la tragédie d’un peuple qui a perdu la guerre. Mais quelle guerre peut-elle être gagnée ? Une guerre implique nécessairement barbarie et destruction. Existe t-il un moyen pour éviter cela ? Les enfants prennent souvent conscience de la violence du monde des adultes par le traumatisme de sa brutalité. Ils sont en plus totalement plongés dans un univers de violence par les produits habituels de leur consommation via les écrans (jeux vidéo, télévision, internet). 

Sachant que nos enfants seront les adultes de l’avenir, quel monde construisons-nous en les éduquant au culte de la violence ? 

Georg Trakl est un poète autrichien né en 1887 à Salzbourg et mort à 27 ans, à Cracovie, en 1914, pendant la première guerre mondiale. Après une courte « carrière » de poète qui pourrait nous rappeler Rimbaud par la jeunesse et la fulgurance de sa présence dans les cercles littéraire de son temps, Trakl a été mobilisé dès le début de la guerre et a participé à une bataille très sanglante à Grodeck en Galicie, à la suite de laquelle il se serait vu confier, durant deux jours et sans assistance médicale, le soin d’une centaine de blessés graves. A la suite de ces scènes d’horreur et après une tentative de suicide, il est hospitalisé à Cracovie en section psychiatrique où il composera ses derniers poèmes avant de mourir d’une overdose de cocaïne, dont on ne saura jamais si c’est un suicide… 
Les poèmes, à partir desquels est construit le texte chanté par la voix de soprane, ont été écrits pendant les derniers jours de la vie du poète et témoignent d’une dimension tragique profondément enracinée dans l’être humain. 

L’expressionnisme du poète autrichien face au hiératisme du texte ancien : les parties du chœur restent quasiment immobiles et la plainte surgit des rapports harmoniques à l’intérieur des accords (rapports de seconde mineure ou de septièmes majeures). Le chœur n’est pas celui des vieux perses, mais celui des femmes et des enfants qui ont perdu leur père ou leur mari. La voix de femme qui chante les poèmes de Trakl est peut-être celle de la sœur du poète, Margarèthe, ou bien celle de la reine des perses qui traversant les époques se fait le porte voix de l’angoisse face à la mort générée par la guerre. 

À la fin de la cantate, la musique de cette plainte – Klage – telle le calme après la tempête, voyage vers un monde silencieux où la poésie et l’amour peuvent encore s’exprimer. Ce monde n’est pas ailleurs, n’est pas fuite du réel : il est à l’intérieur de chacun, à l’endroit où la frénésie et l’éphémère cèdent la place à l’essentiel. Seulement voilà : 
Comment rester dans l’essentiel, dans un monde habité par le superflu ?

Klage

Gualtiero Dazzi
Fünf Lieder nach Georg Trakl 
(1997-98) 
pour soprano, clarinettes, violoncelle, contrebasse et percussions

I
Dich sing ich wilde Zerklüftung,
Im Nachtsturm
Aufgetürmtes Gebirge

Unendliche Qual,
Dass du Gott erjagtest
Sanfter Geist,
Aufseufzend in Wassersturz
In wogenden Föhren.

Über schwärzliche Klippen
Stürzt todestrunken
Die erglühende Windsbraut,
Die blaue Woge
Des Gletschers
Und es dröhnt
Gewaltig die Glocke im Tal. 


I
C’est toi que je chante, crevasse sauvage,
Montagnes entassés
Dans l’ouragan nocturne

Infinie tourment
D’avoir pourchassé Dieu
Tendre esprit
Soupirant dans la cascade
Dans la houle des pins. 

Sur des récifs noirâtres
S’abat, ivre de mort,
La rafale enflammée,
Houle bleue
Du glacier
Et gronde
Violente la cloche dans le val. 

Version française de Jacques Legrand 

Georg Trakl est un poète autrichien né en 1887 à Salzbourg et mort à 27 ans, à Cracovie, en 1914, pendant la première guerre mondiale. Après une courte « carrière » de poète qui pourrait nous rappeler Rimbaud par la jeunesse et la fulgurance de sa présence dans les cercles littéraire de son temps, Trakl a été mobilisé dès le début de la guerre et a participé à une bataille très sanglante à Grodeck en Galicie, à la suite de laquelle il se serait vu confier, durant deux jours et sans assistance médicale, le soin d’une centaine de blessés graves. A la suite de ces scènes d’horreur et après une tentative de suicide, il est hospitalisé à Cracovie en section psychiatrique où il composera ses derniers poèmes avant de mourir d’une overdose de cocaïne, dont on ne saura jamais si c’est un suicide… 
Les poèmes, à partir desquels est construit le texte chanté par la voix de soprane, ont été écrits pendant les derniers jours de la vie du poète et témoignent d’une dimension tragique profondément enracinée dans l’être humain. 

L’expressionnisme du poète autrichien face au hiératisme du texte ancien : les parties du chœur restent quasiment immobiles et la plainte surgit des rapports harmoniques à l’intérieur des accords (rapports de seconde mineure ou de septièmes majeures). Le chœur n’est pas celui des vieux perses, mais celui des femmes et des enfants qui ont perdu leur père ou leur mari. La voix de femme qui chante les poèmes de Trakl est peut-être celle de la sœur du poète, Margarèthe, ou bien celle de la reine des perses qui traversant les époques se fait le porte voix de l’angoisse face à la mort générée par la guerre. 

À la fin de la cantate, la musique de cette plainte – Klage – telle le calme après la tempête, voyage vers un monde silencieux où la poésie et l’amour peuvent encore s’exprimer. Ce monde n’est pas ailleurs, n’est pas fuite du réel : il est à l’intérieur de chacun, à l’endroit où la frénésie et l’éphémère cèdent la place à l’essentiel. Seulement voilà : 
Comment rester dans l’essentiel, dans un monde habité par le superflu ?

Fünf Lieder nach Georg Trakl  1

Gualtiero Dazzi
L'éclosion des chrysalides
(1993)
Cl, Cor, Piano, 1Perc, Synth, Vln,Vlc (17’)
Enregistrement de la Création 
Lyon, Musiques en scène 1993
Ensemble TM+, L. Cuniot
Ed. Chester Music Ltd.
https://www.wisemusicclassical.com/work/11601/Leclosion-des-chrysalides--Gualtiero-Dazzi/

L'éclosion Des Chrysalides

Gualtiero Dazzi 
Ailes déployées 
(1995)
Cette oeuvre orchestrale a été composé pendant la résidence que j'ai effectué en 1995 auprès du Conservatoire de Strasbourg, à l'intention de l'orchestre symphonique des grands élèves. 
Enregistrement de la création 
Strasbourg Festival Musica 95 
Orchestre des élèves du CNR de Strasbourg, dir. Pascal Rophé.  

À l'essor est prête mon aile,
J'aimerais revenir en arrière,
car je resterais aussi temps vivant
si j'avais moins de bonheur.
GERSHOM SCHOLEM, Salut de l'ange

« Il existe un tableau de Klee qui s’intitule «Angelus Novus». Il représente un ange qui semble sur le point de s’éloigner de quelque chose qu’il fixe du regard. Ses yeux sont écarquillés, sa bouche ouverte, ses ailes déployées. C’est à cela que doit ressembler l’Ange de l’Histoire. Son visage est tourné vers le passé. Là où nous apparaît une chaîne d’événements, il ne voit, lui, qu’une seule et unique catastrophe, qui sans cesse amoncelle ruines sur ruines et les précipite à ses pieds. Il voudrait bien s’attarder, réveiller les morts et rassembler ce qui a été démembré. Mais du paradis souffle une tempête qui s’est prise dans ses ailes, si violemment que l’ange ne peut plus les refermer. Cette tempête le pousse irrésistiblement vers l’avenir auquel il tourne le dos, tandis que le monceau de ruines devant lui s’élève jusqu’au ciel. Cette tempête est ce que nous appelons le progrès ».

Walter Benjamin Sur le concept d’histoire IX. Œuvres III. Traduction Maurice de Gandillac. Folio Essais page 434

Walter Benjamin donne dans ce texte ci-dessus sa vision de l'Histoire et y professe son matérialisme historique. L'Angelus novus agit rétrospectivement dans le lointain du temps, c'est-à-dire: comme «un ramasseur historique de temps». Il symbolise le refus, dans l'à-présent de son action, d'oublier les souffrances des générations, opprimées et vaincues. Faisant mémoire du passé, il ne se laisse pas happer par un progrès qui fait fi du passé, mais il agit à-présent de telle sorte que les sacrifices et la mort de ceux qui l'ont précédé ne soient pas vains, ne soient pas perdus pour l'Histoire ouvrant ainsi le porte de l'espérance, de leur délivrance en même temps que la nôtre. 

J'ai voulu dédier cette oeuvre à la mémoire de Walter Benjamin en cette année 1995, cinquantenaire de la libération des camps. Nous en avons le souvenir mais nous ne sommes pas encore libérés de la barbarie...

ailes déployées

Gualtiero Dazzi

D'un seul cris au dedans de lui-même (2005)
Pour Chœur de chambre, Alto, Piano, Percussions
Livret du compositeur basé sur des fragments du « Rothko Chapel poem » de John Taggart (éditions de l’Abbaye de Royaumont)

Petite note d’introduction :
Le défi artistique que je me suis lancé, était de composer une œuvre qui puisse être interprétée dans le même concert que Rothko Chapel de Morton Feldman. Pour cela il faut naturellement employer le même effectif, pour le moins inhabituel : un chœur de chambre, un alto, un percussionniste et piano. Optant pour le piano plutôt qu’un célesta, j’ai décidé de transgresser ma propre règle.
Pour pousser le défi aux extrêmes, j’ai décidé d’utiliser 5 fragments du poème de la chapelle Rothko de John Taggart. Ainsi peut-on dire que l’ombre du peintre américain et l’espace de la chapelle de la Fondation Menil à Huston Texas, sont omniprésents, lorsqu’on interprète les deux œuvres dans le même concert.
La grande forme de d’un seul cri au dedans de lui-même se partage en trois mouvements
Rouge condensé par noir
Chambre de lumière froide rouge refroidie par noir
Progression de rouge dense come lave refroidie
Les titres mettent l’accent sur le caractère monochrome de ce travail, en réponse ou en accord avec la musique de Feldman, et avec la peinture de Mark Rothko.
Chacun des trois mouvements se partage en plusieurs modules au caractère très individualisé et reconnaissable. Cela correspond à un souci poétique de juxtaposition d’éléments reconnaissables à distance, qui agissent par contraste et par articulation, bien qu’ils semblent dépourvus de relation directe avec leurs voisins immédiats.
Cette combinaison de couleurs monolithiques trouve son origine conceptuelle tant dans la peinture de Mark Rothko, que dans la musique de Morton Feldman, et surtout dans la poésie de John Taggart :
Un jeu combinatoire vertigineux qui permet la construction d’un grand poème à partir d’éléments simples, le plus souvent très peu variés, toujours ré entendu au travers du filtre mirobolant d’échos infinis.
Point de pulsation régulière, dans cette œuvre : elle est abandonnée au profit des grandes respirations musicales qui structurent la grande forme. Point de processus directif : une écriture de temps/couleurs qui laisse au sein de l’œuvre un creux pour l’écoute.
Gualtiero Dazzi Salzburg Août 2005

D'un Seul Cri 2

Gualtiero Dazzi  
Noche Oscura (2015)
Madrigale Amoroso
Pour Quatuor Vocal Féminin, Euphone, Cristal basse et neuf bols chantants tibétains 
Commande de l’Ensemble Hope et de l’Ensemble vocal Méliades 

D’après le poème éponyme de Jean de la Croix 
Lorsque Marc-Antoine Millon m’a proposé de participer au projet de concert Chants de l’âme, Musiques sacrées du XXI siècle, avec une création destinée au quatuor vocal Méliades et à l’ensemble Hope, j’ai de suite voulu retrouver la poésie de Jean de la Croix que j’avais déjà côtoyé en 2013, avec quelques passages de son Cantique Spirituel, lors de la composition de mon projet Montagne sacrée – Passeurs de chant. 

Pour ce nouveau projet, j’ai entrepris de m’approcher, avec mes modestes moyens de compositeur du XXIe siècle, aux hautes incandescences de cette nuit obscure, première des deux « Chansons de l’âme » qui, « par sa densité et son unité est sans doute le chef d’œuvre de Jean de la Croix » . Le poème, « composé à la fin de 1578, peu de temps après l’évasion de la prison de Tolède où il avait été enfermé dans des conditions inhumaines par les Carmes mitigés, hostiles à la rigueur de l’ordre des « déchaux » qu’il avait fondé » , est l’un des sommets de la poésie espagnole du XVIe/XVIIe siècle et, au delà de son contenu mystique, s’inscrit magistralement dans l’héritage de la poésie d’amour depuis le trobar occitan du XIIIe siècle. 

L’écriture vocale du madrigal amoroso que j’ai composé, prend sa source dans la versification par cinq vers, trois heptasyllabes et deux hendécasyllabes alternés, ainsi que dans l’assonance produite dans chaque strophe, par l’impressionnante insistance de la même voyelle aussi bien à la rime que dans le corps du texte. 
La présence de quatre chanteuses - qui peuvent aussi chanter en solistes face au reste du groupe - me permet de superposer une écriture monodique à une écriture verticale et de juxtaposer des passages polyphoniques aux passages mélodiques, dans lesquels chaque voix s’approprie à tour de rôle le « moi » qui parle ici et qui est donc féminin. 

C’est ma première rencontre avec le Cristal Bachet et le Titanium Euphone. Après une période de « repérage » chez Marc-Antoine Million et une résidence avec les chanteuses de Méliades et l’Ensemble Hope une fois commencé le travail de composition, j’ai pu ressentir comment l’univers harmonique qui m’est propre pouvait être « transposé » dans une écriture idiomatique, spécifiquement conçue pour le Cristal Bachet et le Titanium Euphone et comment cela allait pouvoir se conjuguer avec l’écriture vocale. La particularité du comportement acoustique de tout le corps résonnant de l’instrument, totalement inouï au sens propre du terme dans certains agrégats, m’a complètement séduit. Il y a là un sens dramaturgique profond qui traduit parfaitement le chemin décrit par le poème : sortir de soi par une nuit obscure et trouver la flamme de l’amour et l’apaisement après la rencontre avec l’aimé. 

Une dernière particularité de ce madrigal mystique est l’emploi de neuf bols tibétains qui confèrent à l’ensemble une couleur rituelle très particulière, mariant les échos du cristal aux sons tenus des voix cristallines et aux vibrations profondes, nocturnes, des métaux résonnants. 

Noche oscura est dédié à ma compagne Elisabeth, amado con amada – amada en el amado transformada. 

Enregistrement de la création par le quatuor vocal Méliades et l'Ensemble Hope - Abbaye de Noirlac octobre 2015

Noche Oscura Noirlac

Gualtiero Dazzi 
Icnocuicatl
(1994)
Chant triste sur un poème de Cuacuauhtzin (ca.1390-1443)
pour Mezzo-soprano et ensemble
Commande de l'Etat 
Enregistrement effectué à Paris, Conservatoire d'Art Dramatique
Sylvia Vadimova, Ensemble TM+, dir. Laurent Cuniot

Cuacuauhtzin, seigneur de Tepechpan, accéda au trône en 1431; ayant décidé de se marier, il obtint en 1440 de recevoir en son palais la princesse Azcalxochitzin*, une jeune femme appartenante à la noblesse aztèque, née approximativement en 1428, qu'il avait choisie pour épouse. Cette dernière étant encore très jeune, il décida d'attendre avant de consommer les noces. Comme
Cuacuauhtzin était déjà vieux, il mettait tous ses espoirs de bonheur dans cette union. Mais la jeune princesse, plus que la source de sa félicité, allait être celle de son infortune et même de sa mort.
Nezahualcoyotl, roi de Tezcoco, était son souverain. Un jour où il se promenait seul sur les rives du lac de Tezcoco en proie à la tristesse et à la mélancolie, Cuacuauhtzin le rencontra et l'invita à dîner dans son palais. Pour honorer davantage son hôte, il souhaita que sa promise, servît elle-même le repas. Nezahualcoyotl apercevant la princesse se laissa séduire par sa grâce et son
charme, et toute mélancolie le quitta.
Peu de temps après, Cuacuauhtzin reçut l'ordre d'aller combattre dans une guerre contre le royaume ennemi de Tlaxcala. Deux capitaines avaient pour mission de l'exposer dans l'endroit le plus dangereux afin qu'il fût tué pendant la bataille. Cuacuauhtzin se rendit compte du sort qui l'attendait mais, fidèle à son souverain et ami il exécuta ses ordres, même si cela signifiait aller à la rencontre de la mort.
En plus de seigneur de Tepechpan, Cuacuauhtzin était poète, et c'est grâce à cela qu'il a pu nous laisser un témoignage de son désarroi. Ainsi pour connaître cet épisode, mis à part les commentaires des différents chroniqueurs, nous avons les transcriptions des chants tristes qu'il composa et entonna lors du banquet qu'il offrit à ses parents et amis. 
Le poème qui constitue le texte de cet Icnocuicatl, chanté en Nahuatl, en fait partie.

Icnocuicatl :
Mon coeur ne désire que des fleurs,
oh ! qu’elles demeurent dans mes mains !
Je ne sais chanter que mon vain savoir,
seul, je tente désespérément de chanter
sur la terre.
Moi, Cuacuauhtzin,
je les désire ces fleurs,
oh ! qu’elles demeurent dans mes mains !
oh ! je ne sais donc rien !

Où, en vérité, devrons-nous partir
pour ne jamais mourir ?
Si, tout simplement, j’étais un jade précieux,
si j’étais de l’or,
tout simplement, alors je serais fondu,
je serais réduit en poudre dans le mortier.
Je n’ai que mon coeur qui me donne la vie,
moi, Cuacuauhtzin,
tout simplement je ne sais donc rien !

Ton tambour en jade précieux,
ton oiseau de turquoise et de feu qui chante,
ainsi, voici que tu vas les faire résonner,
seul, oh ! toi, Yoyontzin !
Réjouissez-vous donc, mais pour peu de temps.
Venez donc, venez vous montrer,
vous, dont le coeur est malade.
Voilà qu’est arrivé,
voilà que se dresse le chanteur !
Puisse ton coeur s’ouvrir
puisse ton coeur s’élever,
toi, qui me hais,
toi, qui veux ma mort.
Mais me voici partir chez Lui,
j m’en vais disparaître.
Peut-être, il se peut qu’à cette occasion,
qu’à cause de moi tu pleures,
qu’à cause de moi tu souffres,
seul, toi, mon ami,
mais, seul, moi, je pars.,
seul, moi, je pars chez Lui.

Oh ! Jamais je ne le fais au printemps,
ici je ne suis qu’un malheureux,
ici je ne suis que moi, Cuacuauhtzin !
Ne jouirons-nous jamais de l’harmonie,
ne saurons-nous jamais ce qu’est la joie,
nos amis ?
C’est alors que je saisirai ces belles fleurs,
ces beaux chants !

Icnocuicatl

Passeurs de Chant donne à entendre les compositions de Gualtiero Dazzi pour le projet "Montagne Sacrée - Passeur de chant" rencontre transalpine pour chants traditionnels italiens et choeurs contemporains.

Le chant choral est une des pratiques les plus anciennes de la vie en communauté, capable d’exprimer quotidiennement notre rapport à l’autre, au territoire qui nous entoure, à la terre qui nous appartient ou nous possède…
C’est pour ressentir cet aspect-là de notre culture commune, au-delà des frontières, que l’ensemble vocal Temps Relatif propose la rencontre entre deux choeurs. Le premier, Coro Monte Iron, choeur italien de montagnards issus du Trentin, travaille sur la transmission orale, chante des oeuvres liées à leur territoire de montagnes. Le deuxième, le Choeur universitaire de Grenoble, rassemble étudiants et adultes et travaille sur des oeuvres du répertoire « savant » européen sur partitions.

Gualtiero Dazzi, compositeur milanais voisin du Trentin, vivant en France, passionné par le croisement des formes et des cultures, est l’architecte de ce projet. Tel un « passeur de chants », il conçoit un livret où se croisent chants traditionnels, oeuvres choisies de Scelsi, et ses propres compositions écrites pour cette rencontre. « Montagne sacrée » donne à entendre l’importance de cet acte cathartique et profond qui consiste à se réunir pour chanter ensemble des oeuvres qui nous dépassent dans leurs significations et leurs mémoires.

Enregistrement Live de la création à Grenoble, Festival Les Détours de Babel, par le Choeur des Universités de Grenoble dir. Anass Ismat
Ensemble Vocal Temps Relatif
Nadia Jauneau-Cury  soprano
Chrystèle Chovelon mezzo-soprano
Philippe Noncle ténor
Emmanuel Cury baryton

Commande et production CIMN, en coproduction avec Temps Relatif, Ville de Ragoli (Italie) et l'Odyssée (Eybans)

1 Scelsi 1 (Celan)

Gualtiero Dazzi 
Contra Suberna (1998)
Cantate Occitane, pour ténor, cymbalum, contrebasse et orchestre à cordes de chambre.
Commande de la Région Midi-Pyrénées. 
Textes de : Guilhem Ader, Sèrgi Bec, Renat Nelli, Rosaline Roche, Jacme Privat, Pèire Cardenal, Alem Surre-Garcia, Bernat Manciet, Arnaut Daniel (photo), réunis par Alem Surre-Garcia. 
Enregistrement de la création à Toulouse, le 12/11/98: 
Ian Honeyman - Ténor,
Cyril Dupuy - Cymbalum,
Jean-Pierre Robert - Contrebasse solo, 
Orchestre National de Chambre de Toulouse, direction Alain Moglia. 

Sur une idée de Alem Surre-Garcia. 

En plein fracas de guerre, un "dormeur" s'éveille. 
Tous le poursuivent, le traquent, le prennent pour un dément. 
Il avance contre vents et marées et nage à contre-courant, 
Comme Arnaut qu'amassait le vent... 

À l'instar d'une anecdote, l'argument recèle un fil conducteur - reliant les douze poèmes entre-eux. Les douze parties sont des stations, la grande forme est divisée en quatre mouvements symphoniques. 
Les poèmes qui forment le livret de Contra Suberna sont originellement éloignés dans l'espace et le temps. Dans ce nouvel agencement, Ils partagent une continuité dont la dramaturgie régit la fluidité de la texture musicale. 
En se répondant ils créent des liens nouveaux entre les différents langues occitanes employées et chantées par la voix de ténor, accompagnée par une contrebasse au multiples syntagmes inouïs, par l'intemporel cymbalum et par un orchestre de chambre déployant sa virtuosité pour garantir l'unité musicale de l'oeuvre. 
Ainsi le vocabulaire de Contra Suberna est riche et composite et son articulation est certes complexe, mais tout est voué à la quête constante d'une éloquence à partager.
G. Dazzi 
Livret sur demande sur info@gualtierodazzi.org

Synopsis

Based on an idea by Alem Surre Garcia

In the din of war, a "sleeper" awakes.
They all chase him, track him down, take him for a madman.
He moves forward against wind and tide and swims against the stream,
Like Arnaut who amassed wind...

Demèst trucs e patacs de guerra, un "dormèire" se desperta.
E totes de lo persègre, de l'assecutar, de lo prene per un caluc.
E el d'avançar contra suberna e de nadar a contra-riu,
Coma l'Arnaut qu'amassava l'aura...


Like an anecdote, the synopsis contains a clue that connects all the poems.
The twelve sections are stations, the large form being divided into 4 movements: the texts of Contra Suberna - initially distant in space and time - share the fluidity of the musical texture and, while clashing or responding to each other, they establish new ties between the different langue d'oc dialects.
And all this converses with another language, which is unexpected and unheard of, that of the contemporary double bass and its manifold syntagms.
Not to forget the cimbalom - that timeless instrument - and the chamber orchestra, which are supposed, each one according to its own grammar, to show their virtuosity so as to assure the musical unity of the work.
Thus, the vocabulary of Contra Suberna is rich and diverse, and although its articulation is complex, it constantly aims at an eloquence to be shared.

Contra Suberna

Tenebrae II partie

Tenebrae I partie

Gualtiero Dazzi
Le Vent (The wind)
(1999)
Musique d'accompagnement du film muet "Le Vent" (1928) de Victor Sjöström, avec Lilian Gish (Photo).
Commande du Musée du Louvre

Enregistrement de la création, Auditorium du Louvre 12/6/1999

Ensemble Zellig, 
Clarinettes : Louis-Vincent Bruère
Trombone : Laurent Cabaret
Piano : Tensy Krismant
Violoncelle, Viole de gambe ténor  : Silvia Lenzi
Contrebasse : Didier Goury
direction : Thierry Pécou
Assistent Informatique musicale Brian Clevinger

Ed. Chester music Ltd.

The Wind Auditorium du Louvre juin 1999

Résonances en archipel 
(1996) 
8 percussions
Commande du Conservatoire de Strasbourg
Création Festival Archipel Genève 3/96
Élèves du CNR de Strasbourg dir. Emanuel Séjourné

Resonances En Archipel

Gualtiero Dazzi
La Danza Inmovil
(1997)
Pour Cl basse, Sax Bar, Cor, Tuba, Synth, Vla, Vlc, Cb, sons fixes (27’)
Commande de l'Etat et du GMEM Marseille
Création à Marseille, Festival Les Musiques 1997 ensemble Interface
Vidéo Denis Leclerc
Inédit partition sur demande

Enregistrement effectué à Brest au Quartz - Scène Nationale
Interprétation par les professeurs de l'ENM de Brest dirigés par Annick Minck
Ingénieur du son Kenan Trevien

La Danza Inmovil

Gualtiero Dazzi 
Musique pour le film :
"Voyage au bout de la droite"
(1998)
Documentaire de Christian Poveda
Production BBC et Arte, diffusion 03/1999
Ed. Chester Music Ltd.

01 Nouba Pulse 2

01 Nouba Pulse 1

01 Ney

01 Dervish

01 Tuareg

01 Crépuscule

Quatre miniatures simples pour piano
(2015)
Bordeaux 4/16 
Commande Scrime
François Dhalmann Éditions :
https://www.dhalmann.fr/efd17/fr/piano/411-quatre-miniatures-simples-pour-piano-9790560247113.html

Audio sortie du Logiciel Sibelius

Quatre Miniatures Simples Pour Piano

Gualtiero Dazzi
Rien qu’un temps suspendu 
(2019)
pour deux saxophones baryton et électronique

Création : 20/06/19 – Marie-Bénédicte Charier, Frederico Alba – Italie, Caltanisetta, Conservatoire V.Bellini, NEXT Incontro Internazionale Saxofono Contemporaneo

Rien Que Le Temps Suspendu Mix Stereo Électro

Le bagage de l'émigrant
(2001)
projet pédagogique pour choeur d'enfants accompagné au piano
Texte du compositeur d'après Gianni Rodari
Commande de l'Association  Mômeludies et du CFMI de Lyon

https://boutique.momeludies.com/musemporaines/37-le-bagage-de-l-emigrant.html

le bagage de l'émigrant

Gualtiero Dazzi
Boulevard de la Dordogne
Opératorio 
Livret et Dramaturgie Elisabeth Kaess
D’après Hannah Arendt, Walter Benjamin, Virgile et des témoignages recueillis auprès de réfugiés de différentes époques et divers pays
(Alsace/Moselle, Ardennes, Espagne 1939-1940 -
Arménie, Cameroun, Irak, Syrie, Turquie XXI siècle.)

Et un recueil de poèmes de Michèle Finck 
Poésie Shéhé Résistance / Fragments pour voix
Editions Le Ballet Royal 2019

ENREGISTREMENT LIVE DE LA CRÉATION
Distribution: 
Direction musicale Corinna Niemeyer
Voix enregistrée : Michèle Finck
Orchestre Universitaire de Strasbourg
Ensemble Vocal Universitaire de Strasbourg 
Direction Clotilde Gaborit
Délégué de production : Hervé Moritz (président de l’OUS) 

Equipe technique : 
Benjamin Ehrbar, régie générale ; 
Quentin Maudet, création lumières ; 
Louisa Mercier, technicienne lumière ; 
Florian Siegwald, technicien son.

NB 
POUR DES RAISONS DE DROITS, DANS CES EXTRAITS NE FIGURENT PAS LES PASSAGES AVEC LES PARTIES DE SOPRANO ET DE VIOLONCELLE SOLISTE
NB 
Aus Gründen der Rechte erscheinen in diesen Auszügen die Passagen mit den Teilen von SOPRANO und SOLO CELLO nicht
NB
FOR REASONS OF DUTIES, IN THESE EXCERPTS THE PASSAGES WITH THE PARTS OF SOPRANO AND SOLO CELLO DO NOT APPEAR

"Nous avons, quelques-uns, abordé à vos rives.
Mais quelle sorte d’hommes est-ce là?
Quelle patrie assez barbare autorise de telles moeurs?
On nous refuse l’hospitalité d’un peu de sable ;
On nous fait la guerre ;
On nous défend de nous installer sur l’extrême bord du rivage. "
Dans le premier livre de L’Énéide, Virgile questionnait cette faillite de l’humanité lorsqu’elle refuse l’hospitalité : « Mais quelle sorte d’hommes est-ce là? » Quelques deux mille ans plus tard, Hannah Arendt s’interroge quant à elle sur l’identité de « ceux que l’on a dispersés aux extrémités de l’horizon », des « êtres indésirables », écrit-elle dans Nous autres réfugiés, des « êtres humains d’un genre nouveau  ». Entre ces deux stases de la pensée, se retrouvent réunis par le livret de Boulevard de la Dordogne les témoignages recueillis auprès de personnes évacuées ou expulsées au moment de la Seconde Guerre mondiale et de personnes qui fuient la barbarie des conflits actuels. Accueillies par la musique et la poésie, toutes ces voix se mettent à dialoguer entre elles et viennent à la rencontre de Shéhé. 								Elisabeth Kaess

Colonne vertébrale de l’opératorio, le livret-poème Poésie Shéhé Résistance, écrit par Michèle Finck (éd. Le Ballet Royal, 2019) et  lu par elle, se fait le porte-voix d’une jeune syrienne réfugiée en France qui se heurte durement à l’Histoire. Ecrit pour la voix, entre poésie et théâtre, ce texte est aussi politique : il est fondamentalement résistance, « barrage de mots » contre la violence, comme celui que la jeune syrienne veut « construire » « contre la guerre ». Dans le nom de la jeune femme, Shéhé, il faut entendre celui de Shéhérazade, la conteuse qui résiste par les mots. Poésie Shéhé Résistance est une libre réécriture du mythe de Shéhérazade, dans une langue « éboulée » portée par une voix-rythme tendue entre flux et heurt. Shéhé, qui porte sur l’épaule L’ange de l’histoire de Benjamin, est notre « sœur humaine » à laquelle nous sommes reliés par des « fils invisibles ». Elle nous apprend que là où vivre c’est lutter, poésie est résistance ou n’est pas.                                                                                               Michèle Finck

Boulevard De La Dordogne Extraits

GUALTIERO DAZZI
Lauréat du Prix de L’Académie des Beaux Arts de l’Institut de France en 2009, du Prix du Studium de musique contemporaine de Toulouse en 1986, et du Prix de la Joven Orquesta Nacional de España en 1992, Gualtiero Dazzi nourri son travail créatif d’une très grande diversité d’influences artistiques et culturelles et il cherche à situer son oeuvre dans une perspective culturelle la plus ouverte possible.
Musicien cosmopolite, depuis sa petite enfance, Gualtiero Dazzi (né en 1960) connaît d’incessants déplacements
qui l’ont amené à vivre d’abord entre Milan et Rome, ensuite Londres, Paris, Mexico, à nouveau Paris et pour terminer Strasbourg, où il réside depuis l’été 2001.
Pendant sa période de formation, il a côtoyé des personnalités très différentes du monde musical, tel Luigi Nono,
Franco Donatoni, Brian Ferneyhough, Tristan Murail, Laurent Petitgirard, Ivanka Soïanova et Daniel Charles. 
Ces rencontres ont été le plus souvent transitoires car sa nature essentiellement indépendante l’a toujours inexorablement
poussé sur un chemin solitaire, loin de toute appartenance et tout refuge idéologique réducteur.
Ne privilégiant aucun medium, il compose des oeuvres de musique instrumentale, vocale, de théâtre musical, des opéras, des musiques électroniques, se confronte avec d’autres disciplines artistiques, avec des pratiques musicales liées à l’oralité, aux musiques expérimentales…
Les projets de résidence, incluant des jeunes musiciens ou des jeunes artistes, faisant appel tant à des musiciens
professionnels qu’à des élèves ou des amateurs, représentent un aspect très important du travail de Gualtiero Dazzi, et
questionnent toujours sans concession la place de l’artiste dans le monde qui l’entoure.
À Brest, en juin 2002, point d’orgue final d’une résidence d’un an et demi auprès de l’École Nationale de Musique, il a
composé, réalisé et dirigé artistiquement « Houles et Ressacs », un spectacle musical à l’échelle de la ville, réunissant
350 participants de multiples provenances et aux pratiques musicales et artistiques très diverses, se déroulant durant 10 heures dans 7 lieux différents ainsi que dans les espaces publics les reliant.
Gualtiero Dazzi est le compositeur de plusieurs projets scéniques. C'est dans le contexte théâtral, dans le rapport entre
musique et texte, que l’essence de son langage musical, lyrique et très chargé au plan émotionnel, s’exprime le mieux.
Sa voie se dirige en particulier vers la quête d’un théâtre poétique, au temps suspendu et intérieur.
La création de son premier opéra La Rosa de Ariadna, au festival Musica en 1995 dans la mise en scène de Stéphane
Braunschweig, a été saluée comme l’un de plus importantes réussites dans le domaine de la création lyrique de ses
dernières années. Il a par ailleurs collaboré à des nombreuses reprises avec Stéphane Braunschweig comme
compositeur pour ses mises en scène au théâtre, et collaborateur artistique pour la dramaturgie de ses mises en scènes
d’opéra.
En octobre 2004 Gualtiero Dazzi a créé son quatrième opéra « Le Luthier de Venise » dans la saison du Théâtre du
Châtelet à Paris, commanditaire de l’oeuvre et à l’Opéra de Rouen dans le cadre du Festival Octobre en Normandie. Le livret de Claude Clément adapté de son livre éponyme, et la traduction musicale que Gualtiero Dazzi en a faite, sont
emblématiques du défi qui leur a été lancé : s’adresser d'une part à un public jeune, dès 8 ans, en matinée et d'autre
part à un public adulte en soirée, sans pour autant faire des concessions sur le plan du langage. La mise en scène de
Giorgio Barberio Corsetti du Luthier de Venise, comportait la présence de jeunes artistes circassiens dont une partie
était issus de l'école du Cirque Fratellini. La direction musicale d’Alain Altinoglu, a été aussi particulièrement remarquée et l’on a dit de l'ensemble du travail qu'il pouvait nous « réconcilier » avec la création lyrique contemporaine.
Gualtiero Dazzi a fondé en Alsace sa propre compagnie, Traces, afin de produire des concerts et des spectacles
s'inscrivant dans le cadre d’échanges transfrontaliers, tous basés sur une logique forte d’interdisciplinarité et
d'intégration de jeunes artistes dans l'équipe de création.
Pendant l’été 2005 il a créé à Mexico, dans le cadre du Festival Música y Escena, « En susurros los muertos » un opéra
de chambre sur un thème précolombien. Cet ouvrage a été ensuite repris à Bâle dans le cadre de « Diesseits vom
Jenseits » le 1er et 2 novembre 2006, ainsi qu’à La filature à Mulhouse et à l’Église du Bouclier à Strasbourg. Le Festival de Bâle était le point culminant d’un échange culturel entre le Mexique et la Suisse autour de la mort et de sa
représentation. Gualtiero Dazzi en a été le coordinateur pour toutes les activités musicales. À cette occasion un
orchestre à vents de culture Mixe (Oaxaca) composé de 40 jeunes de 8 à 20 ans, à fait spécialement le déplacement.

Parmi ses récents projets et futurs:
• « Le jeu de la feuille et du vent » pour grand orchestre à été crée dans le cadre du Festival Présences le 8 mars
2009 à Radio France à Paris par l’Orchestra Sinfonica Nazionale de la Rai sous la baguette de Daniel Kawka ;
reprogrammé dans le cadre de la saison symphonique 09/10 de l’OSN de la Rai, puis présentée dans le cadre
du forum international de l'UNESCO des Radio de musique classique à Lisbonne, cette oeuvre a été
sélectionnée pour être diffusée sur les ondes des radios dans 40 pays .
• « Mosaïque », un projet monumental pour 9 orchestres d’harmonie issus d'autant de villes alsaciennes, qui lui
a été commandé par le réseau des Scènes du Nord de l’Alsace, a été créé le 13 juin 2009 à Saverne. Ce projet
festif a réuni 350 musiciens amateurs divisés en trois orchestres monumentaux, qui entouraient un public
venu très nombreux (1200 spectateurs) au Parc du Château des Rohan, pour ce concert exceptionnel en plein
air.
• « Variation libre et sombre d’après Chiacona » (2010) pour violoncelle seul, est une courte pièce destinée à
s’intégrer dans le projet Misteries Variations, initié par Kaija Saariaho à l’occasion de l’anniversaire de 50 ans
de Annsi Karttunen.
• «Am Saum des Gedankens», oeuvre pour soprano, double choeur et orchestre, qui, dans sa dernière version,
est appelé à être interprétée et à répondre au Requiem de Mozart. Commandée par le choeur Cantus Felix de
Beauvais, elle a été créée en juin 2010 dans le cadre de Musicandis, un festival organisé à l'occasion des dix
ans de cette formation.
• «quatre couleurs de Oaxaca» pour trio de flûtes, commande du Trio d'argent, est un hommage à quatre
plasticiens mexicains contemporains. Crée à Paris en septembre 2011, elle sera reprise lors des différentes
tournées de l’ensemble.
• « Tres Cantos » sur des poèmes de Roberto Juarroz», pour voix, harpe et quatuor à cordes, commande du
Festival Les heures Musicales de l’Abbaye de Bourgeuil, où elle sera créé en juillet 2012 et interprétée par
l'ensemble TM+ durant plusieurs festivals d'été.
Les oeuvres de Guatiero Dazzi sont publiées par les éditions Chester Music Ltd
http://www.chesternovello.com/Default.aspx?TabId=2431&State_2905=2&composerId_2905=333
et par les édition Rai Trade
http://www.raitrade.rai.it/presentSectionFile.do?sectionFile=1781&language=en
plus d’informations sur le site du Centre de Documentation de la musique contemporaine
http://www.cdmc.asso.fr/fr/compositeurs/biographies/dazzi_gualtiero

gualtierodazzi

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