Bienvenidos a la serie documental radiofónica “100 años de conexiones”, un viaje en el tiempo a través de la música y su evolución durante el siglo XX y lo que llevamos del XXI.

Para ser más exactos, vamos a hablar de la influencia de la tecnología y la electrónica en la música contemporánea.

Este documental, consta de 16 capítulos, a los cuales, nos referiremos como fases, ya que al tratarse de una evolución, esta se divide en diferentes fases o etapas.

El inicio de dicha evolución, la fechamos aproximadamente hace 100 años, a principios del siglo pasado, y a partir de ahí, su desarrollo y evolución hasta hoy en día.
Viajaremos por diferentes lugares y momentos de la historia, siendo Europa el principal destino, haciendo escalas en Jamaica y Estados Unidos.

El programa de hoy, es un resumen de lo que sucederá en las siguientes 16 fases, cada una de ellas de 1 hora de duración, en las que la música será la protagonista principal.

"100 años de conexiones" Fase 0

100 YEARS OF CONNECTIONS
Welcome to the documentary series “100 years of connections”, a journey in time through music and its evolution during the XX and XXI centuries.

To be precise, we’re going to talk about the technological and electronic influence in contemporary music.

There are sixteen chapters in this documentary, which we’ll call “phases”, because all evolution comes in phases or stages.
It started 100 years ago and goes until today.

We’ll be travelling to different places and different times, with Europe as the main focus, landing in Jamaica and United States.
The program of today is a summary of the sixteen phases, where music is the protagonist.

PHASE 0 english version

“De Igor Stravinsky a Robert Moog”

-Europa se tomaba un respiro tras la Primera Guerra Mundial. En los incipientes años 20, los efectos de años de Revolución Industrial en el siglo XIX, se hicieron más visibles que nunca.

Los avances científicos y tecnológicos supusieron un salto en la calidad de vida de los millones de europeos que habitaban un castigado Viejo Continente. La guerra, es el banco de pruebas más importante a la hora del desarrollo de la tecnología, medicina y ciencia.

Proliferaban diferentes corrientes culturales, filosóficas y políticas. Movimientos de vanguardia que rompieron definitivamente con el arte clásico. No solo en la pintura, escultura o en la literatura, también en la concepción de la música.

-Futurismo, cubismo, surrealismo, dadaísmo ......... Matisse, Picasso, Kandinsky, Chagall, Hugo Ball, Marcel Jank, Tristan Tzara ..... artistas, escritores, filósofos, responsables del definitivo adiós al arte clásico, arte viejo, caduco.

La publicación del “Manifesto Futurista” en 1909 refleja los cambios y la velocidad con la que se desarrollan en ese momento los acontecimientos en Europa.
En la música, en torno a 1910 es cuando se consuma el cambio de ciclo, la época poswagweriana es el enlace entre la música clásica y la música contemporánea.

-Luigi Russolo es uno de los primeros compositores que se aventuran en la experimentación sonora, con un fuerte componente industrial y urbano en sus piezas.
La utilización de nuevos medios para elaborar sonidos, como los “intonarumori”, supuso un punto y aparte en la concepción musical.

Francesco Balilla Pratella, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, Edgar Varese, Pierre Schaeffer, Karlheinz Stockhausen ..... son algunos de los creadores que consolidan el cambio durante la primera mitad del siglo XX.

-Una nueva industria desarrollada en la primera mitad de siglo, la cinematográfica, fue clave a la hora de experimentar musicalmente con los nuevos conceptos que se estaban asentando.
Oskar Sala fundó uno de los primeros estudios específicos para el desarrollo de la música electrónica en 1958.

Jingles radiofónicos y efectos sonoros para cine eran una muestra de lo que estaba por llegar años más tarde.
Bandas sonoras y composiciones para cine y televisión como lo fueron la serie de dibujos animados “Looney Toons” y “Merry Melodies” protagonizadas por Buggs Bunny y el Pato Lucas acercaron estos sonidos al público general.
 
En los años 40 y 50 se inventaron diversos aparatos como el “electronio” y el “clavivox”, que podrían considerarse el paso previo a la aparición del sintetizador.

-Como consecuencia de esta evolución musical y tomando el relevo del dodecafonismo de Arnold Schönberg y las composiciones industriales de Luigi Russolo, el compositor y teórico francés, Pierre Schaeffer, es reconocido como el que origina la “música concreta” a finales de los años 40, que basa sus composiciones en elementos como el fonógrafo o la cinta magnética, sustituyendo los instrumentos tradicionales como fuente sonora.

Grabaciones de la vida real en las ciudades, fábricas ..... paisajes sonoros ..... experimentación con la acústica de los elementos.

El origen de lo que conocemos actualmente como MÚSICA ELECTRÓNICA.

FASE 1 "De Igor Stravinsky a Robert Moog"

“Rock around the click”

-Como sucede tras una catástrofe de la magnitud de la II Guerra Mundial, los años posteriores derivan en situaciones confusas y caóticas mientras la situación social y política se estabiliza.
Europa, por segunda vez en menos de 40 años, es la zona que más sufre las nefastas consecuencias de una gran guerra, otra vez ........ otra vez la vieja y zorra Europa.

-A partir de los años 60, la evolución social y los cambios se comienzan a acelerar de una forma jamás vista hasta la fecha.
Se establece un nuevo orden mundial respecto al poder político y militar, siendo Estados Unidos el país que claramente toma ventaja con el resto, sobre todo con las potencias europeas, que pagarían muy cara su participación en la guerra.

La guerra fría contra la Unión Soviética y el nefasto y bochornoso conflicto bélico de Vietnam marcan esos años.

-Los jóvenes de esa época son más conscientes y están más preparados que en las décadas anteriores, lo que origina una serie de movimientos revolucionarios y contraculturales. Mayo del 68 es un ejemplo de lo que una amplia minoría demandaba a los poderosos.

En el universo del arte y la cultura, del caldo de cultivo musical de esos años, brotan géneros y estilos tan novedosos como infecciosos en su expansión, sobre todo Inglaterra y Alemania, que fueron los pilares sobre los que la música vanguardista se consolidó en Europa y en el mundo. Estados Unidos seguía narcotizada por el rock and roll, el rythm n ́blues y el jazz.

-Un hombre, con nociones musicales, pero sobre todo un apasionado y brillante ingeniero electrónico, llamado Robert Moog, se adelantó a su tiempo para crear el sintetizador, un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas convertidas a sonidos a través de auriculares o bocinas.

El sintetizador Moog fue el primero en comercializarse. Su presentación oficial tuvo lugar en el “Monterey Pop Festival” de 1967, y la primera grabación editada comercialmente es de Wendy Carlos en el 68, “Switched-On Bach”.

-King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Pink Floyd, Silver Apples, Soft Machine ...... cada uno con su concepto y estilo personal y diferente pero siempre con la incorporación del sintetizador como nuevo instrumento musical.

Ni siquiera The Beatles o The Beach Boys pudieron escapar a los sonidos del sintetizador. De repente, las constantes del blues, rock, folk, pop e incluso jazz pasaron por el tamiz electrónico de varios artistas y músicos no muy conocidos para el público general.
 
-Alemania, país de nacimiento de muchos compositores de música clásica en los siglos anteriores, evolucionó en el siglo XX hacia la vanguardia de la música contemporánea.
El enorme crecimiento industrial y social de Alemania a partir de los años 60 fue clave en la aparición de artistas y bandas de una generación ajena a la última gran guerra.

Düsseldörf y Colonia albergaban algunos de los estudios de grabación más innovadores, en donde las máquinas ganaban la partida a los instrumentos convencionales.
Can, Tangerine Dream, Neu!, Kraftwerk, Cluster ....... sembraron unas semillas que todavía hoy se siguen cosechando.

En Inglaterra, con el llamado sonido Canterbury abanderado por Soft Machine sucedió lo mismo.
Uno de los efectos inmediatos de la infección de la electrónica fue la aparición de los “hombres-estudio”. David Allen, Brian Eno, Jean Michel-Jarre, Vangelis o Mike Oldfield, artistas que elevaron a otro nivel el concepto de estudio de grabación.

-La ciudad más conocida del mundo no podía escaparse al virus sonoro que llegaba de Europa. New York en los años 70 presumía de revolución musical, el punk le pegó una patada en el estómago a los jóvenes urbanitas que buscaban nuevas experiencias en el submundo underground.

Ni siquiera el punk que había llegado de Londres un año antes, se pudo librar de los sintetizadores y la electrónica, Suicide y Laurie Anderson dan fe de ello.

Los sintetizadores habían llegado para quedarse.

FASE 2 "Rock around the click"

“Rock around the click”

-Since the catastrophe happened of the magnitude of the Second World War, the following years bought about confused and chaotic situations while the social and political situation started stabilizing.

Europe, for the second time in less than 40 years, is the area that suffered more the pernicious consequences of a big war.

- From the 60s, social evolution and changes were beginning to accelerate a form previously never seen. A new world order was established with regard to political and military power, being the United States, the country that clearly took advantage of the rest, especially with European power, which would pay very dearly for its participation in the war.

The cold war against the Soviet Union and the destructive and the oppressive conflict of Vietnam tainted these years.
The young people of this era were more conscious and they became more prepared than in previous decades, which caused a series of revolutionary and alternative movements. May ‘68 is an example of when a wide minority was rising up against the powerful ones.

-In the universe of the art and culture during these years, the mediums of music, genres and styles sprouted infectiously within its expansion, especially in England and Germany, where the props on which the avant-garde music was consolidated in Europe and the rest of the world.
The United States remained hooked by rock and roll, rythm n'blues and jazz.

- A man, with musical notions, but especially a passionate and brilliant electronic engineer, called Robert Moog, went forward in time to create the synthesizer - an electronic musical instrument that generates electrical signals converted to sounds through earphones or horns.

The synthesizer Moog was the first one to be commercialized. Its official presentation took place in “Monterey Pop Festival” of 1967, and the first commercially edited recording belonged to Wendy Carlos in ‘68, “Switched-On Bach“.

- King Crimson, Emerson Lake and Palmer, Pink Floyd, Silver Apples,
Soft Machine - each one with its individual concepts with personal and different styles, but always with the incorporation of the synthesizer as the new musical instrument.

The Beatles, nor The Beach Boys could escape the sounds of the synthesizer. Suddenly, constants of the blues, rock, folk, pop and jazz by several artists and musicians, who were not known by the general public, started using more electronic mediums.

- Germany, country of birth of many composers of classical music in the previous centuries, evolved in the XXth century towards the avant-garde of contemporary music.
The enormous industrial and social growth of Germany from the 1960’s was key in the artists' appearance and bands of a generation, foreign in the last big war.

Düsseldörf and Cologne were lodging some of the recording studios of more innovators, where the machines were winning the game against conventional instruments.

-Can, Tangerine Dream, Neu!, Kraftwerk, Cluster - they sowed a few seeds that still today keep on harvesting. The same happened In England, with the so-called Canterbury sound, registered by Soft Machine.

One of the immediate effects of the infection of electronics was the appearance of the "men - studies". David Allen, Brian Eno, Jean Michel- Jarre, Vangelis or Mike Oldfield, artists who were raised at another level in the concept of recording studios.

- The city most known around the world could not escape to the sonorous virus that was coming from Europe. New York in the 70’s was presuming a musical revolution; punk gave a kick in the stomach to the young urbanite people who were looking for new experiences in the underground underworld.

Not even punk that had arrived from London one year earlier, could be free of synthesizers and electronics, Fakes the suicide and Laurie Anderson they gave faith to it.

The synthesizers were here to stay.

PHASE 2 "Rock around the click"

“Una historia de piratas ...... de Kingston a Bristol”

Históricamente, el Caribe siempre ha sido una de las zonas más ricas del planeta, no solo por sus recursos marinos, naturales o por sus idílicos parajes, musicalmente es uno de los focos de creación más activos desde hace décadas.

Generación a generación, y ya desde las canciones de raíz africana más ancestrales que llegaron al caribe con los esclavos, en la triste época del colonialismo británico y francés, que traficaban con ellos cual mercancía.

Estas canciones fueron evolucionando dando paso a estilos como el “calypso” o el “mento”.
Kingston, la capital de Jamaica, se convirtió en un caldo de cultivo musical en el que los jóvenes de los años 50, fueron influenciados por la música negra que escuchaban en las emisoras de radio procedentes del sur de Estados Unidos. Encontraron en la música el refugio ideal para evadirse de los problemas políticos y económicos de su joven nación.

Los “rudeboys” se echaron a la calle con los “soundsystem”, a divertirse, bailar y también a competir entre ellos por saber que equipo sonaba mejor y que “selector” hacía las mejores mezclas.
Rocksteady, ska, reggae ....... dub. Fueron los estilos musicales que nacieron en toda esa vorágine creativa y de reivindicación de aquellos años.

La influencia de la tecnología y la electrónica en la música que se desarrolló en Europa a finales de los 50 y sobre todo en los años 60, fascinó por completo a muchos músicos y artistas que se buscaban la vida en Kingston.
El estudio de grabación se convirtió en un instrumento más, en algunos casos se convirtió en el instrumento.

Las posibilidades de experimentar eran infinitas. El dub deconstruyó por completo el ska y el reggae y lo rehízo a su manera.
La incorporación de unidades de reverberación a los amplificadores fue fundamental para la posterior elaboración de multitud de efectos de sonido de lo más variopinto y original.
Los bajos a todo volumen, baterías con ecos, la voz apareciendo y desapareciendo cual instrumento y salvajes efectos sonoros, serían la base sobre la que se consolidó el dub como estilo musical en la década de los 70.

La aparición de figuras como el “selector” o el “deejay” y conceptos como el “toasting” (antepasado de rapear), dicen mucho de la importancia y posterior influencia de los acontecimientos de esos años en Kingston a nivel mundial, sobre todo en Europa y Estados Unidos.
 
El “remix” también nació gracias al dub y a la habilidad de los productores jamaicanos para elaborar sorprendentes versiones de clásicos del rocksteady y del reggae.
Bendita e ingeniosa locura de gente como King Tubby, Augustus Pablo, U Roy o Lee “Scratch” Perry.

Studio One o Black Ark, dos de los estudios más importantes de Kingston, eran algunas de las bases de operaciones de las que salían cientos de grabaciones y discos de esa productiva época.

El dub, mutó en un virus musical que rápidamente se propagó e infectó Europa, sobre todo Inglaterra, y concretamente la ciudad de Bristol, pero eso ya es otra historia.

FASE 3 "Una historia de piratas .... de Kingston a Bristol"

“A pirates' history - from Kingston to Bristol”

-Historically, the Caribbean Sea has always been one of the richest areas of the planet, not only for its marine life, natural resources or its idyllic places, but also for decades it has been the epicentre for musical creation.

-Generation to generation, and songs of African origin whose ancestral influence came to the Caribbean with the slaves - sad eras of British and French colonialism; these people were being treated as goods.

These songs were evolving from styles such as the "calypso" or the "mento".
-Kingston, the capital of Jamaica, turned into a musical culture centre in which young people of the 50’s were influenced by black music, which was being listened to and broadcasted from radio stations across the southern United States.

In music they found the ideal refuge to escape of the political and economic problems of their young nation. The "rudeboys" took to the street with the "soundsystem" to amuse themselves, to dance and also to compete between each other, for knowing which team was sounding better and which “selector“ was doing the best mix.

-Rocksteady, ska, reggae through to dub; these were the musical styles that were born from everything in this creative whirlpool, and have a claim to fame to those years.
The influence of technology and electronics in music that developed in Europe at the end of the 50’s, and especially in the 60’s, completely fascinated many musicians and artists who were making their life in Kingston.

The recording studio turned into another instrument, in some cases it turned into the instrument.
-The possibilities of experimenting were infinite; dub completely deconstructed ska and reggae and reformed it. The incorporation of reverberation units in amplifiers was fundamental for making of multitude of sound effects from original and mixed tracks.
The shallows to all volume - batteries with echoes - a voice appearing and eliminating which instrument and wild sound effects, would be the
basis on which dub’s musical style was consolidated in the 70’s.

-The appearance of figures such as the "selector" or the "deejay" and concepts like the "toasting" (forefather of rapper) say much of the importance and later influence of events of these years in Kingston on a global scale, especially in Europe and the United States.

-The "remix" also was born thanks to the dub and the skill of Jamaican producers to prepare surprising versions of outstanding variations of rocksteady and reggae. Some blessed and ingenious madness of people like King Tubby, Augustus Pablo or Lee Scratch Perry.

-Studio One or Black Ark, two of the most important studios of Kingston, were some of the operation bases which were producing hundreds of recordings and records of this productive era.

The dub, muted in a musical virus that quickly propagated and infected Europe, especially England, and specifically the city of Bristol, but this is already another story.

PHASE 3 "A pirates story ..... from Kingston to Bristol"

“Sexo, drogas y música Disco”

Una importante recesión económica, supuso un frenazo en el confortable día a día de millones de estadounidenses, la considerada “clase media” americana, en su mayoría de pensamiento y filosofía conservadora. La decadencia en muchas de las grandes ciudades era una constante en la década de los 70, en contraste con el auge económico de los 50 y los 60.

Esto derivó en una mezcla cada vez más habitual de estas minorías con la otrora acomodada clase media americana. Compartían escuelas, institutos, transportes públicos y puestos de trabajo en las diferentes industrias y servicios.
Musicalmente, esa mezcla social y cultural, originó la aparición de un fenómeno inesperado, sobre todo por lo bien que plasmó esos cambios en las grandes ciudades, hablamos de la música disco.

Muchos de los jóvenes de esa década, encontraron en el baile una vía de escape a los problemas cotidianos. Bajo los focos de las luces en las pistas de baile de las discotecas, todos eran iguales, no había diferencias entre blancos, negros, gays, heteros o hispanos.
En el universo particular de la música disco, los cantantes y grupos, ceden el protagonismo a los productores e ingenieros de sonido.
Cada vez se invertía más dinero en los estudios de grabación, la electrónica y los avances tecnológicos facilitaban el trabajo.

Los estudios Media Sound de New York fueron pioneros en el desarrollo de las nuevas técnicas de grabación y producción musical, en la que los cantantes eran simples actores o figurantes.
Meco Monardo lo tuvo claro y contrató los servicios de una cantante semidesconocida en aquel momento, Gloria Gaynor, para grabar un par de temas, uno de ellos “Never Can Say Goodbye” alcanzó las primeras posiciones en las listas de éxitos. Su técnica fue la de dar mayor protagonismo a las líneas de bajo y batería, dejando la sección rítmica y la voz en segundo plano.

Michael Kuntze repitió la fórmula con el hit “Fly Robin Fly”, en el que The Silver Convention ponían la cara al disco y ejercitaban sus coreografías vocales.
Las discográficas se gastaban la mayoría del presupuesto en ingenieros de sonido, productores y músicos de estudio, ahorrando mucho dinero al no tener que afrontar costosas campañas de promoción para un cantante o grupo, olvidando también las guerras de egos tan habituales entre los artistas.

Cuando el tema ya era un éxito de ventas y se difundía por varias emisoras de radio, se invertía entonces en la imagen. Muchas veces solían ser caras bonitas o cuerpos atractivos de modelos o artistas desconocidos, que para nada intervenían en el proceso creativo.
Frank Farian, el productor de Boney M o Jaques Morali, el de Village People, escenificaron lo que sucedía con la música disco.
En Munich, el bajista italiano Giorgio Moroder dio una vuelta de tuerca más y encontró la combinación perfecta: música disco y sexo.

La aparición del dj como figura relevante es gracias a la música disco.
Los vinilos de 12 pulgadas permitieron la producción de canciones de más de diez minutos pensadas exclusivamente para su disfrute en la pista de baile.

Nombres como Tom Moulton y sobre todo David Mancuso, consolidaron la emergente figura del dj. The Loft fue el club pionero del fenómeno de la música disco, y en 1977, con la apertura de Studio 54, se alcanzó el clímax de este movimiento.
Una subcultura underground en la que gays, negros, hispanos y los blancos más tolerantes bailaban y compartían horas y horas de desenfreno en la que la nueva máxima era “sexo, drogas y música disco”.

Fueron cuatro o cinco años en los que la locura por el baile, el sexo y las drogas llegaron a una intensidad jamás vista hasta entonces.
Una de las escenas nocturnas más activas se sucedía en San Francisco, donde la libertad y tolerancia sexual tuvieron un mayor impacto.
La aparición de una enfermedad tan mortífera como el sida sumado al propio desgaste de los años, apagó las luces de una época intensa y decadente como pocas.

FASE 4 "Sexo drogas y música disco"

-An important economic recession, brought about a sudden brake in the comfort of a million every-day Americans, and the considered American "middle class", mostly of thought and lived conservative philosophy. The decline in many of the big cities was constant in the 70s, in contrast with the economic heydays of the 50’s and the 60’s.

-This derived a more and more habitual diversity of these minorities with the once well-off American middle class; they were sharing schools, institutes, public transport and jobs in different industries and services.
Musically, within social and cultural diversity, caused the appearance of an unexpected phenomenon - especially for the better - that captured these changes in the big cities - we are speaking about disco music.
-Many young people of this decade found dance to be an escape route from the daily their problems. Under the lights on the dance floors of the discotheques, they all were equal; there were no differences between white persons, blacks, gays, heteros or Hispanics.
In particular the universe of the music, the singers and groups, transfer the leading roles to the producers and sound technicians.

-Over time more money was being invested in the recording studios, and the electronics and technological advances were facilitating the work.
The Average Sound Studios of New York were pioneering in the development of new recording and musical production skills, in which the singers were simple actors or figureheads.
-Meco Monardo was confident of this and hired the services of a singer not well-known of the time: Gloria Gaynor, to record a pair of tracks, one of them “Never Can Say Goodbye” which reached the top ten of the charts. Its skill was giving major leading roles to the lines of bass and drums, leaving the rhythmic section and the voice in the background

-When the track was already a sales success and was put out between several radio stations, they then invested in the image. Often there were usually nice faces or attractive bodies of models or unknown artists, who for nothing were intervening in the creative process.
Frank Farian, the producer of Boney M or Check Morali, of Village People, staged what was happening with this music.
-In Munich, the Italian bassist Giorgio Moroder gave more of a return and found the perfect combination: disco music and sex.
The successes achieved by Moroder, being provided with the voice of Donna Summer, reached its icy moment with the publication in 1977 of “I Feel Love”.
-Thousands in the United States followed a multitude of songs provoked by the phenomenon of dance and discotheques.
The appearance of the DJ as an excellent figure is thanks to disco music. 12-inch vinyl allowed the production of songs more than ten minutes long though exclusively for enjoyment on the dance floor.
-Names such as Tom Moulton, and especially David Mancuso, consolidated the emergent figure of the DJ. The Loft was the pioneering club of the phenomenon of this music, and in 1977, with the opening of Studio 54, the climax of this movement was reached.
-A subculture of the underground in one that gays, blacks, Hispanics and the most tolerant white people were dancing and sharing hours and hours of wild escapism, in that the new maxim was “sex, drugs and music”.

There were four or five years in which the madness for the dance, sex and drugs came to an intensity never seen until then.
-One of the most active night scenes was happening in San Francisco, where the freedom and sexual tolerance had a major impact.
The appearance of an illness as deadly as AIDS joined the reality of those years, and it extinguished the lights of an intense and decadent era.

PHASE 4 "Sex drugs and disco music"

“Detroit: Underground Resistance”

Para que nazca un estilo musical y una escena paralela a ello, han de confluir varios factores, entre otros: entorno socio-económico, influencias de otro tiempo y lugar, necesidad de reivindicación en la juventud y grandes dosis de creatividad y talento.

Con el techno se dieron todas esas premisas. La ciudad de Detroit fue el escenario y los años 80, el momento del siglo XX para que esto aconteciese.

La potente industria norteamericana del automóvil de la primer mitad del siglo, eligió esta ciudad del estado de Michigan situada a orillas de los grandes lagos para establecerse, lo cual supuso un crecimiento desmesurado a nivel económico, social y migratorio. Algo sin precedentes en la joven historia de los Estados Unidos.
Alabama, Georgia, Mississipi …… el sureste del país era el origen de cientos de miles de emigrantes.

Detroit se empieza a conocer como la “Motor City”. En el ADN de toda este gente de origen africano, estaba el sentido del ritmo y por ende el sentido musical.
El blues, soul y rythm and blues de los 50 es el precedente de lo que sucedería con el techno en los años 80.

La “Motown”, aparte de un prestigioso sello discográfico, fue una denominación de origen musical.
La crisis de la industria automovilística en Detroit, inicia una etapa decadente a partir de los 70. 
Los disturbios raciales de 1967 son una estocada al alma de una ciudad agrietada.

Ya en los 80, un personaje clave aparece en escena, The Electrifying Mojo, locutor y dj radiofónico.
En su show “The Midnight Funk Association”, sonaba lo más actual y vanguardista de la música europea de ese momento como Kraftwerk, The Human League, Gary Numan o Depeche Mode, mezclado con James Brown, Aretha Franklin o George Clinton.

Un joven Juan Atkins se infectó rápidamente del virus musical que las diferentes estaciones de radio que acogieron a The Electrifying Mojo expandieron por la ciudad.
Junto a sus compañeros del instituto Belleville, Derrick May y Kevin Saunderson, revolucionaron sin quererlo ni saberlo, la música contemporánea de finales del siglo XX.

En estudios totalmente caseros y con la influencia de lo que estaba sucediendo esos años en Chicago con el “house”, empezaron a grabar sus primeras producciones.
Atkins se apuntó en un curso de grabación y producción musical, allí conoció a Rick Davies y juntos crearon Cybotron, un grupo musical totalmente fascinado por la tecnología y la ciencia ficción.

La música que producían, aparte de sonar en el programa de Mojo, se podía escuchar en los clubs clandestinos que surgían en el centro de una ciudad en plena decadencia y abandono.
El “Music Institute”, probablemente fue, el primer club de música techno del mundo.

En cuestión de poco tiempo, otros jóvenes como Jeff Mills, Mike Banks, Robert Hood, Stacey Pullen, Blake Baxter o Anthony Shakir se unieron activamente y potenciaron la incipiente escena.

La propagación definitiva del nuevo virus sucedió en Europa. Llegó de la mano de Neil Rushton, un dj inglés al que de casualidad llegó a sus manos el “Nude Photo”, tema producido por Derrick May.
Neil se puso en contacto con May, estableciendo una relación que llevó a Derrick a visitar Londres.
Con el lanzamiento de “Strings of Life” y del “Big Fun” de Inner City, el proyecto de Kevin Saunderson con la vocalista Paris Grey, el impacto fue brutal.
Coincidiendo con el “verano del amor” de 1988, el fenómeno del techno resultó imparable a partir de entonces.

La llamada segunda ola del techno en Detroit, que abanderaban nuevos talentos apadrinados por los pioneros, consolidó y dio un paso evolutivo y de calidad muy importante, con nombres tales como Carl Craig, Octave One o Richie Hawtin bajo su alias de Plastikman.

Actualmente, y con un mundo cada vez más globalizado y tecnificado, Detroit no solo es conocida por el automóvil, la Motown o los Detroit Pistons……. el techno siempre será parte de su alma.


FASE 9 "Detroit .... underground resistance"

“Detroit: Underground Resistance” 

-So here is born another musical style and a scene parallel to it, several factors have to come together, between others: socio-economic environment, influences of another time and place, and a need for youth to have big doses of creativity. 

With the techno all these premises happened. The city of Detroit was the stage of the 80s, the moment of the 20th century that this was all happening. 

Detroit began to be known as the “Motor City”. In the DNA of everything this the people of African origin, was the sense of the rhythm and therefore the musical influence. 
Blues, soul and rythm and blues is the 50’s precedent of what would happen with the techno in the 80s. 

The "Motown", apart from being a prestigious record label, was a denomination of musical origin. 


-Already in the 80’s, a key personage appeared in scene, The Electrifying Mojo, MC and radio DJ. 
In its show “The Midnight Funk Association” - the most current and avant-garde of the European music of this moment like Kraftwerk, The Human League, Gary Numan or Depeche Mode mixed with James Brown, Aretha Franklin or George Clinton were all being heard. 

-A young Juan Atkins became quickly infected with the musical virus that the different radio stations received and The Electrifying Mojo expanded across the city. 

Along with its partners of the  Belleville High School, Derrick May and Kevin Saunderson, they all revolutionised neither without wanting it nor knowing it, the contemporary music at the end of the 20th century. 

-In completely homemade studios and with the influence of what was happening during these years in Chicago with "house", they began recording its first productions. 

Atkins signed up to a recording and musical production course, there he met Rick Davies and together they created Cybotron, a musical group completely fascinated by the technology and science fiction. 

After its dissolution, Juan Atkins, already alone began producing under the alias of Model 500. It was the one that minted the term “techno“ to refer to what they were producing, so much like Derrick May, Kevin Saunderson and Eddie Fowlkes.

-The music that they were producing, apart from sounding in the Mojo program, was possible to listen to in the clandestine clubs that were arising in the centre of a city in full decline and abandonment. 

"Music Institute", probably was, the first techno music club of the world. 
Concerning a little time, other young people such as Jeff Mills, Mike Banks, Robert Hood, Stacey Pullen, Blake Baxter or Anthony Shakir actively joined and promoted the incipient scene. 

-The definitive spread of the new virus happened in Europe. It came from the hand of Neil Rushton, an English DJ to whom from coincidence it came to the hands of "Nude Photo" produced by Derrick May. 

-Neil got in touch with May, establishing a relation that took Derrick on a visit London. 
With the production of “Strings of Life” and of "Big Fun" of Inner City, the project of Kevin Saunderson with the vocalist Paris Flock, the impact was brutal. 

Coinciding with the “summer of the love” of 1988, the phenomenon of the techno turned out to be unstoppable since then. 

-The second called wave of the techno in Detroit, whose new talents supported by the pioneers who were registered, consolidated and gave an evolutionary step and of very important quality, with such names like Carl Craig, Octave One and Richie Hawtin, under its Plastikman alias. 

At present, and with a more and more encompassed and technoized world, Detroit not only is known for the motorcar, the Motown or the Detroit Pistons - techno will always be a part of its soul.


PHASE 9 "Detroit .... underground resistance"

“Denominación de origen: Bristol Sound”

Para que un lugar sea catalogado como denominación de origen, normalmente por algún producto gastronómico, aparte de tradición, la calidad ha de ser máxima, a la vez que particular y diferente de otros productos similares.
En la música sucede algo similar, con sus matices pero con muchos paralelismos.

Durante el transcurso del siglo XX, varias han sido las zonas geográficas o ciudades que han obtenido ese prestigioso estatus de “denominación de origen”.

Si nos remontamos a los años 20, el sur más profundo de los Estados Unidos, la zona con mayor esclavitud del país, regaló al mundo uno de los géneros musicales con raíces más primitivas, el “blues”.

Ya en los años 50 y 60, en el Caribe, el “mento” y el “calypso” daban el testigo al “ska”, al “rocksteady” o al “reggae”, siendo el “dub” ya en los 70, el estilo proveniente de Jamaica que más abrazó la electrónica y los avances tecnológicos del universo musical.

Otros ejemplos de géneros y estilos con el estatus de “denominación de origen” son el “krautrock” en la Alemania de finales de los 60 y primeros 70, el “punk” en Londres, el “house” de Chicago o el “techno” Detroit.

En el caso de la ciudad inglesa de Bristol, en los años 90 sucedió un caso similar al que otras ciudades británicas como Manchester habían experimentado años atrás.
El sonido Bristol marcó la evolución de la música electrónica de finales del siglo XX.
Los ritmos “downtempo” se fusionaban con el “hip hop” más abstracto y experimental. 
Los periodistas musicales, en su afán por etiquetarlo todo, le llamaron “trip hop”, aunque muchos de los artistas implicados en la elaboración del sonido, renegasen de tal etiqueta.

El preludio a este movimiento surge de Bristol en el encuentro de personajes como Miles Johnson, Grant Marshall, Nellee Hooper o Andrew Vowles, que crean una plataforma musical, al estilo de los “sound system” originarios de Kingston, se hicieron llamar The Wild Bunch, como el western de Sam Peckinpah.
Quizás el hecho de que Bristol sea la ciudad inglesa más cercana a Jamaica tuvo algo que ver.
Sus fiestas y puestas en escena dieron mucho que hablar entre los años 82 y 87, el de su disolución.

Cada uno de los miembros de The Wild Bunch siguió adelante con otros proyectos, tales como Nellee Hooper con Soul II Soul o Grant Marshall, Robert del Naja y Andrew Vowles con su banda Massive Attack.


Un factor importante fue que los primeros discos de las bandas surgidas de la plataforma, fueron publicados en sellos discográficos independientes, lo que les permitió una mayor libertad creativa para desarrollar el sonido en el que se estaban aventurando.

Pronto surgieron nombres en la escena como Tricky, Portishead, Sneaker Pimps o Red Snapper. Barry Adamsom, con su fascinación por la producción musical concebida para el cine, fue otro de los artistas más activos y prolíficos, dejando una importante impronta con el paso del tiempo.

La expansión del nuevo virus surgido en Bristol, alcanzó otros países, y lugares con la tradición musical de Estados Unidos, fueron el caldo de cultivo perfecto para diversificar y enriquecer el movimiento.

En Europa, sellos discográficos especializados eran cada vez más habituales. Francia con Catalogue o Yellow Productions, G-Stone en Austria o los alemanes Compost y !K7 eran un ejemplo de la consolidación y madurez alcanzada por la ola electrónica originada en las costas de Bristol.
Aunque fueron  Ninja Tune y Mo`Wax los que alcanzaron mayor repercusión a nivel internacional.

Como ya anticipábamos en nuestro tercer capítulo, el sonido dub viajó y evolucionó …… de Kingston ……… a Bristol.


FASE 12 "Denominación de origen: Bristol Sound"

“Designation of origin: Bristol Sound” 

-So a place, which catalogued like origin denomination, normally for some gastronomic products, apart from the traditional, has to be a maximum quality, simultaneously unique and different from other similar products. 

In the music something similar happened, with its tones but with many parallelisms. During the course of the 20th century, several geographical areas or cities that have obtained the prestigious status of “origin denomination”. 

-If we go back a 20’s in the deep south of the United States, the area with major slavery of the country, gave the world one of the musical genres with more primitive roots, the "blues". 

Already in the 50’s and 60’s, in the Caribbean Sea, the "mento" and the "calypso" were giving the witness to "ska", "rocksteady" or to "reggae". Already "dub" in the 70’s, style originated from Jamaica that embraced more electronics and technological advances of the musical universe. 

-Other examples of genres and styles with the status of “origin denomination” are the "krautrock" in Germany at the end of the 60’s and beginning of the 70’s, "punk" in London, "house" of Chicago or "techno" in Detroit. 

-In case of the English city of Bristol in the 90’s, there happened a similar case to ones that other British cities such as Manchester had experienced years before. 
The sound Bristol marked the evolution of the electronic music of the ends of the 20th century. 

The "downtempo" rhythms were fusing with “hip hop” and more abstract and experimental. 
Musical journalists, in its emulation for labelling everything, called it “trip hop”, although many of the artists involved in the making of the sound were renouncing such a tag.

-The prelude to this movement arised from Bristol in the personages' meeting with Miles Johnson, Grant Marshall, Nellee Hooper or Andrew Vowles, who created a musical platform, in the style of “sound system” natives of Kingston, it then became called The Wild Bunch, like the western movie of Sam Peckinpah. 

Perhaps the fact that Bristol is the English city nearest to Jamaica it had something to do with this. Its parties and staging gave much to speak about between the 1982 and 1987, and that of its dissolution. 

-Each of the members of The Wild Bunch went forward with other projects, such as Nellee Hooper with Soul II Soul or Grant Marshall, Robert del Naja and Andrew Vowles with its band Massive Attack. 

-An important factor was that the first discs of these bands arisen from the platform, and they were published by independent record labels, what allowed them major creative freedom to develop a sound in which they were taking a risk. 

-Soon names arose in the scene such as Tricky, Portishead, Sneaker Pimps and Red Snapper. Barry Adamsom, with its fascination for musical production made for the movies, was other of the most active and prolific artists, leaving an important stamp in the course of time. 

-The expansion of the new virus had arisen in Bristol, eventually reached other countries and places with the musical tradition of the United States, were the perfect culture medium to diversify and to enrich the movement. 

-In Europe, specialising record labels were more and more habitual. France with Catalogue or Yellow Productions, G-Stone in Austria or the Germans Compost and !K7 were an examples of the consolidation and ripeness reached by the electronic wave initated on the coasts of Bristol. 

Although it was Ninja Tune and Mo’Wax those who reached major aftereffect on a global scale. 

Since we were already anticipating on our third chapter, the sound dub travelled and evolved from….. Kingston ……. to Bristol.


PHASE 12 : "Designation of origing: Bristol sound"

“La popularización de la música electrónica”


En la sociedad moderna de finales del siglo XX y primeros años del siglo XXI, cada vez estamos más influenciados e incluso dominados por la tecnología, todo sucede a gran velocidad, tan rápido que muchas veces, el ser humano no es capaz de asimilar una cosa y ya esta se ha quedado obsoleta.
Sin duda, en estos años se ha evolucionado tanto como en varios de los siglos anteriores juntos, ya sea para lo bueno como para lo malo.

El capitalismo como sistema ha calado tan profundo que ni siquiera China ha podido resistirse a su influencia. Es más, a día de hoy, el gigante asiático es la fábrica más productiva del mundo. Desde un simple cubo de plástico hasta los más avanzados computadores como  son los diseñados por Apple.
Eso sí, el marketing sigue siendo una de las armas más poderosas para el control social y este pertenece a los países anglosajones, siendo Estados Unidos el abanderado del capitalismo.


Pero ha sido en la vieja y zorra Europa en donde la música se ha tratado desde una perspectiva más artística y conceptual.
Inglaterra y en menos medida Alemania y Francia, han sido lugares claves para la evolución musical y su acercamiento a la tecnología e influencia de la electrónica en su elaboración y producción.

Desde la libertad generada  por la creación de varios sellos discográficos independientes, muchísimos grupos y artistas tuvieron oportunidad de desarrollar y mostrar todo su talento. Surgieron varios movimientos y géneros musicales, y con estos, todavía más subgéneros y vertientes, muchas de las cuales lo hacían fuera de los circuitos comerciales habituales.

Lo común, sobre todo en los comienzos, es que sea la escena underground la que de cabida a las experimentaciones sonoras y estéticas de estos artistas y grupos, aunque la tremenda categoría de algunos de ellos les haga salir a los focos del mainstream, pero no por su deseo propio sino por el propio peso de la calidad en sus trabajos. 
A esto le sumamos la evolución lógica del público que consume música, paralela en cierto modo a la propia evolución de la sociedad en sus diferentes hábitos.

Sin duda, el pop y el rock han sido los estilos musicales con más seguidores en los últimos 30 o 40 años. Las cifras de ventas de discos (y de descargas) y de público asistente a conciertos así lo demuestran, otros géneros como el hip hop, el reggae o el heavy metal por poner tres ejemplos, también cuentan con legiones de fieles seguidores, pues bien, ninguno de ellos ha podido mantenerse al margen de la influencia que la electrónica ha generado en los últimos años.

A día de hoy, la música electrónica ya no es cosa de una minoría de jóvenes en busca de nuevos estímulos y sensaciones, ya es un fenómeno global.
La cultura popular ya la ha aceptado como parte de la familia, y no solo como la oveja negra.

Prueba de ello son las remezclas o remixes. Canciones conocidas a nivel mundial y otras no tan conocidas del rock, del pop y de otros estilos, han pasado por el tamiz de la música electrónica, algunas con más acierto que otras, pero el paso ya está hecho, ahí radica en parte el éxito de la electrónica conseguido en los últimos diez años.

Ya es algo habitual el uso de piezas de música influenciadas por la electrónica en bandas sonoras de películas y series o en anuncios televisivos de productos de consumo general, algo impensable hace no mucho tiempo.

Los pioneros de esto, muchos de los cuales fueron unos incomprendidos, deben de estar satisfechos con el devenir de los acontecimientos en el universo musical, ¡o no!


FASE 13 "La popularización de la música electrónica "

“The popularization of the electronic music” 

-In modern society at the end of the 20th century, and the first years of the 21st century, more and more we were being more influenced and even dominated by technology, everything happening at big speeds, so rapid in fact the human being wasn’t capable of assimilating anything and this one had already became obsolete. 

Undoubtedly, these years one had evolved so much in several of the previous centuries, already showed good and bad elements.  

-The capitalism as system was soaked so deeply that not even China could have resisted to its influence. 

Moreover, today, the Asian giant is the most productive factory of the world. From a simple plastic bucket, right up to the most advanced computers such as those designed by Apple. 

Of course, the marketing keeps on being one of the most powerful weapons for society and this control belongs to Anglo-Saxon countries, being the United States the standard-bearer of capitalism. 


-But it has been in Europe where the music has talked each other from a more artistic and conceptual perspective. 
England, and in less measured Germany and France, have been fixed places for the musical evolution and its approach to the technology and influence of electronics in its making and production.

-From the freedom generated by the creation of several independent record labels, many groups and artists had the opportunity to develop and to show all its talent.
 
Several movements and musical genres arose, and with these, subgenres and slopes emerged, many of which were being produced out of the habitual commercial circuits. 

-The common thing, especially in the beginning, is that it is the underground scene in the capacity of the sonorous and aesthetic experimentations by these artists and groups, is the tremendous category of some of them makes them go out to the lights of the mainstream, but not for its own desire but on the weight of the quality of its work. 

To this we add the logical evolution of the public that it consumes musically, parallel in certain ways to the evolution of society in its different habits. 

-Undoubtedly, pop and rock have been the musical styles with more followers in the last 30 or 40 years. 

The numbers of record sales (including downloads) and of public attendance to concerts demonstrate this, other genres such as hip hop, reggae or heavy metal, to give three examples, also with legions of faithful followers, well, none of them could have maintained to the margin of influence that electronics has generated in the last years. 

-To today, electronic music is not only for a minority of young people in search of new stimuli and sensations, moreover, it is already a global phenomenon. 
Popular culture has already accepted it like a part of the family, and not just the black sheep. 

-The remixes are a test of this - well-known songs on a global scale and others not so known from rock, pop and about other styles, have been through the sifter of electronic music, some with wiser moves than others, but this step has been already done; there is where there roots are partly the success of electronics obtained in the last ten years.

-Something already habitual in the use of pieces of music influenced by electronics in soundtracks, movies, series and in television advertisements of general products, was slightly unthinkable in the short time of consumerism. 

The pioneers of this, many of which were not included in some, that they must be satisfied with occurring of the events into the musical universe: or not!


PHASE 13 “The popularization of the electronic music”

“La edad dorada del Hip Hop: straight outta Comptom”

Si en los años 80 se produjo el nacimiento de un género musical como sucedió con el hip hop, la década de los 90 fue la de su confirmación y edad dorada.
Las listas de éxitos y rankings de ventas de discos, estaban pobladas de albums de grupos y cantantes de rap.


El hip hop, surgido en las calles de los ghettos de New York y curtido en los barrios más conflictivos de Los Ángeles, había llegado al “mainstream” en Estados Unidos, el país del mundo con la industria musical más  potente.
Millones de copias se vendieron en esos años, siendo entre el 92 y el 95 cuando se alcanzaron cifras record.


Algunos de los artistas tomaron el relevo de los rockstars de los 80 y su popularidad traspasó las fronteras de Estados Unidos, alcanzando repercusión internacional.
Dentro del propio género, surgieron estilos y filosofías diferentes en cuanto a la concepción musical. Se puede decir que el mundo del hip hop se dividió en dos.
Costa Este y costa Oeste, con New York y Los Ángeles como capitales.


La costa Oeste continuó con la línea empezada años atrás y el gangsta-rap fue el principal estilo de esa zona.
Contenidos violentos, sexualmente explícitos, homofóbicos y misóginos, referencias constantes a las drogas y las armas ….. las pautas a seguir estaban bien definidas.


El incipiente imperio económico y musical generado en esos años, se refleja en el caso del sello discográfico Death Row Records, fundado por el polémico Suge Knight, un traficante que vio en el rap la oportunidad perfecta para blanquear parte de sus beneficios obtenidos de manera ilegal. Lo que no esperaba es que discos publicados en su sello, vendiesen millones de copias, generando unos ingresos legales impresionantes.


El álbum producido por Dr. Dre en el años 92, “The Chronic” sigue siendo a día de hoy uno de los discos de debut que más han vendido en la historia de la música, marcando el ritmo a seguir para otros artistas.
Ice Cube, Snoop Dogg, 2Pac o Warren G situaron el g-rap en su momento más álgido.


Mientras tanto, en la costa Este, el género evolucionó con letras más profundas , filosóficas y una elaboración musical más fina y quizás de mayor calidad, dejando la violencia y las armas para sus colegas del Oeste.
Las influencias del jazz y del soul, así como la explotación del sampler como recurso sonoro en la producción, fueron las líneas maestras en New York, Philadelphia y otras ciudades de la zona Este del país.


Una mayor carga social e implicación con la identidad de la cultura afroamericana y sus valores, añadieron un plus emocional no exento de calidad en los trabajos publicados.
De la Soul, Arrested Development, The Roots, Gang Starr o A Tribe Called Quest son varios de los artistas más influyentes y destacados del panorama hip hop, enriqueciendo el género con matices rescatados de las raíces musicales afroamericanas, destilando clase y buen gusto a raudales.


Si nos centramos en la ciudad de New York, 3 nombres conforman la Santa Trinidad del hip hop de esos años, Wu Tang Clan, Nas y Notorius B.I.G..
Auténticas joyas de la música contemporánea del siglo XX firmaron estos artistas, continuando con la evolución hacia el siglo XXI.


El pastel era muy goloso y abundante, provocando que personajes no relacionados con la música, sobre todo traficantes, empresarios de la noche y mafiosos apareciesen en la escena, corrompiendo y contaminando la esencia más pura con la que el hip hop había nacido y evolucionado.


El asesinato en septiembre del 96 de 2Pac y meses más tarde el de Notorius B.I.G. enturbió el ambiente y generó mucha desconfianza y reproches entre la gente del mundillo.
Fue un episodio que añadió un punto de épica y un toque dramático a una escena musical que marcó los últimos años del siglo XX.


FASE 14 "La edad dorada del hip hop .... straight outta Compton"

“The Golden Age of Hip Hop: straight outta Compton” 

-If in the 80’s the birth of a musical genre took place, as it happened with hip hop, the 90’s was its assertion and the Golden Age. The lists of successes and rankings of record sales were populated of albums of groups and rap singers. 

Hip hop had arisen in the streets of the ghettos of New York and tanning in the most difficult quarters of Los Angeles, had come to the "mainstream" in the United States, the country of the world with the most powerful musical industry. 
Million copies sold in these years, being between 92 and 95 when record numbers were reached. 

-Some of the artists took relief of the rock stars of the 80’s and its popularity penetrated the borders of the United States, an after effect reaching international destinations. 

Inside the proper genre, styles and different philosophies that arose from the musical conception, it could be said that the world of hip hop split into two - 
East coast and West coast - with New York and Los Angeles as the de facto capitals. 

-West coast continued with the line begun years before and the gangsta-rap was the main style of this area. 
Violent, sexually explicit contents, homophobic and misogynistic, constant references to drugs and weapons - the rules that followed were quite definitive.

-The incipient economic empire and musical generated in these years, is reflected in case of the Death Row Record label, founded by polemic Suge Knight, a trafficker who saw rap as the perfect opportunity to whiten is operation, of which benefits were initially obtained in an illegal way. 

What he was not waiting for is the records to be published on its label, which were selling a million copies, and generating an impressive legitimate income. 

-The album produced by Dr. Dre in the 92s, “The Chronic“ is still today one of the debut album record that has been sold more in the history of music, marking the rhythm to be continued to other artists. 

Ice Cube, Snoop Dogg, 2Pac or Warren G placed the g-rap in its iciest moment.  Meanwhile, on the East coast, the genre evolved with deeper, philosophical lyrics and making less musical importance, and perhaps of major quality, leaving the violence and weapon for its companions of the West. 

-The influences of the jazz and of soul, as well as the development of the sampler as a sonorous resource in the production, were the main lines in New York, Philadelphia and other cities in the eastern part of the country. 

-A major social impact and implication with the identity of the African American culture and its values added that emotional bonus, but did not exempt from the quality of its released works. 

De la Soul, Arrested Development, The Roots, Gang Starr or A Tribe Called Quest are different artists most influenced and emphasised from the panorama of hip hop; enriching the genre with liberated tones from African American musical roots, as well as distilling class with good taste in abundance. 

-If we focus in city of New York, 3 names are the Holy Grail of hip hop of these years; Wu Tang Clan, Nas and Notorius B. I. G. 
Authentic jewels of contemporary music of the 20th century these artists were signed up, continuing with the evolution about the 21st century.

-Artists were greedy for the cake which was in abundance, provoking personages not related to musicians, especially traffickers, night-time businessmen and gangsters were appearing in the scene - corrupting and contaminating the purest extract with which hip hop had been born and evolved. 

-The murder in September 1996 of 2Pac and some months later that of Notorious B. I. G. muddied the ambience and the people of the world generated a lot of suspicion and reproaches between them. 

It was an episode of the epic that added a dramatic touch the musical scene that marked last years of the 20th century.


PHASE 14 “The Golden Age of Hip Hop: straight outta Compton”

Los sonidos tras la resaca post-rave”

A las puertas del siglo XXI, pocos visos había de una vida casi de ciencia ficción, como muchos habíamos imaginado años antes.
Los coches seguían funcionando con gasolina y se movían con 4 ruedas, no nos alimentábamos a base de cápsulas, los robots en su mayoría eran de juguete y nuestras vacaciones no eran en Marte.


La vida evolucionaba si, pero todavía no en los niveles que nos mostraban en las películas más futuristas.
Sin embargo, en la música, la influencia de la electrónica y de la tecnología en la producción de canciones, era lo que algunas mentes avanzadas a su tiempo, habían anticipado ya incluso en los años cuarenta.
En la segunda mitad de siglo, la evolución de la música contemporánea alcanzó tales cotas, que fueron muy pocos los privilegiados que participaron en su desarrollo.


Reino Unido fue uno de los países clave en dicho desarrollo en diferentes épocas y estilos. En los 90 y primeros años del siglo XXI, la música electrónica había salido del underground para sentarse como un miembro más en la mesa de la música contemporánea.


En plena resaca post-rave, varios estilos de electrónica habían aparecido y con ellos, el nacimiento de multitud de sellos discográficos independientes. Sellos que se nutrían de las producciones de muchos jóvenes ávidos de experimentar en sus pequeños laboratorios musicales. Tener un estudio en casa era cada vez más accesible.


Los guettos de las ciudades eran el caldo de cultivo ideal para la aparición de los nuevos virus musicales. Brixton, distrito londinense fue un ejemplo de lo sucedido esos años. Su mestizaje cultural y fuertes influencias afrocaribeñas le daban unos matices de los que carecían otras zonas.


En una generación cada vez más global, el vocabulario relacionado con la música se enriquecía constantemente. A partir del año 92 y ya hasta el siglo XXI, términos como Drum´n´Bass, jungle, 2step, hardcore, UK garaje, techstep, darkcore o speed garaje se encontraban en artículos de revistas de música o en las etiquetas de sellos discográficos como Good Looking, Metalheadz, V Recordings, RAM o Suburban Base.


Ritmos rotos surgidos de las rave parties en confluencia con sonidos tradicionales de la música negra contemporánea como el jazz, el blues, el hip hop o el techno.
Muchas de las influencias estéticas provenían del mundo manga japonés, de los videojuegos o de la pasión por los cyborgs y seres robóticos.


Se trabajaba con unos patrones rítmicos similares a los del hip hop pero a una mayor velocidad, era música pensada para ser pinchada entre 160 y 180 beats por minuto. Los bajos eran por debajo de los 90 hertzios, provocando una reacción física palpable en los oyentes.
Las baterías añaden una compleja sincopación de los break beats o ritmos rotos, tan característicos en esos años.


La importancia del factor rítmico y del bajo era clave en la búsqueda del lado oscuro de la herencia del hardcore en el fenómeno rave.

La aparición de clubes como el Rage o el Blue Note fue fundamental para el desarrollo de una escena en la que los dj´s experimentaban como en un laboratorio con los sonidos producidos por los cerebros en la sombra de jóvenes artistas surgidos de lo más underground del panorama musical.


FASE 15 "Los sonidos tras la resaca post rave"

“The sounds after the surf post-rave” 

-On the verge of the 21st century, there were a few tints of life almost like a science fiction, like we had imagined many years earlier. 

The cars kept on working with gasoline and moving with 4 wheels, we were not being fed with capsules, robots were mostly toys and our holidays were not on Mars. 

-Life was evolving, but still not to the levels that were being shown in the most of the futuristic movies. 
Nevertheless, music, the influence of electronics and technology in song production, was advanced for its time, had already even been anticipated in the forties.

In the second half of century, the evolution of the contemporary music reached such levels, which were very privileged ones that took part in its development. 

-The United Kingdom was one of the key countries in the above-mentioned development in different eras and styles. In the beginning of the 90’s and years of the 21st century, electronic music had come out of the underground to sit down like one more member at the table of contemporary music. 

In full surf post-rave, several electronic styles had appeared and with them, the birth of a multitude of independent record labels; labels that were nourished by the productions of many young people, eager to experiment in their small musical laboratories – to have a studio at home meant it was more and more accessible. 

-The ghettos of the cities were the ideal culture mediums for the appearance of the new musical viruses. Brixton, London was an example of the events of these years.

 Its cultural crossbreeding and strong African Caribbean influences were giving it a few distinct sounds, which other areas were lacking.

-In a more and more global generation, the vocabulary related to the music was prospering constantly. 

From 1992 and already through to the 21st century, terms like Drum'n'Bass, jungle, 2step, hardcore, UK garage, techstep, darkcore or speed garage were in articles in music magazines or in the tags of record labels like Good Looking, Metalheadz, V Recordings, RAM or Suburban Base. 

-Broken rhythms had arisen from rave parties in confluence with traditional sounds of contemporary black music such as jazz, the blues, hip hop or techno. 

Many of the aesthetic influences were coming from the japanese manga world, from video games or from the passion for cyborgs and robotic beings. 

-One was working with a few rhythmic bosses similar to those of the hip hop but to a faster speed, it was a music thought to be played between 160 and 180 beats for minute.

 The shallows were below 90 hertzes, provoking a palpable physical reaction in the listeners. 
The drummers added a complex syncopation of the break or broken beats, so typical rhythms of these years. 

-The importance of the rhythmic factor and bass was key in the search of the dark side of the heredity of the hard-core in the phenomenon rave. 

The appearance of clubs such as the Rage or Blue Note was fundamental for the development of a scene on which DJ’s were experimenting in a laboratory with the sounds produced by the brains in the shade of young arisen artists of the more underground musical panorama.


PHASE 15 “The sounds after the surf post-rave”

“Siglo XXI ……. Experimental y digital”

En los primeros compases del siglo XXI, el talento dispone de los medios necesarios para poder desarrollarlo en toda su magnitud.
Cualquiera con un ordenador y un software de producción musical adecuado, puede convertir su habitación o sala de estar en un pequeño laboratorio dónde experimentar musicalmente. Es más, gracias a las posibilidades que ofrece la red, puedes terminar una canción y publicarla al momento para su escucha desde cualquier parte del mundo.


La nueva generación de músicos electrónicos, procede de la misma manera que los científicos o matemáticos, investigando las múltiples posibilidades que la tecnología del siglo XXI les ha brindado.
Los tiempos en los que para crear música era necesario o bien tener una banda o bien un buen puñado de euros para equipar un estudio con los equipos tecnológicos más potentes habían evolucionado hasta el punto de que tener un estudio casero es algo habitual en nuestros días.


Los individuos más talentosos incluso crean software para producción y edición o colaboran con empresas del sector como Native Instruments, Pioneer o Digidesign para el desarrollo de programas informáticos o hardware musical.
El futuro que anticiparon algunos de los visionarios y pioneros en el desarrollo de tecnología relacionada con la música, ya es un hecho.


Durante los primeros años del siglo XX, músicos, artistas, inventores o científicos han aportado su grano de arena para que esto sea una realidad. En un periodo de 100 años, hemos pasado de los primeros “Manifestos Futuristas” de Luigi Russolo a la posibilidad de escuchar música a través de un teléfono móvil.
Ha sido un proceso laborioso y constante no exento de dificultades.


Una evolución musical paralela a la de la sociedad, incluso por momentos anticipándose a esta algunos años.
A día de hoy hay varios debates abiertos dentro del entorno de la música, sobre todo en lo que tiene que ver con procesos de producción  en los que  la electrónica y la tecnología son elementos clave.


El más recurrente es el de lo analógico versus lo digital. Podríamos estar horas discutiendo este asunto.
Lo único cierto es que las posibilidades actuales son casi infinitas, y eso es lo que hay que valorar y sin duda, aprovechar.
En el campo de la música electrónica en su vertiente más experimental, hay un cierto paralelismo con lo sucedido en los años 40 y 50 con la aparición de la “música concreta”. 


Experimentación sonora y ruidismo programado como elementos básicos para la creación de canciones, “modus operandi” de un número no muy elevado de cerebros que actúan en la sombra, al margen de la industria musical más comercial.


Los herederos de pioneros como Arnold Schoenberg, Edgar Varese o Iannis Xenakis, que normalmente se esconden bajo pseudónimos o nombres ficticios.

Pimmon, Rafael Toral, Fennesz, Oval o Monoloke son algunos de los que representan el eslabón actual de una cadena que viene de hace más de 50 años.


FASE 16 "Siglo XXI.... Experimental y digital"

“XXI century …. Experimental and digital” 

-In the first compasses of the 21st century, talent has the means necessary to be able to develop it in all of its magnitude. 

Anyone with a computer and adapted software for musical production can turn their bedroom into a small laboratory where to experiment musically. Moreover, thanks to the possibilities that the Internet network offers, you can finish a song and publish to be listened to in any part of the world. 

-The new generation of electronic musicians, preceded like scientists or mathematicians, investigating the multiple possibilities that technology of the 21st century has brought to them. 

The times in which to create music was necessary or to have a band or a good fistful of euros to equip a studio with the most powerful technological teams, had evolved up to the point of which to have a home-made studio is something which is more affordable these days. 

-The most talented individuals even got involved in production and editing software and collaborated with companies of the sector like Native Instruments, Pioneer or Digidesign for the development of computer programs or musical hardware. 

The future that was anticipated by some of the visionaries and pioneers in the development of technology related to music already had become a reality. 

-During the first years of the 20th century, musicians, artists, inventors or scientists had contributed its grain of sand so that this is a reality. 

In a period of 100 years, we have gone on from the first "Manifestos Futuristas" of Luigi Russolo to the possibility of listening to music on a mobile phone.
It has been a laborious and constant process, which I do not deny the difficulties. 

-A musical evolution parallel to that of our society, even for moments being anticipated to happen some years previously. 
To date there are several debates opened with the environment of the music, especially in what it has to do with the processes of production, in which electronics and the technology are key elements. 

-More appellant is of analogical versus the digital thing. We might spend hours discussing this matter. 

The thing for certain is that the current possibilities are almost infinite, and this is what it is necessary to value and undoubtedly, be useful. 

In the field of the electronic music in its most experimental slope, there is a certain parallelism with the events in the 40’s and 50’s with the appearance of the "concrete music". 

-Sonorous experimentation and noisy sounds programmed like basic elements for songs creation, “modus operandi” not by the brains, which remained in the background, to the margin of the most commercial musical industry. 

-The pioneers' heirs such as Arnold Schoenberg, Edgar Varese or Iannis Xenakis, normally use pseudonym or fictitious names. 
Pimmon, Rafael Toral, Fennesz or Monolake are some of those who represent the current link of a chain that comes from more than 50 years ago.


PHASE 16 “XXI century …. Experimental and digital”

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