L’unica opera teatrale di Schumann fu composta a Dresda nel 1848. Al debutto ebbe tiepida accoglienza, e neppure in seguito ha goduto dei favori del pubblico: ripresa talvolta nel corso dell’Ottocento, è stata pochissimo rappresentata nel XX secolo. Una possibile ragione è da attribuire agli squilibri del libretto, nel quale non è difficile ravvisare la compresenza di parti di testo di Reinick (l’amico letterato e pittore cui Schumann aveva originariamente affidato la prima stesura), di Tieck, Hebbel e dello stesso compositore. Tuttavia Genoveva rappresenta forse il maggiore titolo teatrale nell’ambito dell’opera tedesca tra Weber e Wagner.


The only play Schumann was composed in Dresden in 1848. At the debut was lukewarm, and neither he later enjoyed the favors of the public: sometimes shooting in the nineteenth century, very little has been represented in the twentieth century. One possible reason is due to the imbalances of the book, which is not difficult to recognize the presence of pieces of text Reinick (friend, the writer and painter whom Schumann had originally given the first draft) by Tieck, Hebbel and the composer himself . However Genoveva is perhaps the greatest theatrical title under German opera between Weber and Wagner.


R.Schumann - Overture Genoveva - OFC live

Il lago dei cigni è uno dei più famosi e acclamati balletti del XIX secolo, musicato da Pëtr Il'ič Čajkovskij (op. 20). La prima rappresentazione ebbe luogo al Teatro Bolshoi di Mosca il 20 febbraio 1877 (calendario giuliano), con la coreografia di Julius Wenzel Reisinger.
Il libretto di Vladimir Petrovic Begičev, direttore dei teatri imperiali di Mosca insieme al ballerino Vasil Fedorovič Geltzer, è basato su un'antica fiaba tedesca, Der geraubte Schleier (Il velo rubato), seguendo il racconto di Jophann Karl August Musäus.
Primo dei tre balletti di Čajkovskij, fu composto tra il 1875 e il 1876. Viene rappresentato in quattro atti e quattro scene (soprattutto fuori dalla Russia e nell'Europa Orientale) o in tre atti e quattro scene (in Russia e Europa occidentale). Sebbene esistano molte versioni diverse del balletto, la maggior parte delle compagnie di danza basa l'allestimento, sia dal punto di vista coreografico che musicale, sul revival di Marius Petipa e Lev Ivanov per il Balletto Imperiale, presentato la prima volta il 15 gennaio 1895 (data come sopra) al Teatro Imperiale Mariinskij a San Pietroburgo, Russia.

Swan Lake is one of the most famous and acclaimed ballets of the nineteenth century , with music by Pyotr Ilyich Tchaikovsky ( Op. 20). The first performance took place at the Bolshoi Theatre in Moscow February 20, 1877 ( Julian calendar ) , with choreography by Julius Reisinger Wenzel .
The libretto by Vladimir Petrovic Begicev , director of the imperial theaters in Moscow together with the dancer Vasil Fedorovich Geltzer , is based on an old German fairy tale , geraubte Der Schleier ( The Stolen Veil ) , following the story of Karl August Jophann Musäus .
The first of the three ballets by Tchaikovsky , was composed between 1875 and 1876. It is represented in four acts and four scenes (especially outside Russia and Eastern Europe ) or in three acts and four scenes ( in Russia and Western Europe) . Although there are many different versions of the ballet , most dance companies setting up bases , both in terms of choreographic and musical , on the revival by Marius Petipa and Lev Ivanov for the Imperial Ballet , first presented January 15, 1895 ( as given above) at the Imperial Mariinsky Theatre in St. Petersburg , Russia.


P.I.Tchaikovsky - Swan Lake - Scene, Act I. Waltz - OFC live

Nonostante l'argomento ungherese e a dispetto della filigrana zingaresca, lo spirito dello Zingaro è musicalmente viennese, alla maniera del Pipistrello: con in più quel tocco esotico, a partire dall'onomastica, che tanta fortuna avrà nella storia dell'opera, anche in talune inflessioni strumentali ed in certi profili melodici.
Strauss lavorò all'opera, fatto inconsueto per lui, per due anni (Il Pipistrello gli aveva preso un mese e mezzo): la partitura risulta infatti di notevole raffinatezza.

Despite the argument Hungarian Gypsy and in spite of the watermark, the spirit of the Gypsy is musically Vienna, in the manner of the Bat: with more than a touch exotic, starting dall'onomastica, which will have much luck in the history of opera, even in some inflections and instrumental in some melodic contours. 
Strauss worked at work, made ​​unusual for him, for two years (The Bat had taken a month and a half): the score is in fact of great refinement.

J.Strauss - Der Zigeunerbaron - OFC live

Nella partitura originale le danze venivano qualificate come ungheresi perché in quel tempo il folclore magiaro era del tutto sconosciuto e confuso con la musica zigana che quel popolo nomade aveva diffuso. Le danze ungheresi sono infatti impregnate del ritmo e delle melodie zigane affrancate dal virtuosismo che veniva inserito ed inventato dagli esecutori. Solo nel XX secolo le ricerche musicali di Zoltán Kodály e Béla Bartók chiariranno l'equivoco e riporteranno alla luce le musiche ungheresi. Le musiche originarie sono state rintracciate per quasi tutte le danze.
Non possiamo in definitiva parlare di composizioni brahmsiane ma piuttosto di adattamenti dell'autore di musiche zigane che, eliminandone le parti virtuosistiche, ne recupera la parte ritmica e melodica originaria. Brahms, comunque, a testimonianza della sua onestà intellettuale, non diede mai regolare numero d'opera alle danze ungheresi, tuttavia, come indicano alcuni studiosi (come Cristani nel suo libro-saggio su Brahms), dalla danza n. 11 in poi cominciano ad emergere temi originali brahmsiani a discapito dell'elemento folklorico. D'altra parte Brahms non è stato il solo a trarre spunto dal repertorio zigano: l'influenza della musica ungherese e gitana sulla musica tedesca coinvolge, per esempio, anche compositori come Josef Haydn e poi Franz Liszt che ha scritto le Rapsodie ungheresi.


In the original score the dances were classified as Hungarians because at that time the Hungarian folklore was completely unknown and confused with the gypsy music that nomadic people that had spread . The Hungarian dances are indeed impregnated rhythm and melodies stamped Gypsy virtuosity that was inserted and invented by the performers . Only in the twentieth century, the musical research of Zoltán Kodály and Béla Bartók clarify the misunderstanding and bring back to life the music of Hungary. The original music have been traced for nearly all the dances .
We can finally talk about the compositions of Brahms , but rather adaptations of the author of Gypsy music that , by removing the parts virtuosic , it recovers the original rhythmic and melodic . Brahms, however, a testament to his intellectual honesty, never gave regular work to the number of Hungarian dances , however, as some scholars suggest ( as Cristani in his book-length essay about Brahms ) , dance n . 11 on original themes begin to emerge at the expense brahmsiani folkloric element . On the other hand, Brahms was not the only one to draw inspiration from the gypsy repertoire : the influence of Hungarian and gypsy music on German music involves , for example, even composers such as Joseph Haydn and Franz Liszt then who wrote the Hungarian Rhapsodies.

J.Brahms - Hungarian Dances - n.19 - OFC live

Il Preludio sinfonico in La maggiore è una composizione sinfonica di Giacomo Puccini.

Fu composto durante gli studi presso il conservatorio di Milano per l'esame finale dell'anno accademico 1881-1882, nella classe di composizione di Antonio Bazzini, e fu eseguito il 15 luglio 1882 presso lo stesso istituto musicale.

Della partitura autografa rimangono tre frammenti, due conservati presso il Museo Puccini di Celle di Pescaglia, uno presso l'Istituto Musicale "Luigi Boccherini" a Lucca, dove sono conservate anche tutte le parti orchestrali autografe tranne quelle di fagotti, arpa e contrabbassi. Questa partitura rappresenta una prima redazione del brano, di cui Puccini eliminò 30 battute.

In questa forma accorciata e definitiva il brano ci è stato tramandato, non senza alcuni errori, in una partitura manoscritta, probabilmente di mano del fratello Michele, ma firmata "Giacomo Puccini" (Milano, Conservatorio G. Verdi). Le parti orchestrali relative si trovano all'Istituto Boccherini.


The Prelude in A major Symphony is a symphonic composition by Giacomo Puccini.

It was composed during his studies at the conservatory in Milan for the final exam of the academic year 1881-1882, in the class of composition of Antonio Bazzini, and was executed July 15, 1882 at the same institute music.

Autograph score of the three fragments remain, two in the Museo Puccini Celle of Pescaglia, one at the Music Institute "Luigi Boccherini" in Lucca, which houses all our Parts autograph except those of bassoons, harp and double bass. This score is a first version of the song, of which Puccini eliminated 30 beats.

In this shortened form and ultimately the song has been handed down, not without some errors in a manuscript score, probably hand of his brother Michael, but signed "Giacomo Puccini" (Milan, Conservatorio G. Verdi). The orchestral parts are related to the Institute Boccherini.

Giacomo Puccini - Preludio Sinfonico - OFC live

La Bohème è un'opera in quattro quadri di Giacomo Puccini, su libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica.

Ispirato al romanzo di Henri Murger Scene della vita di Bohème, il libretto ebbe una gestazione abbastanza laboriosa, per la difficoltà di adattare le situazioni e i personaggi del testo originario ai rigidi schemi e all'intelaiatura di un'opera musicale. L'orchestrazione della partitura procedette invece speditamente e fu completata nel dicembre 1895.

Meno di due mesi dopo, il 1º febbraio 1896, La Bohème fu rappresentata per la prima volta al Teatro Regio di Torino, con Evan Gorga, Cesira Ferrani, Antonio Pini-Corsi e Michele Mazzara, diretta dal ventinovenne maestro Arturo Toscanini, con buon successo di pubblico, mentre la critica ufficiale, dimostratasi all'inizio piuttosto ostile, dovette presto allinearsi ai generali consensi. 

Il Brano è tratto da un episodio del primo quadro dell'opera:
Rimasto solo, Rodolfo sente bussare alla porta. Una voce femminile chiede di poter entrare. È Mimì, giovine vicina di casa: le si è spento il lume e cerca una candela per poterlo riaccendere. Una volta riacceso il lume, la ragazza si sente male: è il primo sintomo della tubercolosi. Quando gira per andarsene, si accorge di aver perso la chiave della stanza: inginocchiati sul pavimento, al buio (entrambi i lumi si sono spenti), i due iniziano a cercarla. Rodolfo la trova per primo ma la nasconde in una tasca, desideroso di passare ancora un po' di tempo con Mimì e di conoscerla meglio. Quando la sua mano incontra quella di Mimì ("Che gelida manina"), il poeta chiede alla fanciulla di parlargli di lei. Mimì gli confida d'essere una ricamatrice di fiori e di vivere sola ("Sì, mi chiamano Mimì").

L'idillio dei due giovani, ormai ad un passo dal dichiararsi reciproco amore, viene interrotto dagli amici che, dalla strada, reclamano Rodolfo. Il poeta vorrebbe restare in casa con la giovane, ma Mimì propone di accompagnarlo e i due, che dal "voi" formale del dialogo precedente, sono passati al "tu" degli innamorati, inneggiando all'amore ("O soave fanciulla", anche conosciuta come "Amor, amor") lasciano insieme la soffitta mentre si baciano.

"Sì. Mi chiamano Mimì,
ma il mio nome è Lucia.
La storia mia è breve.
A tela o a seta
ricamo in casa e fuori...
Son tranquilla e lieta
ed è mio svago
far gigli e rose.
Mi piaccion quelle cose
che han sì dolce malìa,
che parlano d'amor, di primavere,
di sogni e di chimere,
quelle cose che han nome poesia...
Lei m'intende?

Mi chiamano Mimì,
il perché non so.
Sola, mi fo
il pranzo da me stessa.
Non vado sempre a messa,
ma prego assai il Signore.
Vivo sola, soletta
là in una bianca cameretta:
guardo sui tetti e in cielo;
ma quando vien lo sgelo
il primo sole è mio
il primo bacio dell'aprile è mio!
Germoglia in un vaso una rosa...
Foglia a foglia la spio!
Cosi gentile il profumo d'un fiore!
Ma i fior ch'io faccio,
Ahimè! non hanno odore.
Altro di me non le saprei narrare.
Sono la sua vicina che la vien fuori d'ora a importunare."




Giacomo Puccini - La Bohème - Mi Chiamano Mimì - Interprete: Elisa Balbo - OFC live

La rondine è un'opera lirica in tre atti di Giacomo Puccini, su libretto di Giuseppe Adami.
Originariamente concepita come operetta, in forza di un contratto con gli impresari del Carltheater di Vienna, Puccini, insoddisfatto dell'impianto drammatico conferito dai librettisti Heinz Reichert ed Alfred Willner, volle trasformare La rondine in un'opera vera e propria affidandosi al commediografo italiano Giuseppe Adami; la scarsa convinzione dell'autore nel buon esito dell'operazione, ed anche una certa stanchezza di ispirazione, compromisero in misura determinante la gestazione del lavoro, che si trascinò avanti attraverso continui ripensamenti fra il 1913 ed il 1915.
Sciolto il contratto con i commissionari viennesi a causa dello scoppio del primo conflitto mondiale, La rondine fu rappresentata al Grand Théâtre de Monte Carlo il 27 marzo 1917 diretta da Gino Marinuzzi (1882-1945) con Gilda Dalla Rizza, Tito Schipa e Francesco Dominici. L'accoglienza risultò nel complesso festosa, ma va ricordato che si trattava di una piazza facile in quanto abbastanza periferica.
Tante melodie, pochi temi (tutti chiaramente privati d'uno sviluppo qualsiasi e utilizzati come reminiscenze), ben due arie e un duetto, tanto valzer. Su questa semplice ossatura si regge la Rondine, in una ricerca di trasparenza sorretta dal ricorso all'impalcatura tradizionale. Essa non è affatto una scorciatoia per riconquistare il favore di un pubblico nostalgico, ma ha una funzione drammatica precisa. È sul telaio dei primi due numeri chiusi affidati a Magda nel primo atto («Chi il bel sogno di Doretta», «Ore dolci e divine»), infatti, che s'intesse tutto l'arco drammatico del secondo e del terzo atto, in modo che tutto ciò a cui assisteremo avrà sempre la caratteristica del déjà vu, funzione di cui si farà carico la ripresa ciclica degli stessi episodi musicali. È modo sottile di fissare un concetto: sino alla fine, quando Magda sarà costretta a scegliere il proprio futuro, non si vive mai nel presente, ma nella nostalgia del passato, qualunque esso sia.


La Rondine is an opera in three acts by Giacomo Puccini, libretto by Giuseppe Adami.
Originally conceived as an operetta, under a contract with the impresarios of Carltheater Vienna, Puccini, dissatisfied plant dramatic conferred by librettists Heinz Reichert and Alfred Willner, wanted to transform "La Rondine" in a work itself relying on the Italian playwright Giuseppe Adami; the author's lack of conviction in the success of the operation, and even a certain weariness of inspiration, compromised to a decisive extent the gestation of the work, which dragged on through continuous rethinking between 1913 and 1915.
Ended the contract with the commission in Vienna due to the outbreak of World War I, "La Rondine" was performed at the Grand Théâtre de Monte Carlo March 27, 1917 directed by Gino Marinuzzi (1882-1945) with Gilda Dalla Rizza, Tito Schipa and Francesco Dominici. The reception turned out overall festive, but it should be remembered that it was a square easy as quite peripheral.
Many melodies, few topics (all clearly bereft of any development and used as reminiscences), two arias and a duet, the waltz. This simple skeleton rests "La Rondine", in a quest for transparency, supported by the use of traditional scaffolding. It is not a shortcut to regain the favor of an audience nostalgic, but has a dramatic function precise. It is the frame of the first two numbers assigned to Magda closed in the first act ("Chi il bel sogno di Doretta", "Hours sweet and divine"), in fact, that is woven throughout the dramatic arc of the second and third acts, so that all he will see will always have the characteristic of déjà vu, function which will take over the cyclical recovery of the same musical episodes. It is a subtle way to fix a concept: to the end, when Magda will be forced to choose their own future, not live ever in the present, but in the nostalgia of the past, whatever it is.

Giacomo Puccini - La Rondine - Chi Il Bel Sogno di Doretta - Interprete: Elisa Balbo - OFC live

Vier letzte Lieder (Quattro ultimi lieder), op. 150, è un ciclo di lieder per soprano e orchestra composti da Richard Strauss tra il 1946 e il settembre 1948. Questo titolo è postumo, e fu attribuito al ciclo dall'editore. La prima esecuzione avvenne a Londra alla Royal Albert Hall nel maggio 1950, interpreti il soprano Kirsten Flagstad e l'orchestra Philharmonia diretta da Wilhelm Furtwängler.

Il ciclo è costituito da:

    Frühling («Primavera») - allegretto, composto per secondo.
    September («Settembre») - andante;
    Beim Schlafengehen («Andando a dormire»)- andante;
    Im Abendrot («Al tramonto») - andante. Il primo ad essere composto, nel 1946.

I primi tre furono composti su testi di Hermann Hesse, l'ultimo su testo di Joseph Freiherr von Eichendorff.

I lieder furono dedicati alla moglie del musicista, il soprano Pauline Strauss-De Ahna. L'insieme sembra riassumere il ciclo della vita, dalla primavera al sole morente del crepuscolo, il cui ultimo verso è «Ist dies etwa der Tod ?» ("È questa forse la morte?"). Tuttavia l'ordine dei Lieder è stato stabilito solo al momento della pubblicazione postuma.

Quest'opera rappresenta in qualche modo il congedo musicale di Strauss, che morì nel 1949 a 85 anni, anche se egli compose nel novembre 1948 un ultimissimo lied, Malven, di carattere più leggero; ma soprattutto i Quattro ultimi lieder possono essere considerati come il canto del cigno della musica romantica, composti come furono in un periodo in cui l'atonalità dominava tra i compositori.





Vier letzte Lieder (Four last lieder), op. 150, is a lieder cycle for soprano and orchestra composed by Richard Strauss between 1946 and September 1948. This title posthumously, and was attributed by the publisher cycle. The first performance took place at London's Royal Albert Hall in May 1950, he plays the soprano Kirsten Flagstad and the Philharmonia Orchestra directed by Wilhelm Furtwängler.

The cycle consists of:

    Frühling ( "Spring") - allegretto, composed for second.
    September ( "September") - andante;
    Beim Schlafengehen ( "Going to bed") - andante;
    Im Abendrot ( "At sunset") - going. The first to be made up, in 1946.

The first three were composed of texts by Hermann Hesse, the last text by Joseph Freiherr von Eichendorff.

The lieder were dedicated to the wife of the musician, the soprano Pauline Strauss-de Ahna. The set seems to sum up the cycle of life, from the spring to the dying twilight sun, whose last verse is "Ist dies etwa der Tod?" ( "Is this perhaps death?"). However the order of the songs was only established at the time of the posthumous publication.

This work is in some way the music leave of Strauss, who died in 1949 at 85 years, although he wrote in November 1948 a very last lied, Malven, lighter character; but especially the Four last lieder can be considered as the swan song of romantic music, composed as they were in a period in which the atonality dominated among composers.

R.Strauss - Vier letzte Lieder - Interprete: Elisa Balbo - OFC live

Registrazione Live OFC 
Pianoforte | Giovannii Alvino 
Direttore | Arturo Armellino 
Auditorium S. Agostino | Benevento

Il Concerto n. 21 in do maggiore K 467 è un concerto per pianoforte e orchestra del compositore austriaco Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791), pubblicato nel 1800 da Breitkopf & Härtel di Lipsia.
Fu terminato il 9 marzo 1785, quattro settimane dopo il Concerto n. 20 in re minore K 466 (sempre per pianoforte e orchestra), concerto più vivace e appassionato rispetto al n. 21, più calmo e maestoso: esso corrispondeva esattamente alle caratteristiche esposte dallo stesso Mozart: semplicità e immediatezza tematica, efficacia espositiva, maestosità sinfonica e brillantezza nel fraseggio solistico.
Secondo lo stesso Mozart alla prima esecuzione, il concerto ottenne “un successo straordinario”, grazie anche alla tonalità di do maggiore e alla grande orchestra (con trombe e timpani), in quel periodo felice stagione per lui, all’apice del successo sia come grande compositore che come eccellente esecutore.
Il Concerto per pianoforte K 467 è virtuosistico per quanto riguarda la parte del pianoforte (che è sempre predominante sull’orchestra), ma anche l’orchestra è molto interessante sia da un punto di vista musicale che timbrico.
È anche interessante notare come Mozart gestisce il rapporto tra solista e orchestra.
Tuttavia all’ascolto sembra molto semplice e scorrevole, grazie alla bellezza dei temi.
Come tutti i concerti di forma classica, il Concerto per pianoforte n. 21 in do maggiore segue la forma tradizionale dei concerti (anche se c’è dentro tutta la genialità di Mozart) ed è quindi composto di tre movimenti: due movimenti in tempo veloce (il primo in forma-sonata, il secondo in forma di rondò) separati da un movimento lento:

   1. Allegro maestoso in do maggiore
   2. Andante in fa maggiore
   3. Allegro vivace assai in do maggiore

L’organico prevede, oltre al pianoforte, un flauto, due oboi, due fagotti, due corni, due trombe, timpani ed archi.


Concert no. 21 in k major K 467 is a piano and orchestra concert by Austrian composer Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791), published in 1800 by Breitkopf & Härtel of Leipzig.
It ended on 9 March 1785, four weeks after Concert no. 20 in K minor K 466 (always for piano and orchestra), a more lively and passionate concert than the no. 21, more calm and majestic: it corresponded exactly to the features exhibited by Mozart himself: simplicity and thematic immediacy, exhibition efficiency, symphonic majesty and brilliance in solo phrasing.
According to Mozart himself at the first performance, the concert was "an extraordinary achievement", thanks also to Major Major and the great orchestra (with trumpets and timpani), in that happy season for him, at the peak of success as well as a great composer who as an excellent performer.
The Piano Concert K 467 is virtuoso with regard to the part of the piano (which is always predominant on the orchestra), but the orchestra is very interesting both from a musical and a timbre point of view.
It is also interesting to note how Mozart manages the relationship between soloist and orchestra.
However, listening seems very simple and smooth, thanks to the beauty of the themes.
Like all classical concerts, the Piano Concert no. 21 in do follows the traditional form of the concerts (though it is in all the genius of Mozart) and is therefore composed of three movements: two movements in fast time (the first in form-sonata, the second in the form of rondò ) separated by a slow motion:

   1. Allegro maestoso in C major
   2. Andante in F major
   3. Allegro vivace assai in C major

The orchestra has a flute, two oboes, two bassoons, two horns, two trumpets, timpani and bows.

W.A.Mozart - Concerto per pianoforte e orchestra n. 21 in do maggiore K 467 - OFC live

L’Orchestra Filarmonica Campana nasce nel 2013 per volontà del Maestro Giulio Marazia, che ne ricopre anche il ruolo di direttore artistico e musicale, con l’intento di creare un’Orchestra Stabile capace di portare la musica all’interno del territorio paesaggistico ed artistico della Campania, rendendo vivi sia culturalmente che socialmente i luoghi che animano la storia della Regione. L’OFC, pertanto, intende esprimere il valore della qualità delle relazioni e il profondo senso comunitario che attraverso l’arte possono essere ritenute le risorse della memoria su cui decisamente investire nell’immediato futuro. Tale idea artistica, sposata nella sua pienezza anche dal compositore Ivan Antonio che ha voluto fortemente affiancare nella realizzazione Giulio Marazia, ha preso forma nel progetto globale che si autosostiene con piccoli fondi privati. E’ composta da musicisti e artisti di primo livello provenienti da vari centri concertistici della Campania e da numerosi giovani neo-diplomati dei vari Conservatori Musicali della Regione. Il repertorio spazia dal Barocco al Classicismo, dall’ ’800 al ’900 fino all’opera, prestando interesse anche ai lavori musicali di compositori moderni. L’orchestra inoltre è impegnata in produzioni musicali originali come la riproposizione in chiave sinfonica di celebri Colonne sonore, Tanghi argentini e Canzoni. E’ stata scelta dall’etichetta Baryton di Roma per la registrazione di un CD che uscirà nel 2014 contenente la favola musicale inedita Il Nuvolo Innamorato di O. Lusi. L’Orchestra Filarmonica Campana collabora fattivamente con il Coro Collegium Vocale Salernitano e per l’anno 2013/2014 si è proposta in un progetto molto ampio che vedrà l’inaugurazione della prima Stagione Artistica, ciclo di concerti di musica sinfonica, contemporanea e cameristica con la presenza di direttori ospiti e personalità musicali illustri del panorama musicale nazionale. Prossimamente ci saranno i debutti concertistici nel Teatro S. Alfonso M. De Liguori di Pagani e nel Teatro Diana di Nocera Inferiore. Impegnata nella diffusione della musica presso le nuove generazioni, l’orchestra apre alle scuole con alcuni concerti dedicati ai ragazzi e con progetti mirati ai bambini delle scuole primarie. È al fianco delle principali istituzioni scientifiche e associazioni di volontariato della Regione Campania, per le quali realizza prove aperte e concerti dedicati. I suoi concerti sono abitualmente trasmessi in diretta radiofonica da RadioBase. L’Orchestra è puntualmente seguita da quotidiani, settimanali e reti televisive locali.

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