ALTRE LONTANANZE

■ Concierto para órgano y orquesta.
(2008-2009) 18

En 2007 tuve el privilegio de trabajar con la Pacific Symphony Orchestra y con su director Carl St. Clair. La interpretación que hizo el Maestro Sr. Clair de mi música me dejó muy conmovida, así es que recibí con gran alegría y me sentí muy honrada cuando el Maestro St. Clair me pidió que escribiera una obra para el órgano que estaban construyendo en su sala de conciertos.

Altre lontananze, es el título de esta obra. Un concierto para órgano y orquesta en donde sonoridades del pasado conviven con las del presente, con mis propios sonidos.  Mi idea era poder explorar las múltiples voces del órgano, que es en sí una orquesta, y al mismo tiempo lograr un equilibrio con la otra orquesta. Otras lejanías, otras ausencia, sería la traducción del título en español. Una forma de reunir las músicas que amo del pasado y del presente, de mi propia historia, de lo que se fue pero existe en mi.

Altre lontananze   está dedicada a la Pacific Symphony Orchestra y al Maestro Carl St. Clair con profunda admiración.

Altre Lontananze

AU DELÀ DU VISIBLE I

I - Cuarteto de cuerdas (2011)

Hace alrededor de un año el Cuarteto Diotima me encargó un nuevo cuarteto de cuerdas y muy pronto me pidieron el título. Normalmente el título es lo último que elijo y me resulta siempre difícil. Nombrar algo es darle un sentido extra a lo que ya de por sí es musicalmente y sé que influye mucho en la percepción del público. Por eso es difícil.

Como no tenía ni idea de lo que iba escribir, estuve buscando entre mis libros y hubo una frase que me llamó la atención: au-delà du visible que significa "más allá de lo visible".

Nunca me imaginé en lo que se convertiría este título. En el transcurso de la escritura murieron dos amigos entrañables: Eugenio Toussaint y Daniel Catán. De pronto me di cuenta que en esta música ambos me rondaban continuamente y que en lo que yo escribía había muchos sentimientos encontrados, muchas preguntas, tristezas, enojos, dudas, consuelo también, pero sobretodo la presencia y contundencia de sus ausencias: lo que es, lo que existe más allá de lo visible.

Me quedó claro que el cuarteto estaba dedicado a ellos dos. Al poco tiempo recibí la invitación de Instrumenta para escribir una obra para Eugenio y entonces pensé que el cuarteto fuera para Daniel y la versión para ensamble de cámara fuera para Eugenio. En esta segunda versión incluyo el tema de Toscana, una pieza de Eugenio que aparece en su CD Oinos y que me dedicaba cada vez que la tocaba. De hecho lo hizo la última vez que lo ví durante una velada musical en un restaurante de la ciudad de México.

Au-delà du visible II es entonces un mínimo homenaje a mi amigo Eugenio, compañero de incontables mesas y músicas y cuya presencia estará siempre conmigo.

Au delà du visible I

I - Aulós 1
II - Aulós 2
III - Aulós 3
IV - Aulós 4

Aulós

Para flauta en do. (2011)

El ave Lira es un pájaro particular, capaz de reproducir todos los sonidos que hay en su entorno, naturales y mecánicos. Me encanta la idea de que exista un animal distinto al hombre, capaz de apropiarse de todos los sonidos a su alcance. Así es que en esta pieza tomo un poco del carácter del ave, de la virtuosidad de sus múltiples voces y de su sentido del humor para entregársela al flautista para que a su vez, se apropie de estos sonidos.

Ave Lira es un encargo del flautista italiano Roberto Fabbriciani  a quien está dedicada y quien la estrenó en el verano del 2011.

Ave Lira

Orquesta de cuerdas.
(2000) 7´51’

En  1997, con motivo de los 25 años del Festival Internacional Cervantino, la compositora mexicana Ana Lara recibió el encargo de escribir una obra vocal. El resultado del encargo fue su Réquiem, para coro mixto a cappella, dedicado por partida doble al festival Internacional Cervantino y al grupo Cappella Cervantina, quien se encargó de su estreno absoluto en la ciudad de Guanajuato en el marco de aquella edición del Festival. El Réquiem de Ana Lara está basado fundamentalmente en la Misa de difuntos del canto gregoriano, y en el proceso de su creación la compositora utilizó una serie de procedimientos (principalmente lo que ella misma define como polifonía heterofónica) que remiten a la música del gran compositor húngaro György Ligeti (1923-2006). Descrita de una manera muy sencilla, la polifonía heterofónica del Réquiem de Ana Lara implica que las 16 voces cantan el mismo texto y la misma melodía, pero con diferentes ritmos. Durante el proceso de composición del Réquiem, Ana Lara se mantuvo básicamente fiel a las melodías gregorianas originales de la Misa de difuntos, haciendo solo algunas adaptaciones menores con el objeto de enfatizar ciertos elementos musicales. Tres años después de componer su Réquiem, Ana Lara retoma la partitura vocal original y realiza en el año 2000 una adaptación de su primera parte, el Kyrie, para orquesta de cuerdas. Puede decirse, en realidad, que este trabajo de adaptación consistió básicamente en transcribir las partes vocales a los instrumentos de cuerda, con el resultado de que ambas versiones son prácticamente iguales entre sí. Es posible percibir un refinado trabajo contrapuntístico, así como una sucesión canónica de las voces, primero de las graves a las agudas y más tarde, a la mitad de la pieza, en orden inverso. El origen gregoriano de las dos obras (la partitura vocal y la pieza para cuerdas) garantiza que la base armónica sea claramente modal. La adaptación para cuerdas del Kyrie del Réquiem recibió el título de Canticum sacrum, es decir, Canción sagrada. La compositora afirma que eligió precisamente el Kyrie como base del Canticum sacrum tanto por el valor musical de ese fragmento de su Réquiem como por el valor ritual de concelebración que implica en el contexto de la liturgia.

Canticum sacrum, cuya partitura está dedicada a la pintora Magali Lara (hermana de la compositora) fue estrenada por la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, dirigida por Francisco Savín, el 4 de julio de 2002.

Orquesta de cámara de Bellas Artes, dir. Enrique Diemecke

Canticum Sacrum

Concierto para flautas dulces, orquesta de cuerdas, arpa y percusiones.
(1998) 20’

Regresar a un instrumento que había sido “superado” por otros de mejor factura parecería imposible si no fuera por la aparición de grandes solistas para estos instrumentos relegados por la historia. Este es el caso de Horacio Franco, gran virtuoso de las flautas de pico, que ha logrado que la mayor parte de los compositores mexicanos, hayamos compuesto para él.

Cuando el Maestro Ronald Zollman me pidió escribir una obra para la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM), le propuse escribir un concierto para flautas de pico. En esta obra tomo algunas gestos de los conciertos de Vivaldi y al mismo tiempo recupero el carácter ritual de la flauta y el tambor común a todas las civilizaciones. Aprovechando las increíbles capacidades de Horacio Franco, en este concierto se emplean muchos de los nuevos recursos instrumentales así como la posibilidad de trabajar con dos flautas simultáneamente.

El concierto para flautas de pico, orquesta de cuerdas, arpa y percusiones fue escrita en 1998 para Horacio Franco y la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) quien encargó la obra. Está dedicada a Horacio Franco y al Ronald Zollman.

Ana Lara

Concierto para flautas de pico y orquesta

Concierto para órgano y orquesta.
(2008-2009) 18´

Cuatro habitantes

Para flauta, clarinete, piano, percusión, violín, viola, violoncello y contrabajo.

Darkness visible es el título del entrañable libro de William Styron en donde narra cómo la sombra de la depresión se va convirtiendo en su propio enemigo y lo lleva a la locura. En mi pieza no pretendo narrar el viaje interior de Styron sino, más bien, internarme en el sonido a través del timbre creando atmósferas; en el primer movimiento como un gran bloque sonoro en donde todos los instrumentos tocan simultáneamente y, en el segundo, buscando el timbre más personal de cada integrante.

Esta obra ha sido comisionada por el Festival del Centro Histórico para el el grupo Onix, Nuevo Ensamble de México.

Darkness visible

Para ocho celli y voz recitante.
(2007)  15´

Dylan y las ballenas

Para mezzo-soprano/actriz y orquesta de cámara.
(1991-93) 20’

“De familia muy alcurniada, nació en Beja, ciudad del Alentejo, provincia portuguesa, Mariana de Alcoforado, en 1640, al tiempo que las imprevisiones del conde-duque de Olivares nos hacían perder la zona atlántica de la Península Ibérica.

“Falleció sor Mariana en 1723, lo que nos pone en sospecha de que nadie muere de amor, pues al suyo por el caballero de Chamilly, duque de Saint-Léger y mariscal de Francia, que con tanta pasión se nos revela en las cinco cartas que siguen, sobrevivió 61 años.”

Así comienza la nota biográfica del español don Pedro González Blanco quien tradujo y prologó las Cartas de amor de la monja portuguesa, mismas que fueron después publicadas en México en 1951. De esta forma también nos enteramos que Mariana de Alcoforado conoció al capitán francés Bouton de Chamilly desde una celosía del convento de la Concepción Franciscana de Beja, donde había profesado.

Aparentemente al capitán Chamilly le parecieron notables las cinco cartas de amor que la monja le escribiera e, indiscretamente, se las dió a uno de sus amigos para que fueran impresas. “¿Presentía que las cartas, y no sus menguadas hazañas, serían el mejor lauro de su vida insignificante?” comenta don Pedro. Estas cartas aparecieron bajo el título Lettres d’une religieuse en 1669 y han sido traducidas a todos los idiomas.

Estas cartas dan fe de la pasión femenina, de las contradicciones amorosas, de la desesperanza, la impotencia, la rabia, el odio, la tristeza, la añoranza, la amargura, la pérdida de la autoestima, el deseo, la ironía, la justificación del abandono; en suma, todos los sentimientos encontrados que se reúnen en el amor no correspondido, en el desamor. “El amor, por sí, no engendra amor” nos dice Mariana en su quinta epístola.

De las cinco cartas elegí la última para escribir Desasosiego, para actriz/mezzosorprano y orquesta de cámara, porque en ella se reúnen todos los sentimientos que están presentes en las cartas anteriores; desde la total devoción de la primera hasta el paulatino desengaño que desemboca en la desgarradora despedida de la última carta.

Mi primera tarea fue tratar de descubrir los sentimientos que surgían de las frases y hacer una espiecie de catálogo emocional. A cada uno de estos sentimientos le correspondería su equivalente musical que, no necesariamente, tendría que subrayar los que estaba diciendo sino, al contrario, expresar con sonidos lo que no decía el texto literalmente pero que estaba implícito y así, poner de manifiesto las constantes contradicciones. Evidentemente unas emociones están estrechamente relacionadas con otras y musicalmente trato de conservar estos vínculos.

Como todos los enamorados, Mariana se repite y, sin eliminar este elemento fundamental de la psicología amorosa, decidí hacer una edición de esta carta por motivos dramáticos sin, por ello, traicionar el sentido de la misma.

Desasosiego fue escrita entre 1989 y 1992 gracias a la Beca de Jóvenes Creadores del FONCA y se estrenó durante el Foro de Música Nueva en mayo de 1995 con Adriana Díaz de León y la Orquesta Sinfónica de Xalapa bajo la dirección de Francisco Savín.

Esta obra está dedicada a mis amigos Beatriz Blanco y a Eduardo Marín (In Memoriam)  y fue escrita gracias a la Beca de Jóvenes Creadores que el FONCA (1989).

Desasosiego

Para flauta.
(1985) 6’50’’

Hacia la noche, para flauta sola amplificada
En el silencio de la noche escuchamos cosas que durante el día se encuentran ocultas dentro de otros sonidos. La flauta nos brinda la posibilidad de explorar una gama inmensa de colores que es en lo que me he basado para escribir esta pieza que pretende, más que decir algo, sugerirlo.

Hacia la noche

Para flauta dulce.

(versión para flauta alto y tenor)
(1989) 5’32’’

El mito de Icaro es uno de los más sugestivos: el ascenso hacia el sol, el sentirse dioses e invulnerables  y después, irremediablemente caer. En mi obra quise que el tema de la caída fuera recurrente y que se alternara con pasajes de gran virtuosismo y,  -porqué no- de cierta ironía. Esta obra está dedicada al extraordinario flautista Horacio Franco por lo que pensé que, además de virtuosística, debería poseer  cierto grado de erotismo. Desde el estreno hasta ahora Horacio Franco ha hecho suya esta obra y la ha dotado de su gran personalidad.

Ícaro

Isocronismos

Para cello.
(1995-1996) 11’

Koaiá es una lengua preservada por un grupo de mujeres que viven bajo el mismo techo, en una región de Brasil. En esta obra la naturaleza del sonido es el material principal. El cello, es tratado como generador de sonidos reales e irreales, de sonidos definidos y otros que surgen del instrumento casi involuntariamente, de sonidos concretos y abstractos.

Koaiá

LA SUPLICANTE
Para acordeón. (2008)

Idea Vilariño

I
Concédeme esos cielos, esos mundos dormidos, el peso del silencio, ese arco, ese abandono, enciéndeme las manos, ahóndame la vida con la dádiva dulce que te pido.  Dame la luz sombría, apasionada y firme de esos cielos lejanos, la armonía de esos mundos sellados, dame el límite mudo, el detenido contorno de esas lunas de sombra, su contenido canto.  Tú, el negado, da todo, tú, el poderoso, pide, tú, el silencioso, dame la dádiva dulcísima de esa miel inmediata y sin sentido.

La Suplicante

(1989) 15’
Para orquesta sinfónica

Muchos compositores encuentran el título de la obra antes de empezarla, incluso a veces constituye el origen de una creación musical. Yo compongo pensando únicamente en parámetros sonoros y tal vez por eso a veces me resulta difícil hallar un nombre. En el caso de La Víspera , como ocurre con la mayor parte de mis obras, fue terminada sin que tuviera un título en mente o me  ‘encontrara”  con uno como, en efecto, ocurrió. Descubrí un poema maravilloso del poeta italiano Giuseppe Ungaretti que expresaba exactamente lo que yo sentía al escribir mi música. El poema se llama Veglia  que traduje como ‘víspera’ aunque la traducción literal sea ‘vigilia’ o ‘en vela’. Es un poema dramático que deja entrever la esperanza y el amor, la muerte junto a la vida. Trata de un hombre que yace en un campo de muerte masacrado, con la boca deshecha vuelta al plenilunio: otro hombre, que observa todo  derrengado junto a su compañero muerto, escribe cartas llenas de amor, nunca se sintió más apegado a la vida. Mi música encontró un poema hermano en la forma y en el fondo. Yo quise insistir en la idea de que esta música fuera una vigilia que aguarda, una vigilia que espera a que llegue el siguiente día. Y la música se trata precisamente de eso: en cierto modo intenta expresar esa sensación obsesiva, enloquecedora, de que algo pequeño va creciendo, llega a ser insoportable y luego se extingue para reaparecer después... como los pensamientos que nos rondan cuando hay insomnio y sólo esperamos a que amanezca, como  esos pensamientos deformes que se extinguen con la luz. Y al final de todo, queda esa sensación de agotamiento cuando llega el día y existe la esperanza.

La vispera

Para flauta y piano.
(2008) 6´

Niebla del alba,
como un sueño pintado
los hombres pasan.
Buson

Niebla del alba son tres pequeñas piezas para flauta y piano en donde se establece una breve pero intensa conversación. La búsqueda tímbrica y melódica, la escritura polifónica en donde hay encuentos y desencuentros, momentos de reposo y de tensión hacen alusión al sueño pintado por el que todos pasamos mientras vivimos.

Esta obra está dedicada a mis queridísimas amigas Ana María Tradatti y Asako Arai.

Niebla del Alba

Para guitarra.
(2000) 10’

Según la definición de Nuria Parés: “El haikú (o haikai), esa pequeña composición lírica tan copiosa en el Japón desde hace siglos (desde el siglo XIII) , es un brevísimo poema de diecisiete sílabas distribuidas en tres pies (de 5, 7 y 5 respectivamente). En tan estrechos límites encierra un pensamiento poético, una emoción o una descripción de la naturaleza y sugiere más de lo que expresa (...)  El empleo de palabras clave y de asociaciones de ideas hace que el lector pueda completar, según su propia sensibilidad, aquello que el poeta tan solo insinúa.”

Es precisamente ese insinuar que me llevó a escribir estos ocho haikú que fueron escritos y  están dedicados a mis entrañables amigos Alejandro Lazo y Rubén Riera.

I
Otoño asoma,
cae la lluvia contra lluvia,
hoja tras hoja.
Gyodai (1732-1793)

II
El rocío se va...
Este mundo es rocío
fresco y fugaz.
Issa (1763-1827)

III
Noche estival:
de nube en nube, rauda
la luna va.
Ranko (1726-1799)

IV
Invierno yerto:
el mundo es de un color
y suena el viento.
Basho (1644-1694)

V
Hierba de estío:
sueño de mil guerreros
de tiempos idos.
Basho

VI
Bruma en la tarde:
acuden los recuerdos
de días distantes.
Kito (1740-1789)

VII
!Oh! !Cuán extraño
despertar en tu casa
un día de mayo!
Basho

VIII
Viento de invierno
en el rugir del mar
encuentras eco.
Gonsui (1646-1719)

Ocho Haikus

Para quinteto de alientos y quinteto de cuerdas.
(2005) 10´

I - Serenata 1
II - Serenata 2
III - Serenata 3
IV - Serenata 4
V - Serenata 5
VI - Serenata 6

La Serenata para quinteto de alientos y quinteto de cuerdas fue compuesta en 2005 como parte del proyecto educativo Oaxaca Instrumenta Verano. Tomando como excusa el 250 aniversario del natalicio de Mozart en el 2006 decidí hacerle un pequeño homenaje tomando algunos elementos de su Serenade a 13, Gran Partita. La idea de estas piezas breves era que los jóvenes participantes del curso pudieran iniciarse en las técnicas instrumentales extendidas con un lenguaje no muy complicado. La dificultad de los movimientos varía para que cada intérprete tenga su momento de lucimiento.. Consta de seis movimientos

I Trio I
Quinteto de alientos y quinteto de cuerdas

II Variación
Quinteto de alientos

III Trio II
Flauta, clarinete, corno y contrabajo

IV Romance
Quinteto de alientos y quinteto de cuerdas

V Adagio
Oboe, viola y corno

VI (Non) Adagio
Quinteto de alientos y quinteto de cuerdas

Cada uno de ellos basado en fragmentos mínimos de los movimientos de la Serenade. Estas referencias pueden ser desde una cadencia, hasta un gesto melódico.

Está dedicada a Ignacio Toscano y fue estrenada en Oaxaca Instrumenta Verano 2005 en la interpretación de los alumnos del curso y la dirección de José Luis Castillo.

Serenata

Para cello y medios electrónicos.
(2010)

Ego solus ipse podría traducirse como “solamente yo existo”, vocablo que viene de solipsismo que es la creencia metafísica en la que uno puede estar seguro solamente de la existencia de su propia mente y todo lo que nos rodea sólo puede ser conocido a través del propio yo.

En Solipse, para cello y cinta, he utilizado únicamente los materiales del cello para elaborar la parte electrónica transformándola de distintas maneras de tal forma que el universo sonoro de la pieza es en realidad, la emanación, por así decirlo, del mundo sonoro del cello. Una conversación entre el cello transformado y el cello acústico.

Solipse es un encargo del CUBE Contemporary Music Ensemble y el CMMAS.

Ana Lara

Solipse

Srebro

Vértigos

Para viola, cello y contrabajo.
(1992) 8’

Vitrales fue comisionada por el Trio Italiano Contemporaneo y fue estrenada en Italia en 1992. La idea de escribir para trío bajo (viola, cello y contrabajo) fue aprovechar la extensa gama de posibilidades tanto de registro como de color que posee este ensemble. El resultado es un río de sonidos luminozos,  un torrente de luces que van desde las profundidades hasta las alturas. Es una música de contrstes, de obscuridad y luz, de quietud y movimiento.

Vitrales

Para fl, clt, vn, vc y piano.
(2008) 7´56

En los últimos tiempos, algunas imágenes de Idea Vilariño, la poeta uruguaya, han habitado mi música. Ese es el caso de Y los oros la luz que forma parte del poema 41 de la serie NO. Este es el poema:

 

No
41
Silba y silba
Hilo de oro
¿de plata?
Silba y silba.
Y los oros la luz
Y el sol se van
Se van.
Silba feliz.
No sabe

La imagen de que las cosas desaparecen ante nuestros ojos sin tener la conciencia de su desaparición pero dejándonos una huella indeleble está de muchas maneras presente en mi música. Y los oros la luz fue escrita por encargo de mi amigo Karlheinz Essl para el Pierrot Lunaire Ensemble Wien y está dedicada a mi hermana María Pía.

Esta obra forma parte también del trabajo Glaciares que realicé junto a mi hermana Magali; una animación sobre precisamente la destrucción de los glaciares del sur de Argentina.

Música de cámara

Y los oros la luz

Para fl, ob, b clt  +sax (alto y tenor), fgt, tr, trn, perc., vn, vla, vc, cb
(2006-2007) 7´

Tres signos del zodiaco
1. Sagitario
2. Capricornio
3. Acuario

Makrokosmos Project

Zodiaco

Little Steps

Déjame Soñar Tu Sueño

Para quinteto de metales y percusiones.
(1997)

The title En par de los levantes de la aurora, derives from Salomon´s verses of the Song of Songs and freely means, at the same time as the dawn.

I am insomniac, so often wake up before the day brakes. It has always surprised me that when it´s still very dark, the birds start singing very loud, just to get silent again and restarting when dawn comes. Going from darkness to light, from inner silence to outer sound is the passage I take (don´t we all?) every night and every day, and in a way this is what happens in this piece that was commissioned by the Subtropics Festival of Miami for my now friends of the Meridian Arts Ensemble who played the premiere.

Ana Lara

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