Seminario FACBA 21. «La Variación Infinita»
https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita
	 		 		 		 					
FACBA, Festival de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes, es un lugar de confluencia entre la producción y el pensamiento artísticos, las investigaciones basadas en recursos y fondos patrimoniales universitarios (culturales y científicos) y las colaboraciones multidisciplinares entre creadores e investigadores de distintos ámbitos. 
Bajo el lema «Mutatis mutandis; cambio al azar» la edición FACBA 21 despliega una amplia red conceptual de acciones y de reflexiones acerca del cambio, de los procesos de transformación, de la contingente evolución del tiempo y de la vida contemporánea y de sus derivaciones incontroladas. 
 
El seminario «La Variación Infinita» viene a extender el marco teórico de la edición a través de  una serie de capítulos grabados en formato podcast, en los que artistas y especialistas de distintos ámbitos profundizan en  los acontecimientos del cambio y en nuestra relación con dicho cambio. La capacidad de adaptación que trasciende de sus intervenciones apunta a la ausencia de certezas y equilibrios no solo en el momento que nos toca vivir, sino como constante social, política y ecológica presente a lo largo de la historia. Del seminario surgen voces consecuentes y reticentes a la transformación activa como devenir continuo de los procesos de cambio, pues lo único permanente parece ser, precisamente, una variación infinita. 
 
La colección de episodios de esta edición quedarán disponibles en las plataformas digitales del festival y en una cuidada edición impresa que incluirá los textos de invitados/as y moderadores/as. Este año se amplía el formato de las colaboraciones, incluyendo, además de los podcast, algunas piezas artísticas ideadas expresamente para esta edición.
 
 
Esta iniciativa solo es posible gracias al apoyo en la organización y la producción y a los recursos económicos y humanos del: Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio, al Secretariado de Bienes de Culturales del Área de Patrimonio de la Universidad de Granada, del Área de Artes Visuales, La Madraza Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada, la Fundación Española para la Ciencia y Tecnología (FECYT) dependiente del Ministerio de Ciencia e Innovación, la Unidad de Cultura Científica y de la Innovación de la Universidad de Granada, el Área de Cultura y Memoria Histórica de la Diputación de Granada, el Centro José Guerrero, el Centro Federico García Lorca, el Museo Instituto de América- Centro Damían Bayón de Santa Fe, la Concejalía de Cultura y Patrimonio del Ayuntamiento de Granada, la Fundación CajaGranada, la Fundación Caja Rural Granada y el Máster en Producción e Investigación en Arte de la Universidad de Granada.

Episodio #14. Equipo Comisarial FACBA 21 (Marisa Mancilla, Regina Pérez y Rosario Velasco)

Ponente: Cristina de Middel
Modera: F, José Sánchez Montalbán

Título podcast: Aleatoriedad y nuevos imaginarios en la creación fotográfica contemporánea 

Creadora de historias visuales, poniendo en relación lo vital y lo artístico, Cristina de Middel nos habla en esta charla sobre la frontera entre lo real y la ficción en el mundo de la fotografía. La aleatoriedad es, para la artista, una parte esencial del juego, y el juego es la médula espinal de su trabajo fotográfico. Pero la aleatoriedad es una idea inalcanzable, es imposible generar artificialmente algo aleatorio, ya que todo responde a algo que le precede, aunque solo sea la necesidad de generar lo aleatorio. Inmigración, violencia, explotación sexual, estos son algunos de los temas que desde su peculiar punto de vista, la artista ha tratado de forma abierta a la interpretación del espectador. 

Afirma que no le gusta que se entienda la fotografía como una verdad rígida, sino que prefiere que de cada imagen se extraigan varias lecturas, incluso pudiendo ser estas lecturas contradictorias. Por ello rechaza la idea de la necesidad de los pies de foto, considera que una imagen debería valerse por sí sola, al igual que un libro o una película no necesitan de un texto que explique lo que se está viendo o leyendo. Aquí, la fotografía se reivindica como un medio en el que el artista debería poder también expresarse libremente, mostrando no sólo lo real, sino también lo plausible o directamente lo irreal.

Enlaces de interés sobre el artista: http://www.lademiddel.com

Episodio #15. Cristina de Middel / F. J. Sánchez Montalbán

Ponente: Jorge Carrión
Modera: Paco Baena
Colabora: Diputación de Granada

Título podcast: Encuentros en la cuarta fase. Sobre la gestación de tres proyectos de ensayo-ficción

Enlace a la página del seminario FACBA 21: 
https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita

Texto sobre el podcast: 
En este podcast el escritor Jorge Carrión junto a Francisco Baena, director del Centro José Guerrero conversan sobre las variaciones. Variaciones que llevan a otras variaciones, variaciones que a su vez generan sus propios proyectos. Esta es una de las características del siglo XXI. En la narrativa, la gran mutación es la metamorfosis de la novela. Se habló un día de que la pintura o la fotografía estaban muertas, pero no es así. Lo mismo le pasa a la novela, que ha mutado su formato a otros dispositivos como videojuegos o series de televisión. 

Aquí lo museístico se combina con la novela, lo literario y el arte contemporáneo pueden encontrar en los museos del siglo XXI un espacio común. Los museos son novelas de ciencia ficción.

En el contexto actual la realidad se ha mostrado como una de esas utopías negativas que nadie se tomaba en serio y ahora, paradójicamente, nos encontramos un contexto de prácticas políticas distópicas a lo largo del planeta. Es por ello que la ciencia ficción es el nuevo realismo y precisamente, mediante la ficción especulativa, se pueden pensar escenarios alternativos que nos ayuden a acabar con las distopías reales.

Enlaces de interés sobre el artista:
https://jorgecarrion.me/

Episodio #16. Jorge Carrión / Paco Baena

Ponente: Enrique Marty
Modera: Isabel Tejeda
Colabora:  Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio, al Secretariado de Bienes de Culturales del Área de Patrimonio de la Universidad de Granada, del Área de Artes Visuales, La Madraza Centro de Cultura Contemporánea de la Universidad de Granada 

Título podcast: Mercurio y Argos

Enlace a la página del seminario FACBA 21: 
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Texto sobre el podcast: 
Mercurio y Argos es el título de uno de los cuadros que Rubens pintó para una serie encargada por Felipe IV. Para esta serie, de decenas de piezas, Rubens se fijó en Las Metamorfosis de Ovidio, dando rienda suelta a su imaginación a la hora de plasmar seres mitológicos. Como si de seres vivos se trataran, que pasan de no existir a existir para luego dejar de existir nuevamente, la mayoría de estos cuadros desaparecieron calcinados en un incendio, siendo Mercurio y Argos uno de los pocos que se salvaron, junto a algunos bocetos. En dicho cuadro, Rubens plasmó una escena en la que Mercurio, tras haber adormecido a Argos, va a cortarle la cabeza. Mientras, la ninfa Lo, convertida en vaca por Zeus, mira al espectador con una mirada de impotencia e incredulidad. Al final los dioses hacen sufrir a los humanos y otros seres terrenales por puro capricho. Son seres que vienen a la tierra a entretenerse, a jugar con los humanos. Y esta actitud lleva a los humanos a dejar de creer en los dioses. Precisamente dejar de creer en los dioses supone su fin, pues su existencia se justifica exclusivamente en la creencia humana. Al final, los dioses dejan también de existir, como los cuadros quemados de Rubens. No hay nada permanente, sólo existe el cambio.

Enlaces de interés sobre el artista:
https://enriquemarty.com/ENRIQUE_MARTY_1.html

Episodio #17. Enrique Mary / Isabel Tejeda

Ponente: Martín Azúa
Modera: Rosario Velasco

Título del podcast: Artesanía posindustrial. Una visión renovada de la artesanía desde la cultura del diseño, diseñadores abocados a la artesanía

Texto sobre el podcast: 
Entre Barcelona y Las Azores, Martín Azúa trabaja situando la artesanía en el centro del mundo del diseño. En este diálogo con Rosario Velasco en forma de podcast, nos habla de su filosofía de trabajo, y como esta es la forma que tiene de relacionarse con el mundo. Entiende su labor desde la artesanía, como una forma de producir detenida y consciente. Es por ello que propone una artesanía postindustrial, es decir, una vuelta a la artesanía (en mayúscula). En la actualidad el sistema produce sin que los que trabajan en él sepan qué es lo que están haciendo, ya que en los procesos industrializados actuales se trabaja por segmentos. Al reconsiderar la totalidad del proceso de trabajo, se recupera la relación entre productor y producto, se valoran más los materiales y la producción se realiza con más sentido al evitar el desperdicio.

Ya que todo está siendo envuelto por el sistema y ahora todo es consumo de algo, Martín Azúa nos apremia sobre la urgencia de esta consciencia, al comentar que, lo más productivo que podemos hacer hoy, es no hacer nada. Para el artista, el equilibrio puede recuperarse a través de la naturaleza. Un buen paseo por el bosque puede hacer más por nuestro bienestar que una gran cantidad de objetos materiales. Por último, reflexiona sobre la parte animal de las personas, abogando por ser mucho más instintivos.

Enlaces de interés: https://www.martinazua.com/es/

Episodio #18. Martín Azúa / Rosario Velasco

Ponente: La Maquiné (Joaquín Casanova y Elisa Ramos)
Modera: Víctor Borrego

Título podcast: Orígenes

La compañía de teatro La Maquiné fue fundada hace doce años por Elisa Ramos y Joaquín Casanova. Junto a Víctor Borrego, repasan los orígenes de este proyecto teatral y de cómo ellos como pareja artística han tenido que empezar de cero en muchos ámbitos. A su formación inicial en Bellas Artes han incorporado diversos aspectos técnicos relacionados con el mundo del teatro. El origen de esta formación artística es, por tanto, algo que siempre ha estado presente en su trabajo. 
A partir de la ausencia casi total de texto han conseguido crear un lenguaje plástico propio que les ha permitido llevar sus espectáculos por todo el mundo. El uso de objetos creados artesanalmente por ellos, les permite tener un mayor control sobre la acción que pretenden representar, sumergiéndose más profundamente en la pieza teatral. Al producir al completo ellos mismos sus espectáculos, las propuestas están dotadas de una coherencia, de sensación de conjunto en el que todas las partes forman parte de un todo. Consideran que una obra de teatro nunca está acabada, por lo que siempre están abiertos a repensar sus obras constantemente. En este proceso creativo la música tiene un papel muy importante ya que es el motor de arranque a la hora de empezar una historia. La música es la palabra del espectáculo y la guía de la propia historia. 

Enlaces de interés sobre el artista: http://www.lamaquine.com/

Episodio #19. La Maquiné / Víctor Borrego

Ponente: Elan D´Orphium
Modera: Beatriz Coto

Título podcast: Deseo mimético

Texto sobre el podcast: 
Elandorphium es un ser que habita en los límites conocidos del lenguaje, se presenta como de ascendencia gamusina, como una persona que se dedica a viajar por el género y a desmentirlo en sus ratos libres. Se le puede encontrar por la dehesa extremeña, donde actúa y estudia formas de hacer con especies vecinas. Su obra es un peregrinaje hacia otros estados del ser. Elandorphium es un intento de nombrar una realidad. En esta idea de la auto representación, y en esta idea de nombrar las cosas, nos surge la idea de cómo representarnos, o con qué nombre referirnos. Hace una reivindicación de la performatividad, de la experiencia como actividad estética, reflexión a la que llega contraponiendo la actividad de un after con lo que pasa en un museo.

Defiende sacar las prácticas y experiencias queer del club y ver qué pasa si se llevan a otros espacios expositivos no excluidos, trata de trazar puentes entre lo que ha aprendido en el mundo de la noche y lo que ha aprendido en la academia, en la facultad de Bellas Artes. Elementos como las prótesis se vuelven una parte importante de su trabajo, tradicionalmente entendidas de una forma peyorativa, como la falta de una parte de uno mismo. Busca darle la vuelta a este concepto y devolverle un significado positivo, el sentido de “promesa” de la prótesis, de devenir hacia algo, de llegar a ser. De ahí se abre un mundo de posibilidades, de devenir otra cosa, de aprender de otras especies para convivir mejor con ellas. Simbiosis entre humano-animal-máquina, la idea de metamorfosis simbólica.

Enlaces de interés sobre el artista:
https://www.instagram.com/elandorphium/?hl=es

Enlace a la página del seminario FACBA 21: https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita

Episodio #20. Elandorphium / Beatriz Coto

Ponente: Ilan Serruya
Modera: Oihana Cordero

Título podcast: Quedará el paisaje

Enlace a la página del seminario FACBA 21: 
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Texto sobre el podcast de Ilan Serruya:
El título de este seminario, un diálogo entre el artista audiovisual argentino Ilan Serruya y Ohiana Cordero, “Quedará el paisaje” se trata de una frase de un poema con el que el artista da comienzo a este podcast. El artista, nos habla aquí del proceso de creación de su último ensayo audiovisual, del mismo nombre de este episodio, y que presenta en FACBA 21, en el centro José Guerrero. A través de este ensayo, que es la materialización de un proceso de investigación, Ilan hace un recorrido por el tema de la identidad y su territorialización, en cómo ha convivido él mismo con una cultura judía que le dirigía a sentirse parte de un territorio del que él no tenía geográficamente nada que ver.
Sus vídeos, muchas veces resignificación de imágenes de archivo, juegan con los silencios para crear en el espectador diferentes sensaciones, y que se alejan de la sobre exposición a la imagen a la que estamos acostumbrados. Así, el artista, ve el montaje audiovisual como una forma de escultura, en la que se parte de una gran cantidad de elementos en bruto que el montador tiene que ir seleccionando, y montando para conseguir un resultado final. El lenguaje audiovisual se vuelve así una forma de lenguaje que supera las barreras que el lenguaje hablado no es capaz de saltar.

Enlaces de interés sobre el artista: 
https://ilanserruya.com/bio

Episodio #21. Ilan Serruya / Oihana Cordero

Ponente: M. del Pilar Miralles
Modera: José López Montes

Título podcast: Genomas sonoros mutantes
 
Enlace a la página del seminario FACBA 21: 
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Texto sobre el podcast: 
María del Pilar Miralles es una compositora almeriense afincada en Helsinki, donde realiza sus estudios de música. En este podcast conversa con José López Montes sobre sus procesos creativos en una charla en la que además se intercalarán algunas de sus composiciones. Partiendo de la música instrumental, la artista se adentra en el mundo de la electrónica desde la composición algorítmica. Le gusta recrear sonidos orgánicos, crudos, desgastados, que remiten a máquinas. Su fuente de inspiración son los paisajes industriales abandonados. 
La música se presenta aquí como una forma de escape de las frustraciones, una herramienta que surge de la necesidad de reflejar la realidad, la crudeza, la no idealización. Para la artista, la impredecibilidad de la música algorítmica genera una sensación de sorpresa que ella considera propiamente una composición, aunque técnicamente haya sido creada por una máquina a partir de un código previamente codificado. Su objetivo no es tanto influir en los oyentes mediante una música con un determinado mensaje, sino generar respuestas emocionales distintas en cada persona. Además, la artista nos cuenta cómo cambiar de país ha abierto su mente a toda una serie de sensaciones nuevas, de paisajes, que han tenido un impacto en su forma de componer y en su planteamiento artístico general. Describe su proceso compositivo como un proceso dificultoso, lleno de crisis estéticas, conflictos por los que tiene que pasar cualquier compositor o compositora para interpretar la realidad y ofrecer una visión propia.

Enlaces de interés sobre el artista:
https://www.centrodedocumentacionmusicaldeandalucia.es/opencms/documentacion/compositor.html?slug=maria-del-pilar-miralles-castillo

Episodio #22. M. del Pilar Miralles / José López Montes

Ponente:  Francisco Villalobos
Modera: Víctor Borrego

Título del podcast: Solo la sed nos alumbra
Enlace seminario: https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita/

Texto sobre el podcast:
Francisco Villalobos es un artista polifacético, transita por la música, la escritura, la pintura, el dibujo y la performance, y es que hay algo en su trabajo que va más allá de la creación artística. Su planteamiento creativo llega al conocimiento de la vida, de la realidad, de ahí el título escogido para este podcast, que pone en conexión agua y fuego con la falta o la acción de estos elementos. 
En diálogo Victor Borrego, artista e investigador de la Facultad de Bellas Artes de Granada, y Francisco Villalobos, se adentran en el mundo de las percepciones y nos comentan la importancia de percibir para poder pensar. En esta conversación lo sensible y lo inteligible se muestran como elementos importantes en la cognición del mundo: A partir de lo que se hace, el artista dice buscarse a sí mismo, ya que no existen vivencias externas y vivencias internas, porque toda vivencia es al mismo tiempo las dos cosas. 
Desde las artes y más ampliamente en las humanidades, se da cierta insistencia por volver a las primeras experiencias, a la novedad en la percepción del mundo. Pero a veces las artes plásticas se olvidan de la pura materialidad, de las sensaciones y en este flujo de pensamiento, el diálogo lleva a nuestros invitados al mundo de la adivinación. Un mundo basado en el saber sobre las estructuras del mundo, que siempre se repiten.

Episodio #23. Francisco Villalobos / Víctor Borrego

Ponentes: David Wiehls y Lluís Aguiló
Modera: Abraham Cordero
Colabora: Grupo Límite

Títulos:  	
Lluís Aguiló:  El caos y Deleuze 
David Wiehls: El porvenir plástico del materialismo

Enlace Seminario: https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita/

Texto sobre el podcast:
Abraham Cordero, miembro del Grupo Límite, que nació en Barcelona en 2019, da cabida al pensamiento filosófico de vanguardia, nos trae en este seminario una interesante charla entre  Lluís Aguiló y David Wiehls.
Aguiló y Wiehls parten en este podcast de posturas filosóficas a priori distantes, el primero más orientado hacia el materialismo y su porvenir plástico, y el segundo más centrado en la obra de Deleuze y su relación con el caos. De estas posturas surgen postulados que tratan de dar una visión filosófica sobre el arte, en tanto que este es también una forma de pensamiento. La plasticidad y el caos, se muestran así como ideas que si bien partes de lugares distintos, nos llevan a una misma conexión con el arte plástico, como formas de crear nuevos mundos a partir de la transformación de la materia que se nos presenta como inmutable. En definitiva, este diálogo filosófico transita por un mundo de ideas abstractas para explicar algo tan tangible como la materia y su transformación.

Enlaces de interés sobre el artista:
https://greav.academia.edu/DavidWiehls
https://academialacentral.com/profesor/76

Episodio #25. Grupo Límite: Lluís Aguiló y David Wiehls / Abraham Cordero

Ponentes: Abraham Cordero y Adrián Gámez
Modera: David Wiehls
Colabora: Grupo Límite

Título podcast: Delirios de individuación. Una mística del Afuera. / Postsimetrías de la pluralidad: la metamorfosis onto-epistémica en la estética schopenhaueriana.

Enlace podcast: https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita/

Texto sobre el podcast de Grupo de Investigación 1:
En este, el primero de los dos capítulos del seminario en el que participa el Grupo de Investigación, David Wielhs charla con Abraham Cordero y Adrián Gámez sobre la relación entre dos autores tan dispares como Schopenhauer y Unamuno y su filosofía sobre el arte y la estética. Estos dos expertos en filosofía, licenciados en la Universidad de Barcelona, tratan aspectos como el espacio, el tiempo y la causalidad en la obra schopenhaueriana, o la tragedia y la mística en la obra de Unamuno. Al final, se llega a temas tan centrales en los debates sobre el arte como la espontaneidad artística del genio creador, o la búsqueda de la inmortalidad a través de la creación artística.

Episodio #24. Grupo Límite: Abraham Cordero y Adrián Gámez / David Wiehls

Ponente: Delia Boyano
Modera: Santiago Lara

Título podcast: Cuando no queda otra opción sino moverse: la performance como agente de subversión poética

Enlace a la página del seminario FACBA 21: 
https://facba.info/facba-21-seminario-podcast-la-variacion-infinita/

Texto sobre el podcast de Delia Boyano:
En este nuevo episodio de los seminarios La Variación Infinita, la artista malagueña Delia Boyano charla con Santiago Lara sobre su actividad performática. Esta artista investiga sobre las narrativas míticas y tradicionales para vincularlas con el presente. A partir de su propia autobiografía, Delia Boyano crea performances que beben de una estética de desplazamiento y cambio, enmarcadas en una inestabilidad, un movimiento que es entendido como una acción subversiva de resistencia.

En su obra es común encontrar mutaciones entre lo tradicional y lo moderno, lo ficticio y lo autobiográfico, la danza y la performance, creando un universo alegórico que funciona como una sátira del presente. La acción se vuelve así, en la obra de la artista, como un bálsamo que conduce a la reflexión, el uso del cuerpo es usado así a través de la performance y la danza para cuestionar el mundo en el que vivimos.

Enlaces de interés sobre el artista: 
https://deliaboyano.wixsite.com/site/cv

Episodio #26. Delia Boyano / Santiago Lara

Pieza musical con la que completamos esta edición del seminario FACBA 21. La Variación Infinita, que han compuesto M. del Pilar Miralles y José López Montes.

Episodio especial. M. del Pilar Miralles y José López Montes: Tiento

Ponente: Juan Viedma
El artista Juan Viedma nos plantea una propuesta diferente para este seminario de FACBA 22 sobre Contraritmos, reescalas y distorsiones de nuestro tiempo acelerado de nuestro tiempo acelerado. En esta entrevista donde sólo hay respuestas, acaban surgiendo más preguntas, esta duda y aura de secretismo es parte de la propuesta artística que nos ofrece Viedma. La evocación desde la ausencia y la relación que se establece entre los fragmentos para intentar configurar una imagen legible queda libre y abierta a múltiples interpretaciones que dependerán de la escucha de cada oyente.

Episodio #32. Juan Viedma

Autor: Julio Molina

Julio Molina, músico de la escena electrónica actual, nos propone una composición destinada a escucharse en la oscuridad. Una versión estéreo, ya que la pieza original era cuatrofónica. Una composición sonora para el concierto Acusmática cruda que se interpretó en marzo para la cátedra Manuel de Falla de la Universidad de Granada.

Episodio #38: Julio Molina Moya

Equipo comisarial: Rosario Velasco y Marisa Mancilla

Rosario y Marisa introducen la temática de los Seminarios de este año para el festival FACBA 22, los cuales se inscriben en la temática de Contraritmos, re-escalas y distorsiones de nuestro tiempo acelerado.

La elección de esta temática tiene que ver con los flujos acelerados del tiempo actual, en el cual se evitan los tiempos muertos y el devenir de un tiempo natural. Los Seminarios recogen experiencias, reflexiones y prácticas experimentales en torno al paso del tiempo de la mano de Euripidis, Israel Galván, Juan Carlos Lérida, Juan Viedma, Alegría y Piñero, José María Leonés, Miss Beige y Julio Molina.

Episodio #29: Equipo comisarial (Marisa Mancilla y Rosario Velasco)

Remedios Zafra es ensayista, escritora e investigadora en el Instituto de Filosofía del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC). Su estudio crítico ensayista se centra en la cultura contemporánea, la antropología, el ciberfeminismo y la cultura digital. Moderado por Marisa Mancilla y Rosario Velasco, comisarias de FACBA 23.

Episodio #39. Remedios Zafra

Fran Pérez Rus es artista visual especializado en medios digitales, su obra estudia la relación del ser humano con la tecnología, explorando las tensiones ecológicas. Es uno de los artistas invitados en la presente edición FACBA 23. Podcast moderado por Mayte Gómez Molina (Ingrata Bergman), es una investigadora, artista de nuevos medios y escritora española cuya práctica se basa en la exploración de los nuevos medios tecnológicos de expresión para explorar el territorio de lo poético y lo político.

Episodio #40. Fran Pérez Rus

Aida Sánchez de Serdio es profesora en la Universidad Oberta de Cataluña (UOC) desde 2017, investigadora y educadora en torno a las prácticas artísticas colaborativas y la investigación cualitativa. También ha asesorado durante varios años al departamento de Educación y Públicos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su trabajo pretende formar conexiones entre la academia y el trabajo cultural.

Selina Blasco es profesora del Departamento de Historia del Arte en la Facultad de Bellas Artes UCM, su trabajo se extiende sobre las comunidades artísticas universitarias, también participa en encuentros y seminarios en programas sobre prácticas artísticas y culturales. 

Lila Insúa es profesora de Proyectos y Estrategias en la Facultad de Bellas Artes de Madrid de la UCM. Su línea de investigación se centra en la construcción de la memoria de los sujetos y su implicación colectiva, el proceso de creación y la regeneración de la arquitectura desde las cualidades e interrelaciones entre los sujetos.

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Las profesoras Selina Blasco y Lila Insúa (Facultad de Bellas Artes Universidad Complutense) conversan con Aida Sánchez de Serdio (Universitat Oberta de Catalunya) sobre cómo hacer universidad, la vida que se despliega en las facultades de arte, la necesidad de abolir el permiso y el tiempo de reposo regenerador que nos permite estar juntas y que sucedan otras cosas.  En este podcast sobre las nociones expandidas del currículum, la participación de las facultades de arte en la esfera social y cultural más amplia, y la capacidad de autogestión de las comunidades de aprendizaje, se mencionan diversos proyectos:  https://bellasartes.ucm.es/fanzines (colección de 30 fanzines que recogen algunas de las actividades del Vicedecanato de Extensión Universitaria de la Facultad de Bellas Artes UCM entre 2010 y 2014, realizados por las personas que los programaron)  https://eprints.ucm.es/id/eprint/49874/ Blasco, Selina; Insúa, Lila y Simón, Alejandro (2016) Universidad sin créditos. Haceres y artes: un manual / University Without Credits: a Workbook on the Arts and their Doings. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid.  https://eprints.ucm.es/id/eprint/61033/1/ProgramaSinCreditos1.pdf Blasco, Selina; Insúa, Lila, eds. (2017) Programa sin créditos: una investigación basada en la práctica artística/ Programme without Credits: A research project based on artistic practice. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid. https://edicionesasimetricas.com/Programa-sin-creditos-en-modo-celebracion-VVAA-SBlasco-LInsua-y-ASimon-eds Insúa, Lila; Blasco, Selina, eds., (2019)  Programa sin créditos en modo celebración: otros relatos sobre comunidades artísticas de aprendizaje/ Programme without credits in celebration mode : other stories about artistic learning communities. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid.  https://brumaria.net/producto/exterioridades-criticas-comunidades-de-aprendizaje-universitarias-en-arte-y-arquitectura-y-su-incorporacion-a-los-relatos-de-la-modernidad-y-del-presente/ Blasco, Selina; Insúa, Lila, eds. (2019) Exterioridades críticas. Comunidades de aprendizaje universitarias en arte y arquitectura y su incorporación a los relatos de la modernidad y del presente. Brumaria, Madrid.  https://www.ucm.es/arteinvestigacion (web del Grupo de Investigación UCM Arte, investigación, universidad. Documentos para un debate)  https://www.museoreinasofia.es/actividades/escuela-perturbable/grupo-480-20 (web de la Escuela Perturbable, Grupo 480+20: sobre educación artística y universidades Museo Reina Sofía, 2019)  Inter-Accions. Prácticas colectivas para intervenciones en el espacio urbano https://mixite.cat/interaccions/practiques-collectives/ Experiencia transversal de formación entre estudiantes de Arte y de Arquitectura (Facultat de Belles Arts-UB y Escola Superior Tècnica d’Arquitectura de Barcelona-UPC)

Episodio #41. Aida Sánchez de Serdio, Selina Blasco, Lila Insúa

Blanca de la Torre es curadora, historiadora del arte, investigadora y directora de proyectos. Su trabajo se centra en la unión de las prácticas artísticas sostenibles, la ecología política y las artes visuales, entendiendo el arte como una herramienta de conocimiento para generar nuevas maneras de hacer.

Episodio #42. Blanca de la Torre

Diego del Pozo es artista visual, productor cultural y profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Su trabajo abarca un amplio espectro de recursos y estrategias formales, desde el dibujo, la creación de objetos hasta la instalación y el vídeo.  Podcast moderado por Gloria G. Durán,  profesora contratada doctora de la Facultad de Bellas Artes USAL. Investigadora y artista especializada en mujeres de difícil acomodo: dandys, petimetras, currutacas, bohemias, anarquistas, cupletistas y sicalipticas. Tiene 5 libros publicados.

Episodio #43. Diego del Pozo y Gloria Durán

Daniel Cabezas es especialista en diseño social y diseño de interacción, con una amplia experiencia en el sector privado y público así como en agencias de cooperación humana en Europa y Asia. Podcast moderado por Vanesa Aguilera Hatero licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y especializada en Diseño Gráfico en Barcelona. Profesora funcionaria en la Escuela de Arte y Superior de Diseño José Val del Omar, combina su labor docente con el desarrollo de proyectos personales y colaborativos que le permiten mantenerse en contacto con el ejercicio profesional.

Episodio #44. Daniel Cabezas y Vanesa Aguilera Hatero

Carlos Almela es responsable de proyectos culturales en Hablar en Arte (Madrid), dedicado a la gestión cultural, el comisariado y la mediación. También es Coordinador general en la Universidad Carlos III de Madrid en el Máster en gestión cultural. Podcast moderado por Sofía de Juan, Técnica de desarrollo educativo en el Museo Nacional del Prado, creadora-educadora, investigadora y gestora cultural, especialista en medios audiovisuales, desarrollo procesos colaborativos de creación y producción artística.

Episodio #45 Carlos Almela y Sofía de Juan

Episodio #46. Paadin y Sergio Arredondo

Colectivo Laramascoto
Santiago Lara y Beatriz Coto, artistas y profesores de BBAA Granada
Moderadora: Asunción Lozano
(Comisión académica Máster producción e investigación en arte, BBAA Granada)
Título “Prospectiva de un mundo en metamorfosis. La imaginación como elemento transformador y de acción política.”

https://facba.info/https-facba-info-facba-20-seminario-el-saber-oscuro-directorio-podcasts/

El colectivo Laramascoto nos hablará sobre su última exposición 10011 Arqueología futura expuesta en el Museo ABC y comisariada por Óscar Alonso Molina. Beatriz y Santiago presentan un escenario deshabitado por el humano, abordando el concepto de futuro desde el que proyectar mundos posibles. Desde los inicios de su trayectoria que parte en 2007 con Ecotopia, el colectivo trabaja desde una libertad creativa en la que priorizan la investigación por la investigación. Su visión antropológica se encuentra en un continuo repensarnos como especie, desde lo más primitivo hacia el futuro y viceversa. Cohabitan la forma y lo informe, la tecnología y la caverna, la materialidad de la pintura y la inmaterialidad del video. Apuestan por una colectividad creativa, por una hibridación del conocimiento, pero sobre todo, por ofrecernos imaginarios que nos permitan proyectarnos hacia otro lugar diferente, considerando la capacidad transformadora del arte como una herramienta política.

Laramascoto es un colectivo de artistas formado por Beatriz Coto (Gijón, 1977) y Santiago Lara (Tomelloso, 1975). Ambos son Doctores en Bellas Artes y profesores de la Universidad de Granada. Investigan sobre la animación experimental y la instalación audiovisual en torno al dibujo expandido. Han realizado exposiciones e intervenciones en instituciones nacionales e internacionales como el Museo ABC de Dibujo e Ilustración de Madrid, la New Media Gallery de Vancouver, la Bethanien Kunstraum Kreuzberg de Berlín, el Proyecto Circo de La Habana, Óptica Festival, Foconorte, Lumen_ex, Intransit 2011, Circuito Berlín 012, Instituto Cervantes de Berlín, MAG de Elche y en Museos como el de Bellas Artes de Asturias, el CCAI de Gijón, el MuVim de Valencia, Museo Barjola de Gijón o el Museo San Ildefonso de México DF.
Han realizado residencias de investigación artística en lugares como la Kunstlerhaus Glogauer de Berlín, exhibiendo en galerías de arte como Rafael Pérez Hernando, Gema Llamazares, Liebre, Espacio Líquido, Guillermina Caicoya y participado en ferias como ARCO, Swab Barcelona, Arte Lisboa, Arte Santander, Mulafest, Just Madrid y Estampa. Entre sus premios y becas se encuentran el “Premio joven JustMAG” de JustMAD, el Primer Premio de Arte40, la Beca AlNorte, el premio Ángel Andrade y las subvenciones del CCAI para el proyecto Hombre-Medicina de Senegal y la instalación "Animalium".
 https://laramascoto.com/
https://makespacemadrid.org/
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Organiza
Facultad de Bellas Artes
Universidad de Granada

Colabora
Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio
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“Prospectiva de un mundo en metamorfosis. La imaginación como elemento transformador y de acción política.”

Episodio #01 Colectivo Laramascoto. Seminario El saber oscuro

Stefanos Kroustallis
Profesor en Escuela Superior de Conservación y 
Restauración de Bienes Culturales de Madrid.
Moderadora: Ana López Montes (Comisión académica Máster producción e investigación en arte, BBAA Granada)
Título: "Textos oscuros sobre fondo claro: los recetarios medievales de tecnología artística”

Stefanos Kroustallis, Profesor de la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Madrid. Investigador ligado a la Historia de la Tecnología Artística. Está muy interesado en la búsqueda, interpretación y transmisión de conocimiento técnico y la transformación del artista, partiendo de textos medievales. Stefanos investiga la materialidad de la expresión artística a través de los tratados medievales de tecnología artística compilados en la Europa Occidental desde el siglo octavo hasta el siglo decimoquinto. Compilaciones de prescripciones técnicas en forma de recetas, que describen varios procesos relacionados con la producción artística en la Edad Media (más de 400 textos de distinta extensión y contenido): Composiciones tingendas o “Manuscrito de Lucca”, el Mappae Clavicula,  De diversis artibus del célebre monje Teófilo o  el muy conocido Il libro dell’arte de Cennino Cennini. Curiosidades y sobre todo, aprendizajes de un pasado que ilumina para el futuro y el presente. 

Es licenciado en Historia y Arqueología por la Universidad de Kapodistria Nacional de Atenas; Diplomado y Grado en Conservación y Restauración de Bienes Culturales (especialidad de documento gráfico) por la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Madrid; y Doctor en Historia por la Universidad Complutense de Madrid.

Ha desarrollado su actividad profesional como conservador - restaurador de bienes culturales en varios puestos de la administración así como en el sector privado. También ha trabajado como documentalista en varios proyectos museográficos y ha sido Técnico superior responsable del desarrollo del Tesauro y Diccionario de Materiales y Técnicas Artísticas (proyecto DOMUS del Ministerio de Cultura). En la actualidad es profesor interino en la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Madrid.

Su actividad investigadora se ha centrado en el estudio de la tecnología artística medieval, y especialmente con el estudio material del libro manuscrito iluminado. Ha participado en varios proyectos de investigación (nacionales e internacionales) sobre estos temas. Ha colaborado en la edición de varios libros colectivos, ha publicado 2 monografías y varios artículos y capítulos de libro.
https://es.linkedin.com/in/stefanos-kroustallis-76787132

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Episodio #06 Stefanos Kroustallis. Seminario El saber oscuro

Ed. Materia Oscura: David Wiehls Abraham Cordero
Editorial de literatura y filosofía, Madrid. 
Viernes, 3 de julio de 2020
-Abraham Cordero: Colaborador de Materia Oscura
Título “Shestov desencadenado. Tanatofilia, o por una filosofía de la muerte.”
- David Wiehls: Colaborador de la Editorial Materia Oscura.
Título de David Wiehls “Sub specienihili”
Moderador: Fernando Manjarrés (Editor Materia Oscura)

Duración del episodio
01:29:00

Resumen
En la primera de las intervenciones que dirige la editorial Materia Oscura, con el editor Fernando Manjarrés junto a los filósofos David Wiehls y Abraham Cordero, nos adentraremos dentro de la filosofía del límite, el realismo especulativo, el horror en la filosofía, el aceleracionismo y el CCRU (Unidad de Investigación de Cultura Cibernética). Ambos filósofos son de la Universidad de Barcelona y compañeros del grupo de investigación Límite. A su vez, colaboran con Materia Oscura y nos exponen su caso más relevante: Los Escritos del CCRU 1997-2003. Haremos un viaje desde Parménides, Deleuze, Heidegger a Quentin Meillassoux, Eugene Thacker, Ray Brassier, Thomas Metzinger, Lev Shestov, Miguel de Unamuno y Nick Land, entre otros muchos. 

Abraham Cordero
Graduado en Filosofía y máster en Pensamiento Contemporáneo y Tradición Clásica por la Universitat de Barcelona, donde actualmente cursa sus estudios de doctorado. Su investigación gira en torno a las principales corrientes de pensamiento actuales desde un marco existencialista, con un claro enfoque en el aceleracionismo y el realismo especulativo. Tras colaborar varios años con el grupo de investigación GIRCHE y trabajar desde un cuadro postdisciplinar cuestiones en relación con la globalización, el laicismo o la filosofía de la religión, formó junto a otros tres compañeros el grupo de investigación Límite; desde entonces organiza e imparte un seminario en la Universitat de Barcelona centrado en la vanguardia del pensamiento filosófico, abordando dichas corrientes desde una perspectiva clásica y ecléctica. También ha trabajado como traductor para Materia Oscura Editorial, en un esfuerzo por acercar los Escritos del CCRU (traducción y prólogo) al público de habla hispana.
 
David Wiehls
Graduado en Filosofía y estudiante del máster de Pensamiento Contemporáneo y Tradición Clásica en la Universidad de Barcelona. En 2019 formó junto a otros tres compañeros un grupo de trabajo e investigación bajo el nombre Límite, el cual pretende fomentar la producción de un pensamiento filosófico original en un diálogo con las corrientes filosóficas de vanguardia. Este trabajo cristalizó en el seminario Filosofías por venir, en el que se exploraron el realismo especulativo, el aceleracionismo y el pesimismo moderno, así como una relectura de Deleuze bajo la tesis de la antropología como pensamiento caníbal.
Sus líneas de investigación se centran en los debates en torno a los nuevos materialismos, el idealismo alemán y la relación entre ontología y matemáticas. Además, ha traducido y prologado los Escritos del CCRU en la editorial Materia Oscura, con la que colabora como redactor en su blog.
https://materiaoscuraeditorial.com/

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Episodio #07 Editorial Materia Oscura: Abraham Cordero y David Wiehls

PODCAST #09
Ernesto Castro
Profesor de Filosofía Antigua y Medieval (Universidad de Zaragoza)
Moderador: Fernando Manjarrés (Editor Materia Oscura)
Título “Introducción a la no-filosofía de François Laruelle”.

Resumen
Ernesto Castro nos hablará de su último libro editado por Materia Oscura “Realismo Postcolonial”, del filósofo François Laruelle para profundizar en su obra “Principios de no-filosofía”. Nos adentraremos en el realismo especulativo siguiendo la línea que vertebra la serie de podcasts que nos ofrece Materia Oscura, a través de la dirección de Fernando Manjarrés (nuevamente como moderador de la charla). La no-filosofía no es la negación de toda filosofía, sino que es una axiomática distinta. Estas reflexiones, junto con el realismo especulativo y postcontinental, abren el campo a la filosofía a pensar desde un prisma más liberador. Ernesto, a su vez, nos aporta nuevas reflexiones sobre la actual pandemia y de cómo todo esto, está influyendo en el campo del arte.

Ernesto Castro (Madrid, 1990) es doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y profesor de Filosofía Antigua y Medieval en la Universidad de Zaragoza. Ha escrito y publicado los libros de ensayo Contra la postmodernidad (Alpha Decay, 2011), Un palo al agua: ensayos de estética (Micromegas, 2016), El trap: filosofía millennial para la crisis en España (Errata Naturae, 2019), Realismo poscontinental: ontología y epistemología para el siglo XXI (Materia Oscura, 2020) y Ética, estética y política (en prensa). Sus poemas han sido incluidos en la antología Tenían veinte años y estaban locos (La Bella Varsovia, 2011).
https://ernestocastro.tumblr.com/

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Episodio #09 Editorial Materia Oscura: Ernesto Castro

PODCAST #10
Ed. Materia Oscura: Jesús Palacios
Escritor y crítico de cine. Profesional independiente. 
Colaborador de Materia Oscura editorial.
Moderador: Fernando Manjarrés (Editor Materia Oscura).
Título “El lado oscuro.”

Resumen
¿Por qué se ha convertido la ficción extraña en un motivo de indagación filosófica? Esta, entre otras preguntas, son en las que profundiza Jesús Palacios en este episodio. Durante la tradición filosófica el mundo fue creado para el hombre, siglos más tarde, el pensamiento ha topado con algunos límites. Los autores que se enmarcan dentro del realismo especulativo, han encontrado en la literatura fantástica y esencialmente en la terrorífica, a lo que los anglosajones llaman weird fiction, una nueva forma de hacer filosofía. “El horror sobrenatural, el horror cósmico, lo absolutamente extraño al hombre, al ser humano sin acudir demasiado aplicaciones científicas, aunque puede haber elementos de ciencia ficción sin acudir tampoco a elementos, digamos de racionalismo naturalista, como ocurría en la última fase de la novela gótica. Todo este tipo de ficción fanta-terrorífica oscura que no acaba de tener ni una explicación racionalista, ni irracionalista, sino que introduce el elemento de lo no humano, de lo inexplicable, de lo misterioso, de lo numinoso, en la experiencia humana” –dice Jesús–.

Jesús Palacios
Escritor y crítico cinematográfico, especializado en lo que gusta llamar el Lado Oscuro, autor de más de veinte libros sobre cine, literatura, esoterismo y cultura popular, que le han convertido en referente del género fantástico, de terror y ciencia ficción. Es colaborador habitual de festivales como Gijón, Las Palmas, SMIF, Sitges, la Semana Negra de Gijón o el Celsius 232. Asesor de la editorial Valdemar y conferenciante en universidades y centros culturales, publica asiduamente en El cultural de El mundo, Fotogramas, 2000 maníacos o Cine 2000, participando también en programas de radio y televisión. Sus libros más recientes son Hollywood maldito, en Valdemar Ediciones, y, como editor literario, Sigue grabando. Falso documental, metraje encontrado y telerrealidad en el nuevo cine de horror, para el Festival de Gijón, Eroguro. Horror y erotismo en la cultura popular japonesa (Satori) y Folk Horror. Lo ancestral y el cine fantástico (Hermenaute), presentado en la Semana de Cine Fantástico de San Sebastián.
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Episodio #10 Editorial Materia Oscura: Jesús Palacios

PODCAST #08
Ed. Materia Oscura: Mauro Reis y Federica Matelli
Editorial de literatura y filosofía, Madrid.
-Federica Matelli: Investigadora independiente y Doctora asociada AGI. Arte, Globalización, Interculturalidad (UB.Universidad de Barcelona).
Colaboradora de la editorial Materia Oscura.
-Mauro Reis: Editor literario, traductor independiente
y colaborador de la editorial Materia Oscura.
Título “Metáforas de la oscuridad. Eugene Thacker y las ruinas del saber”
Título “Pandemia 2020. Virus, monstruos y horror”
Moderador: Fernando Manjarrés (Editor Materia Oscura)

Resumen
En esta charla, nuevamente moderada por Fernando Manjarrés, escucharemos a Federica Matelli y Mauro Reis hablar sobre Eugene Thacker, estética y un análisis muy certero sobre la pandemia. Federica Matelli profundiza en la obra de Eugene Thacker, en concreto de su serie de volúmenes publicados con Materia Oscura: “El horror de la filosofía”. Un horror que remite a lo desconocido y que por ende, al no poder controlarlo, choca con el deseo de control del pensamiento occidental. Matelli analiza más concretamente el segundo volumen “Rutilante cadáver especulativo”. Filosofía orientada a los objetos, artistas que especulan en sus obras sobre los objetos tecnológicos más allá del humano… Mauro Reis nos presenta una reflexión sobre el elemento de horror en la actual pandemia a través del análisis de las representaciones de lo horrible en la línea de Nick Land y sus hipótesis sobre el “Horror abstracto” y a través también de las categorías contenidas en “En el polvo de este planeta” de Eugene Thacker. ¿Dónde se encuentra la línea de separación entre terror y horror en la presente pandemia? ¿Cuáles son las representaciones de lo horrible en el presente caso? ¿Qué relaciones se dan entre la noción de monstruo y las representaciones víricas? ¿Qué hay entonces de monstruoso en un virus? ¿Dónde se sitúa el virus en la línea que va del “horror monstruoso” al “horror abstracto”? Por último, esto me llevará a una reflexión sobre el horror y lo inhumano.
 
Federica Matelli
Investigadora, profesora y agente cultural italiana. Se doctoró en “Teoría e historia del arte contemporáneo” en la Universidad de Barcelona. Anteriormente, se licenció en “Filosofía, estética y teoría del arte contemporáneo” en la Universidad de Pisa, y realizó un Máster en “Curaduría y prácticas culturales en arte y nuevos medios” en ESDI y la Universidad Ramón Llull, organizado por el MECAD, el Centro de Medios de Arte y Diseño. Poco después comenzó a trabajar como comisaria e investigadora independiente. Ha comisariado diferentes selecciones de vídeos y exposiciones y colaborado con festivales, muestras e instituciones de prestigio internacional, entre ellas el ZKM | Centro de Arte y Tecnología de los Medios (Karlsruhe, Alemania, Beca MECAD 2006). Matelli ha dictado conferencias en seminarios y congresos de diferentes instituciones y universidades, ha realizado investigaciones para organismos públicos y privados dedicados al arte y ha publicado ensayos, artículos científicos y críticos, reseñas de arte y cultura contemporánea en diversas revistas, catálogos y plataformas en línea e impresas. A partir del 2018 colabora con la Editorial Materia Oscura como autora y traductora.
 
Mauro Reis
Editor literario y traductor independiente nacido en Ciudad de México. Ha editado las antologías “Aceleracionismo. Estrategias para una transición al postcapitalismo (2018)” y “Neo-operaismo (2020)”, ambos para la editorial argentina Caja Negra. Actualmente trabaja en la edición de un libro sobre narrativa weird, horror y pensamiento especulativo. Como traductor se especializa en filosofía y pensamiento político contemporáneos. Vive en Portugal.

Episodio #08 Editorial Materia Oscura: Federica Matelli y Mauro Reis

PODCAST #02
Mery Cuesta
Crítica de arte, comisaria de exposiciones y docente.
Moderador: Francisco José Sánchez Montalbán (Comisión académica Máster producción e investigación en arte y Decano de la Facultad de Bellas Artes de Granada)
Título “Centellas: Magia y cultura visual de lo oculto en el arte contemporáneo.”

Resumen
En este episodio hablamos con Mery cuesta, crítica de arte, comisaria de exposiciones, docente y dibujante de cómics, entre otras muchas cosas. Su carácter comunicador le lleva a protagonizar programas de radio como Efecto Doppler en Radio 3 o Radio Éter en el CCCB. La charla con Mery está dividida en dos bloques: El primero, en el que vamos a abordar algún otro de sus proyectos y cómo cierta concepción del artístico, a modo de acto mágico, interviene directamente en ellos y ejerce o confiere un carácter diferencial; y en un segundo momento, trataremos algunos abordajes de los receptores visuales de lo oscuro y lo oculto en sus prácticas. Magia, centellas como impulsos de energía, Outsider Art, Art Brut, vampiros. Pero sobre todo, Mery siempre intenta que la mujer esté presente en sus investigaciones y discursos. Esta profesional de la cultura que con su actitud nos despierta ante las realidades, nos empuja hacia el descubrimiento y la aventura de sus próximos proyectos.

Vive y trabaja en Barcelona. Como crítica de arte, desarrolló su carrera en La Vanguardia durante más de una década. Actualmente, conduce la sección sobre crítica de arte titulada 'Centellas' en el programa 'Efecto Doppler' de Radio 3 - RNE, y escribe crítica de arte y de cómic en el suplemento 'La esfera de papel' del periódico El Mundo. Como comisaria, sus proyectos abordan cuestiones relativas a la cultura popular, el outsider art y la disección crítica de los mecanismos del arte contemporáneo. Ha comisariado una treintena de exposiciones tales como ‘Quinquis de los 80: Cine, prensa y calle’, el Pabellón catalán en la Bienal de Venecia (2017) o ‘Humor absurdo: Una constelación del disparate en España’, actualmente en el CA2M Madrid. Es la Directora del Master de Ilustración y Comic en Elisava-Universidad de Diseño y Ingeniería de Barcelona, y profesora de Arte Contemporáneo en la Facultad de Comunicación Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra. Como dibujante, centra su trabajo en el formato del ensayo-cómic dibujando tiras para la revistas Mongolia. Su ensayo más reciente es ‘Humor absurdo: Una constelación del disparate en España’ publicado por la editorial Astiberri. Ha sido galardonada en 2019 con un premio Graffica por su contribución "a la difusión crítica de la cultura popular y underground", en palabras del jurado.
http://merycuesta.com/
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Episodio #02 Mery Cuesta. Seminario El saber oscuro

PODCAST #12 
Joan Fontcuberta 
Artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte español especializado en fotografía.
Moderadores: Asunción Lozano y Pedro Osakar (Comisión académica Máster producción e investigación en arte, BBAA Granada)
Título “La postfotografía a examen: La furia de las imágenes.”

Resumen
Joan Fontcuberta es más que uno de los artistas españoles más relevantes, es teórico de la imagen, según algunos, filósofo de las imágenes. Demuestra en su discurso una clara intención política con respecto a este nuevo mundo al cual califica de mundo-imagen. Las mercancías de un sistema que nos controla completamente y que él, a través de su trabajo, nos muestra con mayor claridad. Generador de nuevo términos, el término prescribir más que el de crear sentidos como autor esto supone, además una toma de postura de conciencia. La superabundancia de las imágenes en el capitalismo de las mismas. Deconstruyendo la idea romántica de que las imágenes son verdad y objetividad, sino más bien constructos, mentiras, cargadas de subjetividad y elementos de fuera. En un mundo en el todo podemos hacer fotos, somos por primera vez en la historia productores y consumidores de forma simultánea. 

Joan Fontcuberta (1955, Barcelona), artista y ensayista imprescindible para entender la fotografía hoy, se califica a sí mismo de homo photographicus. Y es que Joan Fontcuberta lleva experimentando con la fotografía y sus lenguajes más de 40 años. Redes sociales, móviles, saturación de imágenes… Todo se une en este pionero del arte fotográfico, convertido en uno de sus teóricos esenciales. 

En la obra de Joan Fontcuberta pueden diferenciarse infinidad de rasgos formales, en los que el espectador no va a conseguir encontrar un estilo concreto. Es en el contenido donde se encuentra su estilo, no en la disparidad de la forma.
En su trabajo convergen el surrealismo o el dadaísmo, que proviene de su espíritu rebelde, disparatado; por otro, el arte conceptual, que procede de una vertiente cerebral y analítica del artista. Y de ambos movimientos extrae la iconografía por un lado y el trasfondo conceptual por el otro.

Es autor de infinidad de textos y ensayos con un recorrido teórico especializado en el análisis de la fotografía y la imagen como fenómeno cultural. Nos detenemos en su último libro publicado en febrero de este año, La furia de las imágenes donde aborda la segunda revolución digital –caracterizada por la preeminencia de Internet, las redes sociales y la telefonía móvil– y la sociedad hipermoderna –caracterizada por el exceso y por la asfixia del consumo– consolidado lo que él mismo define cómo era postfotográfica. 
https://www.fontcuberta.com/

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Episodio #12 Joan Fontcuberta. Seminario El saber oscuro

PODCAST #11
Sergio García Sánchez 
Profesor Titular del Departamento de Dibujo de la Universidad de Granada.
Moderadora: Rosario Velasco (Equipo de gestión curatorial FACBA 20 y Profesora del Departamento de Dibujo Bellas Artes Granada)
Título “Narración gráfica experimental.”

Resumen
Sergio García, uno de los dibujantes españoles más apreciados en Nueva York y en París. Es profesor de la Facultad de Bellas Artes de Granada. Sergio es un historietista y teórico de la historieta. Trabaja con numerosas editoriales nacionales e internacionales. Actualmente está muy centrado en el periodismo gráfico y en la narración gráfica experimental. Colabora con el New York Times y con El País. En este podcast, nos adentramos en las profundidades teóricas y técnicas del dibujante, sus inquietudes, y sus extensas investigaciones artísticas. En su evolución dentro del mundo de la viñeta, Sergio ha expandido su género hacia la sala expositiva, allí encuentra otra manera sobre la que articular un discurso normalmente marcado por la comunicación. En ese intersección entre la comunicación y el arte, Sergio nos muestra aspectos relevantes de sus últimas exposiciones, “Viñetas desbordadas” en el José Guerrero y actualmente ha trabajado en “Guerra”, su próxima exposición en el Museo Picasso de París.  

Su trabajo ha sido reconocido por los Premios ÑH (2019), Premios APIM (2019), The Society of Illustrators (2016), American Illustration (AI37), School Library Journal (2016), Conferencia anual del libro de la biblioteca del Congreso de EEUU, representando al estado de Nueva York (2016), Kirkus (2016), Festival Internacional de Bande Dessinnée de Sierre (2001) , libro recomendado por el Ministerio de Enseñanza de Francia (2002), CBBD-Centre Belge de la Bande Déssinne (1997). Ha realizado exposiciones en Angoulême, Barcelona, Bruselas, Berlín, Frankfurt, Granada, Ginebra, Madrid y Nueva York.
http://www.sergiogarciasanchez.com/

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Episodio #11 Sergio García Sánchez. Seminario El saber oscuro

La Facultad de Bellas Artes de Granada es un centro docente universitario perteneciente a la Universidad de Granada, dedicado a la docencia e investigación de los estudios de bellas artes.
https://bellasartes.ugr.es/

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