« I'm Not in Love » ("No estoy enamorado”) es una canción del grupo británico 10cc , escrita por sus miembros Eric Stewart y Graham Gouldman . Es conocida por su innovadora y distintiva pista de acompañamiento, compuesta principalmente por las voces multipistas de la banda . Lanzada en el Reino Unido en mayo de 1975 como el segundo sencillo del tercer álbum de la banda, The Original Soundtrack , se convirtió en el segundo de los tres sencillos número uno del grupo en el Reino Unido entre 1973 y 1978, encabezando la lista de sencillos del Reino Unido durante dos semanas. «I'm Not in Love» se convirtió en el gran éxito de la banda fuera del Reino Unido, encabezando las listas en Canadá e Irlanda, además de alcanzar el top 10 en varios otros países, como Australia, Alemania Occidental, Nueva Zelanda, Noruega y Estados Unidos.
Escrita principalmente por Stewart como respuesta a la declaración de su esposa de que no le decía con suficiente frecuencia que la amaba, "I'm Not in Love" fue concebida originalmente como una bossa nova tocada con guitarras, pero a los otros dos miembros de la banda, Kevin Godley y Lol Creme , no les convenció la idea y la abandonaron. Sin embargo, tras escuchar a miembros de su equipo seguir cantando la melodía en el estudio, Stewart convenció al grupo para que le dieran otra oportunidad, a lo que Godley respondió que para que funcionara, necesitaba un cambio radical y sugirió que la banda intentara crear una nueva versión usando solo voces.
A Stewart se le ocurrió la idea de la canción después de que su esposa, con quien llevaba ocho años casado, le preguntara por qué no le decía "Te amo" más a menudo. Stewart comentó: "Tenía la loca idea de que repetir esas palabras de alguna manera degradaría el significado, así que le dije: 'Bueno, si digo todos los días 'Te amo, cariño, te amo, bla, bla, bla', al final no significará nada'. Esa afirmación me llevó a buscar otra forma de decirlo, y el resultado fue que elegí 'No estoy enamorado de ti', mientras sutilmente, a lo largo de la canción, explicaba todas las razones por las que nunca podría dejar esta relación". 
Stewart escribió la mayor parte de la melodía y la letra en la guitarra antes de llevarla al estudio, donde Gouldman se ofreció a ayudarlo a completar la canción. Gouldman sugirió algunos acordes diferentes para la melodía y también ideó la introducción y el puente. Stewart comentó que ambos pasaron dos o tres días escribiendo la canción, que en ese momento tenía un ritmo de bossa nova y usaba principalmente guitarras, antes de tocársela a Godley y Creme. Stewart grabó una versión con los otros tres miembros tocando la canción en el estudio con instrumentos tradicionales: Creme a la guitarra, Gouldman al bajo y Godley a la batería. Sin embargo, a Godley y Creme no les gustó la canción, en particular a Godley, como Stewart recordó más tarde: «Dijo: 'Es una porquería', y yo le dije: 'Ah, vale, ¿tienes algo constructivo que añadir? ¿Puedes sugerir algo?'. Él dijo: 'No. No funciona, tío. Es una porquería, ¿no? ¡Tírala!'». Y lo hicimos. Lo tiramos y hasta lo borramos, así que no queda ninguna cinta de esa versión de bossa nova. 
Tras abandonar "I'm Not in Love", Stewart y Gouldman centraron su atención en el tema " Une Nuit a Paris ", en el que Godley y Creme habían estado trabajando y que posteriormente se convertiría en el tema de apertura del álbum The Original Soundtrack . Sin embargo, Stewart notó que el personal de los Strawberry Studios de la banda seguía cantando la melodía de "I'm Not in Love", lo que lo convenció de pedir a los demás miembros del grupo que consideraran revivir la canción.

I’m not in love

«Viento dile a la lluvia», creado por Litto Nebbia e interpretado por la banda argentina Los Gatos, es una canción de rock argentino que fue lanzada como sencillo en 1968, y luego fue incluido como tema del álbum del mismo nombre, lanzado ese año. Fue uno de los grandes éxitos de Los Gatos, probablemente el más importante luego de «La balsa».

El sencillo (RCA Vik 31Z-1259) contiene «Viento dile a la lluvia», en el Lado A, y «Déjame Buscar felicidad», en el Lado B. Las ventas del sencillo superaron las 200.000 unidades vendidas.

La letra es simple pero muy efectiva: el cantante le pide al viento que interceda ante la lluvia, para pedirle que se detenga, para que él pueda volar.
La canción consta de dos estrofas. En la primera el cantante dice que "hace más de una semana, que estoy en mi nido, sin poder volar". En la segunda, aclara que está con su compañera.
Casi cuarenta años después de realizada, Litto Nebbia realizó la siguiente reflexión sobre la canción:
"Viento dile a la lluvia". Una armonía simple, pero en esa época, muy pocos sabían los acordes de paso que llevaba. La melodía es una cosa muy fuerte, de ésas que pueden perdurar cien años. Sumá estos detalles. Era la primera vez que una canción en ritmo lento llega a ser un hit representativo para la juventud, y también la primera vez que para referirnos a la libertad se habla metafóricamente a través de una historia fabulesca de un pajarito y la lluvia...

Musicalmente el tema es una balada orquestal compleja de inspiración soul (muy de moda por aquellos años) y temática romántica. El teclado imprime sobre los arreglos clásicos un toque del rock experimental y psicodélico que comenzaba a caracterizar a la banda.
Se trata de una melodía sin estribillo, en dos partes, sostenida por suaves armonías del órgano sobre una base repetida de la secuencia Do mayor-Fa mayor séptima (Fmaj7) de gran estabilidad, que se rompe para subir mediante acordes de paso -una innovación en el rock argentino- a La mayor e iniciar una nueva secuencia abundante en disonancias: Re menor-fa menor-Do mayor-La menor-Re menor, antes de volver a la base Do mayor-Fa mayor séptima (Fmaj7). El canto está realizado con cámara de eco.

En 1976 el cantante italiano Domenico Modugno grabó una versión en italiano, titulada "Il passero", que fue incluida en el álbum L'anniversario.

Viento dile a la lluvia

« A Hard Day's Night » (Anochecer de un día agitado)es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles . Atribuida a Lennon-McCartney , fue escrita principalmente por John Lennon, con una pequeña colaboración de Paul McCartney. Fue lanzada en la banda sonora de A Hard Day's Night en 1964. También se lanzó como sencillo en el Reino Unido y en Estados Unidos (con « I Should Have Known Better » como cara B).
La canción tuvo un papel destacado en el primer largometraje de los Beatles, A Hard Day's Night . Encabezó las listas de éxitos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos cuando se lanzó como sencillo. Los sencillos estadounidenses y británicos de "A Hard Day's Night", así como los álbumes estadounidenses y británicos del mismo título, se mantuvieron en el primer puesto de sus respectivas listas simultáneamente durante un par de semanas en agosto de 1964, la primera vez que un artista lograba esta hazaña.
Lennon compuso la canción en una noche y la presentó para que la comentaran a la mañana siguiente. Como describió en su entrevista con Playboy en 1980 : «A la mañana siguiente presenté la canción... porque había una pequeña competencia entre Paul y yo por ver quién se quedaba con la cara A, quién conseguía los éxitos. Si se fijan, al principio la mayoría de los sencillos, tanto en el cine como en otras cosas, eran míos... al principio yo dominaba el grupo... La razón por la que Paul cantó en 'A Hard Day's Night' (en el puente) es porque yo no alcanzaba las notas». Sin embargo, McCartney y otros recuerdan que McCartney colaboró con Lennon.
El 16 de abril de 1964, los Beatles se reunieron en el Estudio 2 de EMI Studios y grabaron «A Hard Day's Night». Les tomó menos de tres horas pulir la canción para su lanzamiento final, y finalmente seleccionaron la novena toma como la que se publicaría. 
Durante la grabación de "A Hard Day's Night", Lennon y McCartney grabaron sus voces en doble pista, incluido el estribillo. Lennon canta la voz principal en las estrofas y Paul la principal en la octava central. Durante el estribillo, McCartney se encarga de la armonía aguda y Lennon de la grave. La toma 7 revela que la letra aún no estaba definida, con Lennon cantando "You Make Me Feel All Right" y McCartney y Harrison aún inseguros con sus respectivas líneas, terminando con Lennon reprendiéndolos con la frase "I heard a funny chord" (Escuché un acorde raro).
El solo instrumental lo interpreta Harrison con una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas, con Martin tocando el piano. La grabación se realizó a media velocidad y luego se aceleró al máximo. Grabar este solo fue la parte más laboriosa de la sesión. Una toma publicada en un bootleg en la década de 1980 muestra a Harrison cometiendo errores al tocar. Según la descripción de los editores de Rolling Stone : «Pero para cuando la sesión terminó a las 10 de la noche, había esculpido uno de sus solos más memorables: una carrera ascendente tocada dos veces y coronada con una floritura circular, con el repique de campana de su guitarra repetido al piano por Martin». 
La canción cierra con Harrison tocando un arpegio del acorde inicial (Fadd9) durante el desvanecimiento. 
La letra habla de la devoción del cantante por su amante y de cómo trabaja para que ella pueda comprarle lo que quiere. El cantante canta sobre su cansancio al llegar a casa del trabajo, pero sobre cómo las cosas que hace su amante lo animan.
La canción fue la quinta de siete canciones de los Beatles en alcanzar el número 1 en un año, un récord histórico en las listas estadounidenses. En orden, fueron « I Want to Hold Your Hand », « She Loves You », « Can't Buy Me Love », « Love Me Do », «A Hard Day's Night», « I Feel Fine » y « Eight Days a Week ». También fue la sexta de siete canciones escritas por Lennon-McCartney en alcanzar el número 1 en 1964, un récord histórico en las listas estadounidenses por la mayor cantidad de canciones escritas en alcanzar el número 1 en el mismo año.

A hards day’s night

True fue lanzada el 15 de abril de 1983 como tercer sencillo del álbum homónimo, grabado entre octubre y diciembre de 1982 en Compass Point Studios (Bahamas) y Red Bus (Londres)  ￼.
   •   Autor y musa: La canción fue compuesta por Gary Kemp, guitarrista y compositor principal, como una expresión de sus sentimientos hacia Clare Grogan, vocalista de Altered Images. Aunque la relación fue platónica, él la idealizó profundamente  ￼.
   •   Contexto emocional: Kemp describió el tema como una metáfora del desafío de escribir una canción de amor honesta: “¿Por qué me es tan difícil escribir la siguiente línea, cuando deseo que se diga la verdad?”  ￼.
   •   Referencias literarias: La línea “Take your seaside arms” es un guiño deliberado a Lolita de Vladimir Nabokov, novela que Grogan le había regalado. En el libro aparece “seaside limbs”, y este tipo de detalles simbólicos pueblan la letra  ￼.

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Estilo musical y desarrollo
   •   Influencias: La canción marca una transición desde el estilo “New Romantic” hacia un sonido más soulful, buscando inspiración en artistas como Marvin Gaye y Al Green  ￼.
   •   Instrumentación clave: Steve Norman, del grupo, aportó un solo de saxofón distintivo que se convirtió en uno de los más memorables de los 80s  ￼.
   •   Estrategia de lanzamiento: La banda primero lanzó los sencillos “Lifeline” y “Communication” para re-posicionarse en la escena pop antes de que el fenómeno True cobrara vida  ￼.

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Impacto histórico
   •   Éxito comercial: True alcanzó el número 1 en Reino Unido durante cuatro semanas en abril de 1983 y fue un éxito en más de 20 países. En Estados Unidos llegó al top 5 del Billboard Hot 100 y al número 1 en Adult Contemporary  ￼.
   •   Legado radiante: Este tema se volvió el mayor éxito de Spandau Ballet y su canción más emblemática. En EE.UU., ha sido una de las canciones más radiadas de la historia  ￼.
   •   Cultura popular: True ha sido versionada por artistas como Paul Anka, sampleada por P.M. Dawn (en su hits Set Adrift on Memory Bliss) y usada en películas como Sixteen Candles y 50 First Dates, además de series como Modern Family  ￼.
   •   Live Aid: La banda cerró su presentación en el concierto benéfico Live Aid en 1985 con esta canción, consolidando su importancia cultural  ￼.

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Interpretaciones musicales
   •   Temática y lirismo profundo: La canción puede entenderse como un “amor no correspondido” o, más profundamente, como el propio acto de confrontar la dificultad de expresar una verdad emocional  ￼ ￼ ￼.
   •   Reacciones del público: Opiniones en foros reflejan que, aunque a veces se interpreta como un tema indefinido, su poder emerge de esa sensación nostálgica e inefable  ￼.

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En resumen

True es mucho más que una balada pop de los 80: es el fruto de una confesión emocional personal, de un cambio estilístico audaz y de una ejecución musical impecable que permitió a Spandau Ballet escalar al estrellato global. Su legado perdura gracias a su honesta melancolía y su honestidad melódica.
Letra
Cada vez que pienso en ti
el mundo queda atrás,
la distancia se desvanece
y solo quedas tú.
Es tan difícil encontrar
la frase que decir,
pero sé que en esta historia
todo es de verdad.

Estribillo
Verdadero… como el cielo en la mañana,
verdadero… como el sol sobre el mar,
aunque el tiempo corra y todo cambie,
lo que siento aquí no morirá.

Verso 2
Guardo en mí tu risa azul,
tu voz de claridad,
y este sueño que persigo
no se va jamás.
Hay silencios que me dan
respuestas sin hablar,
y aunque no estés a mi lado
sé que volverás.

Estribillo
Verdadero… como el fuego que me llama,
verdadero… como el sol sobre el mar,
aunque el tiempo corra y todo cambie,
lo que siento aquí no morirá.

(Solo de saxo / guitarra improvisado – mismo compás que el original)

Coda
Verdadero… oh, verdadero…
Siempre tú… siempre tú…
Verdadero.

True

La Barca
   •   Compositor: Roberto Cantoral García (México, 1935–2010)
   •   Género: Bolero
   •   Año de composición: 1957
   •   Primera interpretación: Dúo Los Tres Caballeros (del que Cantoral formaba parte)
   •   Grabaciones emblemáticas:
      •   Los Tres Caballeros (1957)
      •   Lucho Gatica (Chile, 1958)
      •   Luis Miguel (México, 1991, álbum Romance)

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📜 Contexto histórico
   •   Roberto Cantoral compuso La Barca inspirado en una despedida amorosa vivida en un puerto del Pacífico mexicano.
   •   La canción se convirtió en un estándar del bolero latinoamericano, interpretada por figuras como Plácido Domingo, José Feliciano, Rocío Dúrcal y Luis Miguel.
   •   Luis Miguel la incluyó en su álbum “Romance” (1991), producido por Armando Manzanero, que revitalizó el bolero y lo llevó a un público joven.
   •   El álbum Romance vendió más de 7 millones de copias en todo el mundo y marcó un renacimiento comercial del género.

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🎤 Roberto Cantoral — breve biografía
   •   Nacimiento: 7 de junio de 1935, Ciudad Madero, Tamaulipas, México
   •   Muerte: 7 de agosto de 2010, Toluca, México
   •   Integrante de Los Tres Caballeros junto a Leonel Gálvez y Chamin Correa.
   •   Autor de otros éxitos: El reloj, Al final, Quien como tú.
   •   Presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México por más de 20 años.

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📀 Versión de Luis Miguel
   •   Álbum: Romance (1991)
   •   Productor: Armando Manzanero, con arreglos de Bebu Silvetti
   •   Estilo: Bolero clásico con orquesta, respetando la estructura original pero con sonido contemporáneo.
   •   Impacto: Acercó el bolero a nuevas generaciones y fue uno de los sencillos más exitosos del disco.
   •   Premios: Aunque La Barca no ganó un premio específico, el álbum Romance obtuvo múltiples reconocimientos y es uno de los discos en español más vendidos de la historia.
Letra

Dicen que la distancia es el olvido
Pero yo no concibo esa razón
Porque yo seguiré siendo el cautivo
De los caprichos de tu corazón
Supiste esclarecer mis pensamientos
Me diste la verdad que yo soñé
Ahuyentaste de mí los sufrimientos
En la primera noche que te amé
Hoy mi playa se viste de amargura, oh
Porque tu barca tiene que partir
A cruzar otros mares de locura
Cuida que no naufrague en tu vivir
Cuando la luz del sol se esté apagando y
Te sientas cansada de vagar
Piensa que yo por ti estaré esperando
Hasta que tú decidas regresar
Supiste esclarecer mis pensamientos
Me diste la verdad que yo soñé
Ahuyentaste de mí los sufrimientos
En la primera noche que te amé
Hoy mi playa se viste de amargura
Porque tu barca tiene que partir
A cruzar otros mares de locura
Cuida que no naufrague en tu vivir
Cuando la luz del sol se esté apagando y
Te sientas cansada de vagar
Piensa que yo por ti estaré esperando
Hasta que tú decidas regresar
(Hasta que tú decidas regresar)

La Barca

“Classic”
   •   Artista: Adrian Gurvitz (cantautor británico)  ￼
   •   Lanzamiento: Como sencillo a principios de 1982, es la canción principal del álbum Classic.
   •   Grabación: Fue grabada en 1981  ￼.
   •   Género: Soft rock / balada romántica  ￼.
   •   Duración: Versión de álbum ~4:55, versión para sencillo ~3:39  ￼.
   •   Sello discográfico: RAK Records  ￼.
   •   Composición y producción: Escrito por Adrian Gurvitz; producido por Adrian Gurvitz y Paul Gurvitz  ￼.

Rendimiento en los charts:
   •   Reino Unido: Alcanzó el puesto n.º 8 en la lista de sencillos  ￼.
   •   Australia: Llegó al n.º 12 en la lista Kent Music Report, y ocupó el puesto n.º 47 en el ranking anual  ￼.
   •   Fue una de las baladas más radiadas en Inglaterra durante 1982  ￼.

Acerca de Adrian Gurvitz
   •   Nombre completo: Adrian Curtis Gurvitz, nacido el 26 de junio de 1949 en Londres, Inglaterra  ￼.
   •   Trayectoria musical:
      •   Comenzó muy joven a tocar guitarra: a los 8 años ya la tocaba, y apenas a los 15 estaba de gira con bandas como Screaming Lord Sutch, Billie Davis y Crispian St. Peters  ￼.
      •   Formó parte de varias bandas influyentes: Rupert’s People, Gun (con el éxito “Race with the Devil”), Three Man Army, y Baker Gurvitz Army (con el mítico Ginger Baker), entre otras  ￼.
      •   En el ámbito solista, lanzó álbumes como Sweet Vendetta (1979), Il Assassino (1980) y Classic (1982), este último con el éxito del sencillo que da nombre al disco  ￼.
   •   Otros logros como compositor:
      •   Escribió “The Love in Your Eyes” para Eddie Money (top 10 en Billboard, y nº 1 en Mainstream Rock) y coescribió “Even If My Heart Would Break” para la banda sonora de The Bodyguard (álbum ganador del Grammy y megaéxito global)  ￼.
   •   Estilo como guitarrista: Famoso por sus solos técnicos y potentes; fue incluido en una lista de los “mejores guitarristas del mundo” en la revista Melody Maker.

Letra en español de “Classic”

Voy a escribir un clásico,
voy a escribirlo en un ático.
Nena, ahora soy un adicto,
un adicto a tu amor.
Era un chico vagabundo,
tú eras mi mejor juguete.
Te molestaba con facilidad,
pero eras distinta al resto.
Te amé de la forma equivocada.
Y ahora, escúchame decir:
si cambiara de estilo,
¿marcaría la diferencia?
¿Podría ser un clásico?
Tengo que enviarlo enseguida.

Vivo un día a la vez
desde que perdí tu amor;
he ido perdiendo la razón.
Ya no puedo ver el futuro claramente,
y no es lo que quiero decir;
no es como parece.
Sigo viviendo por sueños.

(Repite el coro sobre escribir un clásico, en un ático, adicto a tu amor…)
￼ ￼

Classic

“Eye in the Sky”
   •   Tema principal del álbum, lanzado como sencillo en mayo de 1982. En el álbum, la pieza instrumental “Sirius” lo precede, aunque en la versión del sencillo se omite “Sirius”  ￼.
   •   Compositores: Alan Parsons y Eric Woolfson; productores: ambos también  ￼.
   •   Género: rock/pop suave, art pop, yacht rock y progresivo  ￼.
   •   Tiene una duración aproximada de 4:36 en la versión de álbum y 3:55 en la edición de 7 pulgadas  ￼.
   •   Fue un gran éxito internacional: alcanzó el n.º 3 en Billboard Hot 100 (EE. UU.), n.º 1 en Canadá y España, y n.º 6 en Nueva Zelanda  ￼.
   •   En 2019, Alan Parsons grabó una versión en catalán titulada “Seré els teus ulls al camí” como parte de una campaña benéfica  ￼.

4. Temática e Inspiración
   •   El título y la letra sugieren un sentimiento de vigilancia omnipresente, similar al concepto de “Gran Hermano” en 1984 de George Orwell  ￼ ￼.
   •   También se interpreta como una reflexión sobre sistemas de creencias —religiosas, políticas, de suerte— y la idea de que “alguien nos está observando” desde lo alto  ￼.
   •   Un comentario curioso en Reddit sugiere una interpretación relacionada con vigilancia en casinos (el “pit boss” y las cámaras en el techo), pero otros usuarios lo desmienten  ￼.

5. Colaboradores Destacados
   •   Voz principal: Eric Woolfson.
   •   Músicos habituales del proyecto: Ian Bairnson (guitarras), David Paton (bajo), Stuart Elliott (batería), Chris Rainbow (coros), entre otros.

Resumen temático: el narrador asume el rol de un observador que ve a través de las mentiras (“ojo en el cielo”), pone límites, renuncia a discusiones circulares y advierte que no lo van a engañar más. Es una metáfora de vigilancia/claridad emocional más que de control literal.

Mini-traducciones (≤90 caracteres):
   •   “Soy el ojo en el cielo, te estoy mirando, puedo leer tu mente.”
   •   “No digas cosas de las que te vayas a arrepentir.”

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Análisis armónico (compacto y útil para tocar)

Tonalidad y modo. La canción se mueve entre B menor (versos) y su relativo D mayor (estribillo). Es típico escuchar un vamp Bm–G en la intro/versos y una resolución clara a D en el estribillo.  ￼

Métrica y tempo. 4/4 a ~112 BPM. El groove acentúa 3-3-2 dentro del compás, lo que da esa sensación de avance hipnótico.  ￼ ￼ ￼

Color modal clave. El paso G → Gm en contexto de D mayor es una mezcla modal (iv prestado) que oscurece el clima justo antes de resolver hacia acordes de Bm/Em o volver a D. Ese iv prestado es gran parte del “sello” del tema. (Escúchalo en los versos y al cierre del estribillo).

Eye in the sky

Autor: Paul Anka, cantante y compositor canadiense, escribió “She’s a Lady” a fines de 1970.
   •   Contexto: Anka, conocido por su prolífica carrera como creador de baladas y temas pop, había escrito ya varios éxitos para otros artistas (incluido My Way para Frank Sinatra). En este caso, concibió la canción para Tom Jones, con quien tenía una relación artística cercana.
   •   Estilo: La obra es un clásico del pop orquestal con fuerte influencia soul, escrita en un tono de homenaje a la figura femenina. La letra describe a una mujer admirada y respetada, con un tono galante y caballeresco.

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Publicación y éxito
   •   Lanzamiento: Tom Jones grabó la canción y la lanzó como sencillo en enero de 1971.
   •   Éxito en rankings: Alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100 en EE.UU. (solo superada por Me and Bobby McGee de Janis Joplin), y llegó al número 1 en el Cash Box chart.
   •   Fue uno de los mayores éxitos internacionales de Jones y se convirtió en parte esencial de su repertorio.
   •   En el Reino Unido, curiosamente, no tuvo el mismo impacto comercial, pero en Norteamérica consolidó a Jones como una estrella de la canción pop-soul.

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Estilo e interpretación de Tom Jones
   •   La versión de Tom Jones es la que inmortalizó el tema.
   •   Jones le imprime su característica voz potente, de timbre cálido y con tintes de soul, que contrasta con la orquestación pop orquestal y los coros femeninos de apoyo.
   •   La interpretación es expansiva, sensual y segura, reforzando la imagen de Jones como un ídolo masculino con fuerte magnetismo escénico.
   •   La canción se convirtió en un símbolo de su estilo: apasionado, lleno de energía y con un aire de sofisticación caballeresca.

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Legado
   •   Reconocimiento: “She’s a Lady” sigue siendo el mayor éxito estadounidense de Tom Jones.
   •   En la cultura popular: Aparece en recopilatorios, especiales de televisión y bandas sonoras. Se ha versionado en distintos estilos, pero la impronta de Jones permanece como la definitiva.
   •   Relación Paul Anka - Tom Jones: La colaboración reforzó la capacidad de Anka como compositor de éxitos para otros artistas y consolidó a Jones en el mercado estadounidense.

LETRA

Ella es todo lo que soñé,
la mujer que siempre quise y llevaré a cenar.

Siempre sabe dónde estar,
tiene estilo, tiene gracia, y nunca va a fallar.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

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Nunca estorba al caminar,
siempre tiene una sonrisa y algo bueno que dar.

Sé que puedo confiar,
ella sola se defiende y nada puede andar mal.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

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Nunca pide más de lo normal,
y yo todo se lo quiero dar.

Con respeto la sabré cuidar,
jamás la heriría, no lo haría jamás.

Lo que tiene no se encuentra más,
y perderla no lo aguantaría.

Juntos vamos a poder lograr
que una arcilla se haga montaña.

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Ella sabe quién yo soy,
lo que tengo y lo que doy, aunque no sea fácil.

Ella sabe cómo amar,
cómo hacerme sonreír y siempre me complace.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

She’s a lady

Herb Alpert - 'Rise'
• Composición y origen: “Rise” fue compuesta por Andy Armer y Randy “Badazz” Alpert (sobrino de Herb). Inicialmente se pensó como un tema de baile disco, pero Herb decidió grabarla con un tempo más lento, creando una fusión única entre jazz-pop, funk y R&B instrumental.
• Lanzamiento: Agosto de 1979, dentro del álbum homónimo Rise.
• Estilo: Es un instrumental caracterizado por el uso de la trompeta de Alpert sobre un groove funk con sintetizadores y bajo marcado, muy innovador para la época.
• Contexto histórico: Fue parte de la reinvención de Herb Alpert tras sus grandes éxitos de los años 60 con la Tijuana Brass. Con Rise, Alpert demostró que podía adaptarse a las tendencias de finales de los 70.

🎺 Comentarios sobre la versión de Herb Alpert
• La versión de Alpert es la original y definitiva: elegante, moderna y sofisticada, con un sonido que mezcla elementos de jazz con ritmos contemporáneos.
• Su trompeta brilla con un fraseo cálido y melódico, que evita la estridencia.
• Fue un corte que revitalizó su carrera: después de un tiempo sin grandes éxitos, volvió a la cima de las listas internacionales.
• Su sonoridad influyó en posteriores instrumentales pop y fue muy usada en programas de televisión, comerciales y eventos deportivos.
• En los 90, “Rise” ganó nueva popularidad porque fue sampleada en “Hypnotize” de The Notorious B.I.G. (1997), introduciendo el tema a una nueva generación.

🏆 Reconocimientos y premios
• Billboard Hot 100: alcanzó el #1 en octubre de 1979, siendo el único instrumental en lograrlo en toda la década del 70.
• Billboard Adult Contemporary: también llegó al #1.
• Grammy Award 1980: ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
• Se convirtió en un clásico instrumental de la música popular norteamericana, y consolidó a Herb Alpert como el único artista en alcanzar el #1 en Billboard tanto con un tema vocal (“This Guy’s in Love with You”, 1968) como con un instrumental (“Rise”, 1979).

📅 Línea de tiempo de 'Rise'
• 1979 (agosto): Lanzamiento del sencillo y del álbum homónimo Rise.
• 1979 (octubre): #1 en Billboard Hot 100 y Adult Contemporary.
• 1980: Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
• 1997: Sampleada en el clásico del hip-hop 'Hypnotize' de The Notorious B.I.G., alcanzando nueva relevancia.
• Actualidad: Sigue siendo un referente del jazz-pop instrumental y un hito en la carrera de Herb Alpert.

Rise

“Fragile” fue escrita e interpretada por Sting (Gordon Sumner). Fue lanzada en 1987 dentro de su segundo álbum solista …Nothing Like the Sun.
   •   Inspiración: Sting la compuso como un homenaje a Ben Linder, un ingeniero civil estadounidense asesinado en Nicaragua en 1987 mientras trabajaba en proyectos de energía hidroeléctrica. Linder fue muerto por la “Contra”, en el marco de la guerra civil nicaragüense.
La canción expresa la fragilidad de la vida humana y la violencia sin sentido.

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🎶 Aspectos musicales
   •   Estilo: Una balada de atmósfera suave, lírica y contemplativa, con elementos de bossa nova, jazz y folk.
   •   Instrumentación: La guitarra clásica (interpretada por Sting) es el eje central. El acompañamiento es sobrio: percusión mínima, toques atmosféricos y una voz contenida, casi susurrante.
   •   Lenguas: Además de la versión original en inglés, Sting grabó “Fragile” en portugués (“Frágil”) y en español, lo que amplificó su alcance internacional.

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🌍 Relevancia histórica y cultural
   •   Conciertos y homenajes:
      •   Se convirtió en una de las canciones más interpretadas en vivo por Sting, casi un himno personal.
      •   Fue interpretada en momentos de gran carga simbólica, como el Concierto del Milenio en 1999 en Roma, o tras los atentados del 11 de septiembre de 2001, donde la usó como canto de paz y memoria.
      •   En 2016 la tocó en la reapertura de la sala Bataclan en París, tras los atentados terroristas de 2015.
   •   Mensaje universal: Con su frase central (“how fragile we are”) la canción transmite una advertencia sobre la vulnerabilidad de la vida frente a la violencia y la injusticia.

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📀 Recepción y legado
   •   Crítica: No fue un gran éxito comercial como sencillo en EE.UU., pero se convirtió en una de las composiciones más admiradas de Sting por su carga poética y humanista.
   •   Popularidad: “Fragile” es hoy uno de los temas icónicos de su repertorio, asociado a la paz y la memoria de víctimas de violencia.
   •   Versiones y covers: Ha sido versionada por numerosos artistas y permanece como pieza frecuente en recopilatorios de Sting.

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🎸 Biografía breve de Sting en este período
   •   Sting post-Police: Tras la separación de The Police en 1986, Sting consolidó su carrera solista.
   •   El álbum …Nothing Like the Sun (1987) mostró su madurez como cantautor, con fuertes influencias de jazz y world music, y abordó temas sociales y políticos.
   •   En esa etapa, Sting se consolidó como artista comprometido con causas humanitarias, defensor de derechos humanos y crítico de la violencia.

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👉 En síntesis: “Fragile” no es solo una canción, sino un manifiesto poético de Sting contra la violencia y a favor de la vida, que con su estilo delicado de bossa nova se convirtió en un himno universal de paz.

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¿Querés que te arme también una ficha técnica estilo dossier musical, con datos de grabación, músicos participantes y ediciones especiales?

Fragile

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac

Fragile

Adrian en guitarra

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