"Caruso" es una canción escrita por el cantautor italiano Lucio Dalla en 1986. Se dedica a Enrique Caruso, un italianotenor.Tras la muerte de Lucio Dalla, la canción entró en la lista de singles italianos , alcanzando el puesto número dos durante dos semanas consecutivas. El sencillo también fue certificado platino por la Federación de la Industria Musical Italiana . 

Significado de la cancion

La canción simplemente habla del dolor y los anhelos de un hombre que está a punto de morir mientras mira a los ojos de una chica que era muy querida para él. La letra contiene varias referencias sutiles a personas y lugares de la vida de Caruso.

Lucio Dalla contó el origen y el significado de la canción en una entrevista a uno de los principales periódicos italianos, el Corriere della Sera . Pasó por la localidad costera de Sorrento y se alojó en el hotel Excelsior Vittoria, casualmente en la misma habitación donde muchos años antes pasó una temporada el tenor Enrico Caruso poco antes de morir. Dalla se inspiró para escribir la canción después de que los propietarios le contaran sobre los últimos días de Caruso y, en particular, la pasión de este último por una de sus jóvenes alumnas. 

Caruso fue un aclamado cantante de ópera italiano que fue uno de los cantantes más grandes y cotizados de finales del siglo XIX y principios del XX. Desafortunadamente vivió una vida muy difícil y bastante infeliz, habiendo tenido muchos retos y problemas con los teatros de ópera italianos, pero ganó más fama y éxito en los Estados Unidos.

Caruso nació en una familia pobre en Nápoles. A menudo estuvo involucrado con mujeres y tuvo varias aventuras amorosas con mujeres casadas prominentes en las artes escénicas, que a menudo terminaron mal. Su historia de amor más larga y apasionada fue con la casada Ada Giachetti, con quien tuvo dos hijos. Terminó cuando ella lo dejó por su chofer. Unos años antes de morir, conoció y se casó con una mujer 20 años menor que él, Dorothy Park Benjamin, a quien Lucio Dalla describe en esta canción "Caruso". Con ella tuvo una hija llamada Gloria.

Guardò negli occhi la ragazza, quegli occhi verdi come il mare
Miró a los ojos de la niña, esos ojos tan verdes como el mar.
Poi all'improvviso uscì una lacrima e lui credette di affogare
Pero entonces cayó una lágrima y pensó que se estaba ahogando.

Sorrento se conoce como "Surriento", que es el nombre en lengua napolitana . Se refiere a las frecuentes visitas de Caruso a la ciudad costera y a su hotel Excelsior Vittoria.

Aquí la "cadena" es una traducción, pero lo que se quiere decir es una reacción en cadena: ese amor derrite la sangre, etc. La música y la letra del estribillo anterior, escritas en una mezcla de italiano estándar y napolitano , se basan en una canción napolitana, titulada "Dicitencello vuje", publicada en 1930 por Rodolfo Falvo (música) y Enzo Fusco (texto) escrita según la mejor tradición de los "romances" napolitanos con un estilo que recuerda a la ópera.

Debido a esto existen algunas diferencias lingüísticas interesantes. La frase afín, "ti voglio bene", que literalmente significa "Te deseo lo mejor", generalmente no se usa en un contexto romántico en italiano estándar. Sin embargo, en napolitano , "Te voglio bene assaje, ma tantu tanto bene saje" significa "Te quiero mucho. Mucho, mucho, ya sabes". En italiano estándar, "Ti amo" está reservado para el amor romántico, pero "te amo" en napolitano tiene la connotación opuesta.

Desde un punto de vista psicológico, las palabras con un tono no romántico, "Ti voglio bene", significan la transferencia de sentimientos, actitudes o deseos que una persona tiene sobre una cosa y que se proyectan inconscientemente en el Otro aquí y ahora. En este contexto, sobre la madre de Caruso.

Caruso

Roberto Cantoral compuso “El reloj” en 1956, en Washington D.C., frente al río Potomac, al concluir una gira de su grupo Los Tres Caballeros por Estados Unidos. Durante esa estancia, vivió un romance con una de las artistas del espectáculo que, esa misma noche, habría de partir a Nueva York. La presencia de un reloj de salón en ese último encuentro, junto con la inminente separación, inspiró la creación del bolero  ￼ ￼.
   •   Versiones contradictorias (leyenda urbana)
Existe una versión alternativa, más trágica, según la cual Cantoral compuso la canción en un hospital mientras le comunicaban que su esposa, gravemente enferma, no vería amanecer. Sin embargo, esta versión ha sido ampliamente desacreditada y se considera una leyenda urbana  ￼.
   •   Estreno y éxito inmediato
La canción fue estrenada por Los Tres Caballeros en 1957 y se convirtió en un éxito instantáneo  ￼. Al año siguiente, en 1958, fue grabada por el famoso trío Los Panchos  ￼.

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Letra y espíritu del bolero

La letra expresa una profunda desesperación ante la separación inminente. Algunas de las frases más evocadoras incluyen:
   •   “Reloj, no marques las horas, porque voy a enloquecer”
   •   “Ella se irá para siempre cuando amanezca otra vez”
   •   “No más nos queda esta noche para vivir nuestro amor”
   •   “Detén el tiempo en tus manos, haz esta noche perpetua”
Estas líneas reflejan la fugacidad del amor y el deseo de detener el tiempo para prolongar el momento compartido  ￼ ￼.

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Intérpretes destacados

“El reloj” ha sido interpretado por numerosos artistas de renombre en distintas épocas y estilos:
   •   Los Tres Caballeros (versión original, 1957)
   •   Los Panchos (1958)
   •   José José
   •   Luis Miguel (incluyó la canción en su álbum Romances, 1997)
   •   José Feliciano
   •   Juan d’Arienzo (orquesta)
   •   Lucho Gatica (inducto al Latin Grammy Hall of Fame)
   •   Alejandro Fernández
   •   Il Volo
   •   Neil Sedaka, entre otros  ￼ ￼.

Luis Miguel logró particular éxito con su versión en 1997, alcanzando el #1 en Airplay Latino y recibiendo el BMI Latin Award en 1999  ￼. También, José José interpretó “El reloj” en su álbum Romántico de 1981  ￼.

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Sobre Roberto Cantoral
   •   Biografía breve
Roberto Antonio Cantoral García nació el 7 de junio de 1930 en Ciudad Madero, Tamaulipas, y falleció el 7 de agosto de 2010  ￼.
   •   Trayectoria musical
Inició su carrera formando el Dueto Hermanos Cantoral con su hermano Antonio (1950), y posteriormente fundó el trío Los Tres Caballeros junto a Chamín Correa y Leonel Gálvez  ￼.
   •   Obras destacadas
Entre sus éxitos más perdurables se encuentran: El reloj, El triste, La barca, Noche no te vayas, Regálame esta noche, El preso número nueve, Yo lo comprendo, Al final, entre otros  ￼.
   •   Reconocimientos y legado
Fue presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) desde 1982 hasta antes de su fallecimiento. Además, recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales.
LETRA

Reloj, no marques las horas
porque voy a enloquecer,
ella se irá para siempre
cuando amanezca otra vez.

No más nos queda esta noche
para vivir nuestro amor,
y tu tic-tac me recuerda
mi irremediable dolor.

Reloj, detén tu camino
porque mi vida se apaga,
ella es la estrella que alumbra mi ser,
yo sin su amor no soy nada.

Detén el tiempo en tus manos,
haz esta noche perpetua
para que nunca se vaya de mí,
para que nunca amanezca.

El reloj

Another Day in Paradise
   •   Artista: Phil Collins
   •   Álbum: …But Seriously (1989)
   •   Género: Soft rock / Pop rock
   •   Duración: 4:48 (versión álbum)
   •   Productores: Phil Collins y Hugh Padgham
   •   Instrumentación destacada: sintetizadores atmosféricos, caja de ritmos, guitarra de David Crosby en coros.
   •   Premios: Ganó el Grammy a Grabación del Año (1991) y un MTV Video Music Award por Mejor Video de un Artista Masculino.

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📜 Contexto Histórico
   •   Lanzada en octubre de 1989, fue el último gran éxito de la década de los 80 en alcanzar el nº 1 en el Billboard Hot 100 (diciembre 1989 – enero 1990).
   •   Se mantuvo 4 semanas en el nº 1 en EE.UU. y lideró rankings en múltiples países (Reino Unido, Alemania, Canadá).
   •   Fue el primer sencillo del álbum …But Seriously, que marcó un giro más serio en la carrera de Collins, alejándose del pop ligero hacia temáticas sociales.
   •   El videoclip, dirigido por Jim Yukich, mostraba imágenes urbanas con escenas de personas en situación de calle, reforzando el mensaje social.

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🧑‍🎤 Biografía y Significado

Phil Collins (n. 1951, Londres), ya famoso como baterista y cantante de Genesis y como solista en los 80, compuso esta canción inspirado por la creciente crisis de personas sin hogar en Londres y EE.UU. en los años 80.

El tema describe a un hombre que, al ver a una mujer pidiendo ayuda en la calle, elige ignorarla y seguir su camino. El mensaje central es la indiferencia social hacia los más vulnerables:
   •   “Es solo otro día en el paraíso” es una ironía amarga, denunciando cómo se normaliza la desigualdad.
   •   Fue la primera canción de Collins en abordar de forma tan explícita un problema social.

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🌍 Impacto y Legado
   •   Se convirtió en una de las canciones más reconocibles de Phil Collins y un himno de conciencia social en la música pop.
   •   Fue versionada por varios artistas, entre ellos Brandy y Ray J (2001), cuya interpretación también alcanzó gran popularidad.
   •   Hoy sigue siendo considerada una de las canciones más importantes en el repertorio de Collins, y suele abrir debates sobre el papel de la música pop en la crítica social.

Phil Collins logra con una letra simple y repetitiva transmitir una idea demoledora: la indiferencia es tan violenta como la pobreza misma. La canción no busca contar una historia extensa, sino retratar un instante que expone un problema universal.

Another day in paradise

“Do You Know Where You’re Going To” 
(¿Sabes a dónde te diriges?)
(Theme from Mahogany)
   •   Autores: Michael Masser (música) y Gerry Goffin (letra).
   •   Primera versión: Thelma Houston la grabó en 1973, pero no fue lanzada como sencillo.
   •   Versión famosa: Diana Ross la interpretó en 1975 para la banda sonora de la película Mahogany. Esa fue la que se convirtió en un clásico internacional.
🎬 Relación con la película Mahogany (1975)
   •   Mahogany fue un filme dirigido por Berry Gordy, fundador de Motown.
   •   Protagonistas: Diana Ross (en el papel de Tracy, una aspirante a diseñadora de moda) y Billy Dee Williams.
   •   La canción funciona como tema principal y leitmotiv emocional del film, reforzando la pregunta existencial sobre sueños, destino y decisiones personales.
   •   El tema aparece en los créditos iniciales y finales, y su tono melancólico dialoga con la trama de ambición, amor y sacrificio.
🎶 Estilo musical
   •   Balada pop-soul, con una orquestación elegante y suave, típica de mediados de los ’70.
   •   Destaca la voz íntima y emotiva de Diana Ross, con una interpretación cargada de vulnerabilidad.
   •   La estructura es simple y circular, enfatizando la pregunta repetitiva del estribillo (“Do you know where you’re going to?”), que actúa más como reflexión filosófica que como un verso convencional.
🌍 Éxito comercial
   •   Lanzamiento: Octubre de 1975 como sencillo por Motown.
   •   Billboard Hot 100 (EE.UU.): N.º 1 en enero de 1976.
   •   También llegó al Top 10 en el Reino Unido y en varios países europeos y latinoamericanos.
   •   Fue nominada al Oscar a la Mejor Canción Original en 1976 (perdió contra I’m Easy de Keith Carradine de la película Nashville).
👩‍🎤 Diana Ross y la canción
   •   Este fue uno de los grandes éxitos de Diana Ross en su etapa solista, tras haber dejado a The Supremes en 1970.
   •   Consolidó su imagen no solo como cantante sino también como actriz en Hollywood, luego del reconocimiento por Lady Sings the Blues (1972), donde interpretó a Billie Holiday.
   •   La canción se convirtió en uno de sus temas insignia, asociado a su faceta más introspectiva y madura.
📚 Legado
   •   Hasta hoy, “Do You Know Where You’re Going To” se considera un himno melódico de los años ’70, con un mensaje universal sobre la búsqueda del propósito en la vida.
   •   Ha sido versionada por artistas como Shirley Bassey, Mariah Carey y Jennifer Lopez.
   •   En la cultura popular suele aparecer en recopilaciones de “baladas soul románticas” y en bandas sonoras nostálgicas.

LETRA
¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sabes lo que estás esperando?
¿Reconoces las cosas que la vida está trayendo?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

Una vez tuvimos los sueños más allá del cielo,
nos los dejamos escapar.
¿Dejamos que el camino nos pasara por encima?
Los sueños se marchitan tan rápido.

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sigues buscando esa vida que planeamos?
Lo que significaba para nosotros era tan real.
Solo en tus ojos veo que has soñado,
con tanto dolor dentro.

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

Theme from Mahogany

Non ho l’età (per amarti) — literalmente “No tengo la edad (para amarte)”  ￼.
   •   Letra (italiano): Nicola Salerno
   •   Música: Mario Panzeri  ￼.
   •   Intérprete original: Gigliola Cinquetti, quien tenía solo 16 años al interpretar la canción  ￼.

Historia y trayectoria
   •   Se presentó en el Festival de San Remo 1964 entre el 30 de enero y el 1 de febrero de 1964, interpretada por Gigliola Cinquetti junto con Patricia Carli. Ganó el certamen, lo que le dio el pase como representante de Italia en Eurovisión  ￼.
   •   Luego representó a Italia en el Festival de Eurovisión 1964, celebrado el 21 de marzo de 1964 en Copenhague, y ganó ampliamente, obteniendo 49 puntos, casi el triple de los obtenidos por el segundo lugar  ￼.
   •   Con esa victoria, Gigliola se convirtió en la ganadora más joven de la historia del festival hasta ese momento  ￼.

Versiones en otros idiomas

Gigliola grabó la canción en varios idiomas:
   •   Español: “No tengo edad”
   •   Inglés: This Is My Prayer
   •   Francés: Je suis à toi
   •   Alemán: Luna nel blu
   •   Japonés: Yumemiru omoi  ￼.
Letra

No tengo edad
No tengo edad para amarte
Y no está bien que salgamos, solos los dos

No sé qué más
No sé qué más puedo decirte
Tú sabes ya muchas más cosas que yo

Deja que viva este amor tan romántico
Deja que llegue el día soñado
Mas ahora no

No tengo edad
No tengo edad para amarte
Y no está bien que salgamos, solos los dos

Tal vez querrás
Tal vez querrás esperar a que sea mayor
Y pueda darte todo mi amor

Deja que viva este amor tan romántico
Deja que llegue el día soñado
Mas ahora no

No tengo edad
No tengo edad para amarte
Y no está bien que salgamos, solos los dos

Tal vez querrás
Tal vez querrás esperar a que sea mayor
Y pueda darte todo mi amor

Aspecto
Detalles
Compositores
Música: Mario Panzeri · Letra: Nicola Salerno
Intérprete
Gigliola Cinquetti (16 años)
Festivales
Ganadora en San Remo 1964 y Eurovisión 1964
Puntuación en Eurovisión
49 puntos, victoria abrumadora
Versiones
Español (No tengo edad), inglés, francés, alemán, japonés

Non ho l’età (No tengo edad)

Sapore di sale (“Sabor a sal”).
   •   Fue escrita y grabada en 1963 por Gino Paoli para RCA Italiana, incluida luego en el álbum Basta chiudere gli occhi publicado en 1964  ￼ ￼.
   •   Paoli compuso la canción en Capo d’Orlando, Sicilia, mientras estaba en una casa cercana a una playa desierta  ￼.
   •   En ese momento, estaba casado, pero mantenía una relación sentimental con la joven actriz Stefania Sandrelli, quien, según algunas versiones, fue inspiración de la canción  ￼.

Producción musical
   •   El arreglo y dirección de orquesta fue realizado por Ennio Morricone  ￼.
   •   Incluye un solo de saxofón interpretado por Gato Barbieri  ￼.

Impacto y recepción
   •   Fue un gran éxito en Italia: ganó Disco de Oro, llegó al primer puesto de las listas, y participó en el Cantagiro 1963  ￼.
   •   También logró repercusión internacional, alcanzando el puesto 8 en la lista de éxitos en España en 1964  ￼ ￼.

Contexto cultural
   •   La canción se convirtió en un clásico del verano italiano, evocando la prosperidad económica del momento y el turismo de sol y playa  ￼.
   •   Se ha utilizado en diversas películas y anuncios publicitarios, entre ellos en un spot de Costa Cruceros protagonizado por Penélope Cruz en 2018  ￼.
   •   También inspiró el título de la película Sapore di mare (1983) y su secuela; en la segunda aparece Gino Paoli interpretando la canción  ￼.

Sobre Gino Paoli
   •   Gino Paoli nació el 23 de septiembre de 1934 en Monfalcone, y se trasladó a Génova en su infancia, donde se convirtió en uno de los cantautores más destacados de la música ligera italiana  ￼.
   •   Entre sus éxitos destacan Il cielo in una stanza, La gatta, Senza fine y Sapore di sale  ￼.
   •   Durante la grabación de Sapore di sale, vivía un contexto personal complejo: depresión, un accidente automovilístico en 1962, y en 1963 sufrió un intento de suicidio  ￼ ￼ ￼.
   •   A lo largo de su carrera, colaboró con músicos como Ornella Vanoni, y renovó su imagen en los 70 y 80 desde el jazz y el folk; llegó incluso a ser diputado en Italia.

Letra

Sabor a sal, sabor a mar
que tienes sobre la piel, que tienes sobre los labios,
cuando sales del agua y te recuestas
cerca de mí, cerca de mí.

Sabor a sal, sabor a mar,
un sabor un poco amargo de cosas perdidas,
de cosas dejadas lejos de nosotros
donde el mundo es diferente, diferente de aquí.

El tiempo está en los días que pasan perezosos
y dejan en la boca el sabor de la sal,
te lanzas al agua y me dejas mirarte
y me quedo solo en la arena y el sol.

Luego vuelves cerca y te dejas caer,
así en la arena y en mis brazos,
y mientras te beso, sabor a sal,
sabor a mar, sabor a ti.

Sapore di sale

Datos musicales
   •   Título: Don’t Dream It’s Over
   •   Banda: Crowded House, grupo rock-pop australiano-neozelandés.
   •   Compositor: Neil Finn.
   •   Álbum: Crowded House (1986), disco debut de la banda.
   •   Género: Rock alternativo / Pop rock / Folk rock.
   •   Duración: 3:56 min.
   •   Productor: Mitchell Froom.
   •   Sello: Capitol Records.

Fue el mayor éxito comercial de la banda, alcanzando el número 2 en Billboard Hot 100 (EE.UU.) en 1987 y el número 1 en Canadá y Nueva Zelanda. En el Reino Unido llegó al puesto 27. Se convirtió en una especie de himno generacional de los años ’80.

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📜 Datos históricos y biográficos
   •   Neil Finn, autor de la canción, es uno de los músicos más influyentes de Nueva Zelanda. Antes de Crowded House fue miembro de Split Enz.
   •   La letra se ha interpretado como un mensaje de resiliencia y unión en tiempos de dificultad, con un tono íntimo y esperanzador.
   •   Ha sido versionada por múltiples artistas, entre ellos Sixpence None the Richer y Miley Cyrus con Ariana Grande (2015, sesión acústica de Backyard Sessions).
   •   La canción se ha utilizado en causas sociales y campañas solidarias, consolidando su lugar como clásico contemporáneo.

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🇪🇸 Letra en español (traducción)

No sueñes, se acabó

Hay libertad dentro,
hay libertad fuera.
Intenta atrapar la delicada lluvia en una taza de papel.
Hay una batalla por delante,
muchas batallas se han perdido,
pero nunca verás el final de la carretera
mientras viajes conmigo.

🎵 No sueñes, se acabó.
No sueñes, se acabó.
Ven, hey ahora, hey ahora,
no sueñes, se acabó.
Hey ahora, hey ahora,
cuando el mundo llega a llamarte.
Ellos vienen, ellos vienen,
para construir un muro entre nosotros.
Sabemos que no ganarán. 🎵

Ahora estoy caminando de nuevo…
al ritmo de un tambor.
Y estoy contando los pasos hacia la puerta de tu corazón.
Sólo una sombra acechando,
cubre la habitación.
Oye el techo que estalla de la lluvia,
sé que comienza a liberarse.

Don’t dream it’s over

🎸 “Still Got the Blues (For You)” – Gary Moore

📀 Datos musicales y técnicos
   •   Compositor e intérprete: Gary Moore.
   •   Género: Balada de blues rock con matices de slow blues.
   •   Duración: Aproximadamente 6:12 minutos en la versión de estudio.
   •   Grabación: Realizada en Sarm West Studios de Londres, a fines de 1989.
   •   Particularidad técnica: El tema fue grabado en una sola toma, lo que le otorga frescura y emotividad. Solo se corrigieron dos notas desafinadas en posproducción.
   •   Guitarra principal: Moore utilizó su famosa Gibson Les Paul Standard de 1959, conocida como Greeny (que había pertenecido a Peter Green de Fleetwood Mac). Ese instrumento le dio el tono cálido y expresivo que caracteriza al tema.
   •   Producción: Gary Moore junto a Ian Taylor.

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📈 Éxito y recepción
   •   Fue lanzado como sencillo en abril de 1990.
   •   Se convirtió en el tema más exitoso de la carrera solista de Moore.
   •   Listas internacionales:
      •   Nº 1 en Bélgica.
      •   Top 10 en Suecia, Noruega, Finlandia, Países Bajos y Polonia.
      •   Disco de oro en Suecia (más de 30.000 copias vendidas).
   •   En EE. UU. logró un hito: fue el único single de Moore en ingresar al Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 97 en 1991. También llegó al nº 9 en Mainstream Rock Tracks.
   •   Crítica: Revistas como Classic Rock lo definieron como “un solo casi sinfónico” y MusicRadar lo incluyó entre las cinco canciones esenciales de su carrera.

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🎶 Estructura musical
   •   Introducción: Guitarra limpia, melódica, cargada de vibrato y sentimiento.
   •   Versos: Voz íntima y desgarrada, acompañada por un colchón de teclados y una base lenta de bajo y batería.
   •   Estribillo: Reitera el sentimiento de pérdida y melancolía.
   •   Clímax: El solo de guitarra, extenso y lleno de matices, considerado uno de los más expresivos de Moore.
   •   Final: Cierra con un retorno a la calma, casi como un suspiro resignado.

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⚖️ Controversia legal

En 2008, un tribunal en Múnich dictaminó que el solo principal era demasiado parecido a “Nordrach” (1974), de la banda alemana Jud’s Gallery. Aunque no se probó que Moore conociera esa pieza, se ordenó pagar compensación por plagio. Este fallo nunca afectó la popularidad del tema.

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🎤 Versiones y homenajes
   •   Eric Clapton la interpretó en vivo en 2011 en el Royal Albert Hall, poco después de la muerte de Moore, y la grabó en su álbum Old Sock (2013).
   •   Ha sido versionada por múltiples guitarristas y bandas tributo de blues y hard rock.
   •   Se considera una pieza de estudio obligatoria para guitarristas que buscan dominar el phrasing y la expresividad del blues moderno.

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📝 Significado y lírica

La canción refleja la nostalgia de un amor perdido. Habla de lo fácil que era enamorarse en el pasado y lo difícil que se vuelve después de la desilusión. El estribillo repite la confesión:

“Hace mucho, pero aún siento nostalgia de ti” (Still got the blues for you).

Letra

Solía ser tan fácil entregar mi corazón,  
pero aprendí por las malas que hay un precio que pagar.  
Descubrí que el amor no era mi amigo,  
debí haberlo sabido, una y otra vez.  

Hace tanto tiempo, sí, mucho tiempo atrás,  
pero aún tengo la tristeza por ti.  

Solía ser tan fácil enamorarme otra vez,  
pero aprendí por las malas que lleva directo al dolor.  
Descubrí que el amor no es un juego fácil,  
juegas para ganar, pero siempre pierdes.  

Hace tanto tiempo, sí, mucho tiempo atrás,  
pero aún tengo la tristeza por ti.  

Han pasado muchos años desde que vi tu rostro,  
pero aún hay un espacio vacío en mi corazón,  
donde solías estar.  

Hace tanto tiempo, sí, mucho tiempo atrás,  
pero aún tengo la tristeza por ti.  

Aunque pasen los días,  
esto es algo que sé:  
aún tengo la tristeza por ti.

Still got the blues

“Make it with you”
Compositor: David Gates.
   •   Intérprete original: El grupo estadounidense Bread, liderado por Gates.
   •   Año de lanzamiento: 1970.
   •   Álbum: On the Waters (segundo disco de la banda).
   •   Sello discográfico: Elektra Records.
   •   Producción: David Gates.

Fue el primer gran éxito internacional de Bread y el único número uno de la banda en el Billboard Hot 100 (agosto de 1970).

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🎶 Características musicales
   •   Género: Soft rock / Pop rock.
   •   Estilo: Balada melódica con fuerte influencia folk, marcada por guitarras acústicas suaves, armonías vocales y un clima íntimo.
   •   Duración: 3:18 minutos.
   •   Estructura: Versos suaves que se abren hacia un estribillo cálido y melódico, con la voz de Gates como elemento central.

El tema se convirtió en emblema del soft rock setentista, junto a artistas como Carpenters, America y Seals & Crofts.

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📊 Éxito en listas
   •   Billboard Hot 100 (EE.UU.): #1 (22 de agosto de 1970).
   •   Adult Contemporary Chart (EE.UU.): #4.
   •   Reino Unido: #5.
   •   También alcanzó el Top 10 en varios países de habla inglesa.

Este éxito catapultó a Bread al estrellato, consolidando a Gates como compositor de renombre.

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👥 Contexto biográfico
   •   David Gates (1940–2022) era músico, cantante y productor. Tras la separación de Bread a mediados de los ’70, continuó como solista.
   •   Bread, formado en Los Ángeles en 1968, estaba integrado por Gates (voz, teclados, guitarra), James Griffin (guitarra, voz), Robb Royer (bajo, teclados), y luego se sumaron Mike Botts (batería) y Larry Knechtel (teclados, bajo).
   •   La banda fue referente del soft rock de comienzos de los ’70, con otras baladas exitosas como “If”, “Baby I’m-a Want You” y “Everything I Own”.

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📜 Legado y versiones
   •   La canción se convirtió en un clásico del soft rock romántico.
   •   Versionada por múltiples artistas, entre ellos:
      •   Andy Williams (1971).
      •   Marc Anthony (1995, en su disco Todo a su tiempo, versión salsa en español como “Hacerlo contigo”).
      •   Boy George, Ben Kweller y artistas filipinos como Pops Fernandez.
   •   Sigue siendo una de las canciones más solicitadas en radios de oldies y soft rock.
LETRA
Hacerlo contigo (Make It With You)

Oye,
no sabes que tú eres la que
con quien he estado soñando,
si me lo permites.

Podemos lograrlo juntos,
podemos intentarlo, si tú lo quieres también.

La vida,
no sabemos cómo será,
es sólo un juego de azar,
nadie lo gana siempre.

Si pienso en alguien,
prefiero pensarlo en ti.
Podemos lograrlo juntos,
podemos intentarlo, si tú lo quieres también.

Quizá hagamos el mañana,
y el mundo que tengamos que enfrentar.
Quizá nos arriesguemos,
o el amor nos deje solos y sin fe.

La vida puede ser corta o larga,
el amor puede ser cierto o errado,
pero si elijo alguien,
quiero pasarlo contigo.

Y si creo en alguien,
debo creer en ti.
Podemos lograrlo juntos,
podemos intentarlo, si tú lo quieres también.

Make it with you

•   Autores:
      •   Manuel Alejandro (música), compositor español de amplia trayectoria.
      •   Ana Magdalena (letra), seudónimo de Purificación Casas, esposa de Manuel Alejandro  ￼ ￼.

Historia Musical
   •   Estreno:
      •   Lanzada en 1980 como parte del álbum Hernaldo, el Original (grabada en 1979), fue el primer gran éxito internacional de Zúñiga  ￼ ￼.
      •   El álbum fue multiplatino en varios países iberoamericanos, consolidando su carrera  ￼ ￼.
   •   Éxito:
      •   La canción llegó al puesto #1 en listas de popularidad en España, México y muchos países de América Latina  ￼.
   •   Versiones destacadas:
Ha sido interpretada por numerosos artistas reconocidos: Raphael, Alejandro Fernández, Rocío Jurado, Pandora, Ricardo Montaner, Simone, Isabel Pantoja, José Luis Rodríguez “El Puma”, Raúl di Blasio, Eva Amaral & Najwa Nimri (en 2018 para la película ¿Quién te cantará?), entre muchos otros  ￼ ￼.
   •   Homenaje especial:
El 23 de abril de 2013, Hernaldo Zúñiga interpretó la canción a dúo con Michael Bolton (quien cantó una versión en inglés adaptada por Desmond Child), como tributo a Manuel Alejandro, durante la primera edición del Latin Songwriters Hall of Fame  ￼.

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Género y Significado
   •   Estilo musical: Balada romántica con gran fuerza emocional, combinando una melodía nostálgica con una letra profunda, típica del género (aunque a veces se la emparenta en tono con el bolero)  ￼ ￼.
   •   Tema lírico: Refleja el conflicto de alguien que procura olvidar a un amor, sin lograrlo. La frase central “Procuro olvidarte, pero no puedo” resume esta lucha emocional  ￼.
   •   Impacto emocional: El bolero refleja impotencia y melancolía, y es reconocido como un clásico romántico del repertorio en español  ￼ ￼.
Letra

Procuro olvidarte
siguiendo la ruta de un pájaro herido,
procuro alejarme
de aquellos lugares donde nos quisimos.

Me enredo en amores
sin ganas ni fuerzas por ver si te olvido...
y llega la noche y de nuevo comprendo que te necesito.

Procuro olvidarte
haciendo en el día mil cosas distintas,
procuro olvidarte
pisando y contando las hojas caídas.

Procuro cansarme,
llegar a la noche apenas sin vida...
y al ver nuestra casa tan sola y callada
no sé lo que haría.

Lo que haría porque estuvieras tú, porque vinieras tú conmigo.
Lo que haría por no sentirme así, por no vivir así… perdido.

[Repetición:

Procuro olvidarte
siguiendo la ruta de un pájaro herido,

Procuro olvidarte

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac

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