« I'm Not in Love » ("No estoy enamorado”) es una canción del grupo británico 10cc , escrita por sus miembros Eric Stewart y Graham Gouldman . Es conocida por su innovadora y distintiva pista de acompañamiento, compuesta principalmente por las voces multipistas de la banda . Lanzada en el Reino Unido en mayo de 1975 como el segundo sencillo del tercer álbum de la banda, The Original Soundtrack , se convirtió en el segundo de los tres sencillos número uno del grupo en el Reino Unido entre 1973 y 1978, encabezando la lista de sencillos del Reino Unido durante dos semanas. «I'm Not in Love» se convirtió en el gran éxito de la banda fuera del Reino Unido, encabezando las listas en Canadá e Irlanda, además de alcanzar el top 10 en varios otros países, como Australia, Alemania Occidental, Nueva Zelanda, Noruega y Estados Unidos.
Escrita principalmente por Stewart como respuesta a la declaración de su esposa de que no le decía con suficiente frecuencia que la amaba, "I'm Not in Love" fue concebida originalmente como una bossa nova tocada con guitarras, pero a los otros dos miembros de la banda, Kevin Godley y Lol Creme , no les convenció la idea y la abandonaron. Sin embargo, tras escuchar a miembros de su equipo seguir cantando la melodía en el estudio, Stewart convenció al grupo para que le dieran otra oportunidad, a lo que Godley respondió que para que funcionara, necesitaba un cambio radical y sugirió que la banda intentara crear una nueva versión usando solo voces.
A Stewart se le ocurrió la idea de la canción después de que su esposa, con quien llevaba ocho años casado, le preguntara por qué no le decía "Te amo" más a menudo. Stewart comentó: "Tenía la loca idea de que repetir esas palabras de alguna manera degradaría el significado, así que le dije: 'Bueno, si digo todos los días 'Te amo, cariño, te amo, bla, bla, bla', al final no significará nada'. Esa afirmación me llevó a buscar otra forma de decirlo, y el resultado fue que elegí 'No estoy enamorado de ti', mientras sutilmente, a lo largo de la canción, explicaba todas las razones por las que nunca podría dejar esta relación". 
Stewart escribió la mayor parte de la melodía y la letra en la guitarra antes de llevarla al estudio, donde Gouldman se ofreció a ayudarlo a completar la canción. Gouldman sugirió algunos acordes diferentes para la melodía y también ideó la introducción y el puente. Stewart comentó que ambos pasaron dos o tres días escribiendo la canción, que en ese momento tenía un ritmo de bossa nova y usaba principalmente guitarras, antes de tocársela a Godley y Creme. Stewart grabó una versión con los otros tres miembros tocando la canción en el estudio con instrumentos tradicionales: Creme a la guitarra, Gouldman al bajo y Godley a la batería. Sin embargo, a Godley y Creme no les gustó la canción, en particular a Godley, como Stewart recordó más tarde: «Dijo: 'Es una porquería', y yo le dije: 'Ah, vale, ¿tienes algo constructivo que añadir? ¿Puedes sugerir algo?'. Él dijo: 'No. No funciona, tío. Es una porquería, ¿no? ¡Tírala!'». Y lo hicimos. Lo tiramos y hasta lo borramos, así que no queda ninguna cinta de esa versión de bossa nova. 
Tras abandonar "I'm Not in Love", Stewart y Gouldman centraron su atención en el tema " Une Nuit a Paris ", en el que Godley y Creme habían estado trabajando y que posteriormente se convertiría en el tema de apertura del álbum The Original Soundtrack . Sin embargo, Stewart notó que el personal de los Strawberry Studios de la banda seguía cantando la melodía de "I'm Not in Love", lo que lo convenció de pedir a los demás miembros del grupo que consideraran revivir la canción.

I’m not in love

“Classic”
   •   Artista: Adrian Gurvitz (cantautor británico)  ￼
   •   Lanzamiento: Como sencillo a principios de 1982, es la canción principal del álbum Classic.
   •   Grabación: Fue grabada en 1981  ￼.
   •   Género: Soft rock / balada romántica  ￼.
   •   Duración: Versión de álbum ~4:55, versión para sencillo ~3:39  ￼.
   •   Sello discográfico: RAK Records  ￼.
   •   Composición y producción: Escrito por Adrian Gurvitz; producido por Adrian Gurvitz y Paul Gurvitz  ￼.

Rendimiento en los charts:
   •   Reino Unido: Alcanzó el puesto n.º 8 en la lista de sencillos  ￼.
   •   Australia: Llegó al n.º 12 en la lista Kent Music Report, y ocupó el puesto n.º 47 en el ranking anual  ￼.
   •   Fue una de las baladas más radiadas en Inglaterra durante 1982  ￼.

Acerca de Adrian Gurvitz
   •   Nombre completo: Adrian Curtis Gurvitz, nacido el 26 de junio de 1949 en Londres, Inglaterra  ￼.
   •   Trayectoria musical:
      •   Comenzó muy joven a tocar guitarra: a los 8 años ya la tocaba, y apenas a los 15 estaba de gira con bandas como Screaming Lord Sutch, Billie Davis y Crispian St. Peters  ￼.
      •   Formó parte de varias bandas influyentes: Rupert’s People, Gun (con el éxito “Race with the Devil”), Three Man Army, y Baker Gurvitz Army (con el mítico Ginger Baker), entre otras  ￼.
      •   En el ámbito solista, lanzó álbumes como Sweet Vendetta (1979), Il Assassino (1980) y Classic (1982), este último con el éxito del sencillo que da nombre al disco  ￼.
   •   Otros logros como compositor:
      •   Escribió “The Love in Your Eyes” para Eddie Money (top 10 en Billboard, y nº 1 en Mainstream Rock) y coescribió “Even If My Heart Would Break” para la banda sonora de The Bodyguard (álbum ganador del Grammy y megaéxito global)  ￼.
   •   Estilo como guitarrista: Famoso por sus solos técnicos y potentes; fue incluido en una lista de los “mejores guitarristas del mundo” en la revista Melody Maker.

Letra en español de “Classic”

Voy a escribir un clásico,
voy a escribirlo en un ático.
Nena, ahora soy un adicto,
un adicto a tu amor.
Era un chico vagabundo,
tú eras mi mejor juguete.
Te molestaba con facilidad,
pero eras distinta al resto.
Te amé de la forma equivocada.
Y ahora, escúchame decir:
si cambiara de estilo,
¿marcaría la diferencia?
¿Podría ser un clásico?
Tengo que enviarlo enseguida.

Vivo un día a la vez
desde que perdí tu amor;
he ido perdiendo la razón.
Ya no puedo ver el futuro claramente,
y no es lo que quiero decir;
no es como parece.
Sigo viviendo por sueños.

(Repite el coro sobre escribir un clásico, en un ático, adicto a tu amor…)
￼ ￼

Classic

“Eye in the Sky”
   •   Tema principal del álbum, lanzado como sencillo en mayo de 1982. En el álbum, la pieza instrumental “Sirius” lo precede, aunque en la versión del sencillo se omite “Sirius”  ￼.
   •   Compositores: Alan Parsons y Eric Woolfson; productores: ambos también  ￼.
   •   Género: rock/pop suave, art pop, yacht rock y progresivo  ￼.
   •   Tiene una duración aproximada de 4:36 en la versión de álbum y 3:55 en la edición de 7 pulgadas  ￼.
   •   Fue un gran éxito internacional: alcanzó el n.º 3 en Billboard Hot 100 (EE. UU.), n.º 1 en Canadá y España, y n.º 6 en Nueva Zelanda  ￼.
   •   En 2019, Alan Parsons grabó una versión en catalán titulada “Seré els teus ulls al camí” como parte de una campaña benéfica  ￼.

4. Temática e Inspiración
   •   El título y la letra sugieren un sentimiento de vigilancia omnipresente, similar al concepto de “Gran Hermano” en 1984 de George Orwell  ￼ ￼.
   •   También se interpreta como una reflexión sobre sistemas de creencias —religiosas, políticas, de suerte— y la idea de que “alguien nos está observando” desde lo alto  ￼.
   •   Un comentario curioso en Reddit sugiere una interpretación relacionada con vigilancia en casinos (el “pit boss” y las cámaras en el techo), pero otros usuarios lo desmienten  ￼.

5. Colaboradores Destacados
   •   Voz principal: Eric Woolfson.
   •   Músicos habituales del proyecto: Ian Bairnson (guitarras), David Paton (bajo), Stuart Elliott (batería), Chris Rainbow (coros), entre otros.

Resumen temático: el narrador asume el rol de un observador que ve a través de las mentiras (“ojo en el cielo”), pone límites, renuncia a discusiones circulares y advierte que no lo van a engañar más. Es una metáfora de vigilancia/claridad emocional más que de control literal.

Mini-traducciones (≤90 caracteres):
   •   “Soy el ojo en el cielo, te estoy mirando, puedo leer tu mente.”
   •   “No digas cosas de las que te vayas a arrepentir.”

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Análisis armónico (compacto y útil para tocar)

Tonalidad y modo. La canción se mueve entre B menor (versos) y su relativo D mayor (estribillo). Es típico escuchar un vamp Bm–G en la intro/versos y una resolución clara a D en el estribillo.  ￼

Métrica y tempo. 4/4 a ~112 BPM. El groove acentúa 3-3-2 dentro del compás, lo que da esa sensación de avance hipnótico.  ￼ ￼ ￼

Color modal clave. El paso G → Gm en contexto de D mayor es una mezcla modal (iv prestado) que oscurece el clima justo antes de resolver hacia acordes de Bm/Em o volver a D. Ese iv prestado es gran parte del “sello” del tema. (Escúchalo en los versos y al cierre del estribillo).

Eye in the sky

Autor: Paul Anka, cantante y compositor canadiense, escribió “She’s a Lady” a fines de 1970.
   •   Contexto: Anka, conocido por su prolífica carrera como creador de baladas y temas pop, había escrito ya varios éxitos para otros artistas (incluido My Way para Frank Sinatra). En este caso, concibió la canción para Tom Jones, con quien tenía una relación artística cercana.
   •   Estilo: La obra es un clásico del pop orquestal con fuerte influencia soul, escrita en un tono de homenaje a la figura femenina. La letra describe a una mujer admirada y respetada, con un tono galante y caballeresco.

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Publicación y éxito
   •   Lanzamiento: Tom Jones grabó la canción y la lanzó como sencillo en enero de 1971.
   •   Éxito en rankings: Alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100 en EE.UU. (solo superada por Me and Bobby McGee de Janis Joplin), y llegó al número 1 en el Cash Box chart.
   •   Fue uno de los mayores éxitos internacionales de Jones y se convirtió en parte esencial de su repertorio.
   •   En el Reino Unido, curiosamente, no tuvo el mismo impacto comercial, pero en Norteamérica consolidó a Jones como una estrella de la canción pop-soul.

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Estilo e interpretación de Tom Jones
   •   La versión de Tom Jones es la que inmortalizó el tema.
   •   Jones le imprime su característica voz potente, de timbre cálido y con tintes de soul, que contrasta con la orquestación pop orquestal y los coros femeninos de apoyo.
   •   La interpretación es expansiva, sensual y segura, reforzando la imagen de Jones como un ídolo masculino con fuerte magnetismo escénico.
   •   La canción se convirtió en un símbolo de su estilo: apasionado, lleno de energía y con un aire de sofisticación caballeresca.

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Legado
   •   Reconocimiento: “She’s a Lady” sigue siendo el mayor éxito estadounidense de Tom Jones.
   •   En la cultura popular: Aparece en recopilatorios, especiales de televisión y bandas sonoras. Se ha versionado en distintos estilos, pero la impronta de Jones permanece como la definitiva.
   •   Relación Paul Anka - Tom Jones: La colaboración reforzó la capacidad de Anka como compositor de éxitos para otros artistas y consolidó a Jones en el mercado estadounidense.

LETRA

Ella es todo lo que soñé,
la mujer que siempre quise y llevaré a cenar.

Siempre sabe dónde estar,
tiene estilo, tiene gracia, y nunca va a fallar.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

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Nunca estorba al caminar,
siempre tiene una sonrisa y algo bueno que dar.

Sé que puedo confiar,
ella sola se defiende y nada puede andar mal.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

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Nunca pide más de lo normal,
y yo todo se lo quiero dar.

Con respeto la sabré cuidar,
jamás la heriría, no lo haría jamás.

Lo que tiene no se encuentra más,
y perderla no lo aguantaría.

Juntos vamos a poder lograr
que una arcilla se haga montaña.

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Ella sabe quién yo soy,
lo que tengo y lo que doy, aunque no sea fácil.

Ella sabe cómo amar,
cómo hacerme sonreír y siempre me complace.

Es mi dama, oh oh oh, es mi dama,
hablo de esa linda dama… y esa dama es mía.

She’s a lady

Herb Alpert - 'Rise'
• Composición y origen: “Rise” fue compuesta por Andy Armer y Randy “Badazz” Alpert (sobrino de Herb). Inicialmente se pensó como un tema de baile disco, pero Herb decidió grabarla con un tempo más lento, creando una fusión única entre jazz-pop, funk y R&B instrumental.
• Lanzamiento: Agosto de 1979, dentro del álbum homónimo Rise.
• Estilo: Es un instrumental caracterizado por el uso de la trompeta de Alpert sobre un groove funk con sintetizadores y bajo marcado, muy innovador para la época.
• Contexto histórico: Fue parte de la reinvención de Herb Alpert tras sus grandes éxitos de los años 60 con la Tijuana Brass. Con Rise, Alpert demostró que podía adaptarse a las tendencias de finales de los 70.

🎺 Comentarios sobre la versión de Herb Alpert
• La versión de Alpert es la original y definitiva: elegante, moderna y sofisticada, con un sonido que mezcla elementos de jazz con ritmos contemporáneos.
• Su trompeta brilla con un fraseo cálido y melódico, que evita la estridencia.
• Fue un corte que revitalizó su carrera: después de un tiempo sin grandes éxitos, volvió a la cima de las listas internacionales.
• Su sonoridad influyó en posteriores instrumentales pop y fue muy usada en programas de televisión, comerciales y eventos deportivos.
• En los 90, “Rise” ganó nueva popularidad porque fue sampleada en “Hypnotize” de The Notorious B.I.G. (1997), introduciendo el tema a una nueva generación.

🏆 Reconocimientos y premios
• Billboard Hot 100: alcanzó el #1 en octubre de 1979, siendo el único instrumental en lograrlo en toda la década del 70.
• Billboard Adult Contemporary: también llegó al #1.
• Grammy Award 1980: ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
• Se convirtió en un clásico instrumental de la música popular norteamericana, y consolidó a Herb Alpert como el único artista en alcanzar el #1 en Billboard tanto con un tema vocal (“This Guy’s in Love with You”, 1968) como con un instrumental (“Rise”, 1979).

📅 Línea de tiempo de 'Rise'
• 1979 (agosto): Lanzamiento del sencillo y del álbum homónimo Rise.
• 1979 (octubre): #1 en Billboard Hot 100 y Adult Contemporary.
• 1980: Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
• 1997: Sampleada en el clásico del hip-hop 'Hypnotize' de The Notorious B.I.G., alcanzando nueva relevancia.
• Actualidad: Sigue siendo un referente del jazz-pop instrumental y un hito en la carrera de Herb Alpert.

Rise

“Fragile” fue escrita e interpretada por Sting (Gordon Sumner). Fue lanzada en 1987 dentro de su segundo álbum solista …Nothing Like the Sun.
   •   Inspiración: Sting la compuso como un homenaje a Ben Linder, un ingeniero civil estadounidense asesinado en Nicaragua en 1987 mientras trabajaba en proyectos de energía hidroeléctrica. Linder fue muerto por la “Contra”, en el marco de la guerra civil nicaragüense.
La canción expresa la fragilidad de la vida humana y la violencia sin sentido.

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🎶 Aspectos musicales
   •   Estilo: Una balada de atmósfera suave, lírica y contemplativa, con elementos de bossa nova, jazz y folk.
   •   Instrumentación: La guitarra clásica (interpretada por Sting) es el eje central. El acompañamiento es sobrio: percusión mínima, toques atmosféricos y una voz contenida, casi susurrante.
   •   Lenguas: Además de la versión original en inglés, Sting grabó “Fragile” en portugués (“Frágil”) y en español, lo que amplificó su alcance internacional.

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🌍 Relevancia histórica y cultural
   •   Conciertos y homenajes:
      •   Se convirtió en una de las canciones más interpretadas en vivo por Sting, casi un himno personal.
      •   Fue interpretada en momentos de gran carga simbólica, como el Concierto del Milenio en 1999 en Roma, o tras los atentados del 11 de septiembre de 2001, donde la usó como canto de paz y memoria.
      •   En 2016 la tocó en la reapertura de la sala Bataclan en París, tras los atentados terroristas de 2015.
   •   Mensaje universal: Con su frase central (“how fragile we are”) la canción transmite una advertencia sobre la vulnerabilidad de la vida frente a la violencia y la injusticia.

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📀 Recepción y legado
   •   Crítica: No fue un gran éxito comercial como sencillo en EE.UU., pero se convirtió en una de las composiciones más admiradas de Sting por su carga poética y humanista.
   •   Popularidad: “Fragile” es hoy uno de los temas icónicos de su repertorio, asociado a la paz y la memoria de víctimas de violencia.
   •   Versiones y covers: Ha sido versionada por numerosos artistas y permanece como pieza frecuente en recopilatorios de Sting.

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🎸 Biografía breve de Sting en este período
   •   Sting post-Police: Tras la separación de The Police en 1986, Sting consolidó su carrera solista.
   •   El álbum …Nothing Like the Sun (1987) mostró su madurez como cantautor, con fuertes influencias de jazz y world music, y abordó temas sociales y políticos.
   •   En esa etapa, Sting se consolidó como artista comprometido con causas humanitarias, defensor de derechos humanos y crítico de la violencia.

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👉 En síntesis: “Fragile” no es solo una canción, sino un manifiesto poético de Sting contra la violencia y a favor de la vida, que con su estilo delicado de bossa nova se convirtió en un himno universal de paz.

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Fragile

“Venus” – Shocking Blue (1969)

Datos históricos y biográficos
   •   Banda y lanzamiento: La canción fue compuesta por Robbie van Leeuwen y grabada por la banda neerlandesa Shocking Blue, lanzada como sencillo el 14 de julio de 1969  ￼.
   •   Género: Una mezcla de country rock, dance-rock, psicodélia y pop-rock  ￼.
   •   Voz principal: Interpretada por Mariska Veres, quien se convirtió en la icónica cantante de la banda desde 1968  ￼.
   •   Inspiración musical: Basada en “The Banjo Song” de Tim Rose y The Big 3, y derivada a su vez de “Oh! Susanna” de Stephen Foster. El riff de guitarra inicial recuerda al de “Pinball Wizard” de The Who  ￼.
   •   Grabación: Se realizó en el estudio Soundpush (Blaricum, Países Bajos) usando una máquina de dos pistas; Robbie van Leeuwen también produjo el tema  ￼.
   •   Error notable: En la letra impresa, “goddess” se escribió como “godness”, lo que Mariska cantó en vivo ya que no dominaba inglés  ￼.

Éxito comercial
   •   Alcanzó el n.º 1 en nueve países, incluyendo Bélgica, Francia, Alemania, Australia, Brasil, Canadá y más  ￼.
   •   En EE. UU., se lanzó el 2 de octubre de 1969 y llegó al n.º 1 en el Billboard Hot 100 el 7 de febrero de 1970, siendo la primera canción de una banda neerlandesa en lograrlo  ￼.
   •   Certificación de oro el 28 de enero de 1970 por más de un millón de copias vendidas en EE. UU.  ￼.
   •   Ventas globales: Más de 5 millones de copias  ￼.

Versiones destacadas
   •   La versión más famosa es la de Bananarama (1986), que alcanzó el n.º 1 en EE. UU. y en al menos seis países más; fue parte de su álbum True Confessions  ￼.
   •   Otras versiones incluyen Tom Jones (1970) y un remix usado en la apertura del medley “Stars on 45” (1981)  ￼.

En cultura pop
   •   Aparece en la serie The Queen’s Gambit (2020), cuando la protagonista baila frente al video musical  ￼.
   •   Se incluye en comerciales de la línea de afeitadoras Gillette Venus desde aproximadamente 2001  ￼.

Letra traducida al español (versión Shocking Blue)

Tomada de Lyricstranslate:

**Una diosa en la cima de la montaña**
> Ardía como una llama de plata
> La cumbre de la belleza y del amor
> Y Venus era su nombre
> Ella lo tiene, sí, cariño, ella lo tiene
> Bien, soy tu Venus, soy el fuego de tu anhelo
> (… sigue el coro repetido …)
> Sus armas eran sus ojos de cristal
> Volviendo loco a cualquier hombre
Era negra como la noche oscura
Tenía lo que nadie más tenía
￼ ￼

Venus

Roberto Cantoral compuso “El reloj” en 1956, en Washington D.C., frente al río Potomac, al concluir una gira de su grupo Los Tres Caballeros por Estados Unidos. Durante esa estancia, vivió un romance con una de las artistas del espectáculo que, esa misma noche, habría de partir a Nueva York. La presencia de un reloj de salón en ese último encuentro, junto con la inminente separación, inspiró la creación del bolero  ￼ ￼.
   •   Versiones contradictorias (leyenda urbana)
Existe una versión alternativa, más trágica, según la cual Cantoral compuso la canción en un hospital mientras le comunicaban que su esposa, gravemente enferma, no vería amanecer. Sin embargo, esta versión ha sido ampliamente desacreditada y se considera una leyenda urbana  ￼.
   •   Estreno y éxito inmediato
La canción fue estrenada por Los Tres Caballeros en 1957 y se convirtió en un éxito instantáneo  ￼. Al año siguiente, en 1958, fue grabada por el famoso trío Los Panchos  ￼.

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Letra y espíritu del bolero

La letra expresa una profunda desesperación ante la separación inminente. Algunas de las frases más evocadoras incluyen:
   •   “Reloj, no marques las horas, porque voy a enloquecer”
   •   “Ella se irá para siempre cuando amanezca otra vez”
   •   “No más nos queda esta noche para vivir nuestro amor”
   •   “Detén el tiempo en tus manos, haz esta noche perpetua”
Estas líneas reflejan la fugacidad del amor y el deseo de detener el tiempo para prolongar el momento compartido  ￼ ￼.

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Intérpretes destacados

“El reloj” ha sido interpretado por numerosos artistas de renombre en distintas épocas y estilos:
   •   Los Tres Caballeros (versión original, 1957)
   •   Los Panchos (1958)
   •   José José
   •   Luis Miguel (incluyó la canción en su álbum Romances, 1997)
   •   José Feliciano
   •   Juan d’Arienzo (orquesta)
   •   Lucho Gatica (inducto al Latin Grammy Hall of Fame)
   •   Alejandro Fernández
   •   Il Volo
   •   Neil Sedaka, entre otros  ￼ ￼.

Luis Miguel logró particular éxito con su versión en 1997, alcanzando el #1 en Airplay Latino y recibiendo el BMI Latin Award en 1999  ￼. También, José José interpretó “El reloj” en su álbum Romántico de 1981  ￼.

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Sobre Roberto Cantoral
   •   Biografía breve
Roberto Antonio Cantoral García nació el 7 de junio de 1930 en Ciudad Madero, Tamaulipas, y falleció el 7 de agosto de 2010  ￼.
   •   Trayectoria musical
Inició su carrera formando el Dueto Hermanos Cantoral con su hermano Antonio (1950), y posteriormente fundó el trío Los Tres Caballeros junto a Chamín Correa y Leonel Gálvez  ￼.
   •   Obras destacadas
Entre sus éxitos más perdurables se encuentran: El reloj, El triste, La barca, Noche no te vayas, Regálame esta noche, El preso número nueve, Yo lo comprendo, Al final, entre otros  ￼.
   •   Reconocimientos y legado
Fue presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM) desde 1982 hasta antes de su fallecimiento. Además, recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales.
LETRA

Reloj, no marques las horas
porque voy a enloquecer,
ella se irá para siempre
cuando amanezca otra vez.

No más nos queda esta noche
para vivir nuestro amor,
y tu tic-tac me recuerda
mi irremediable dolor.

Reloj, detén tu camino
porque mi vida se apaga,
ella es la estrella que alumbra mi ser,
yo sin su amor no soy nada.

Detén el tiempo en tus manos,
haz esta noche perpetua
para que nunca se vaya de mí,
para que nunca amanezca.

El reloj

Another Day in Paradise
   •   Artista: Phil Collins
   •   Álbum: …But Seriously (1989)
   •   Género: Soft rock / Pop rock
   •   Duración: 4:48 (versión álbum)
   •   Productores: Phil Collins y Hugh Padgham
   •   Instrumentación destacada: sintetizadores atmosféricos, caja de ritmos, guitarra de David Crosby en coros.
   •   Premios: Ganó el Grammy a Grabación del Año (1991) y un MTV Video Music Award por Mejor Video de un Artista Masculino.

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📜 Contexto Histórico
   •   Lanzada en octubre de 1989, fue el último gran éxito de la década de los 80 en alcanzar el nº 1 en el Billboard Hot 100 (diciembre 1989 – enero 1990).
   •   Se mantuvo 4 semanas en el nº 1 en EE.UU. y lideró rankings en múltiples países (Reino Unido, Alemania, Canadá).
   •   Fue el primer sencillo del álbum …But Seriously, que marcó un giro más serio en la carrera de Collins, alejándose del pop ligero hacia temáticas sociales.
   •   El videoclip, dirigido por Jim Yukich, mostraba imágenes urbanas con escenas de personas en situación de calle, reforzando el mensaje social.

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🧑‍🎤 Biografía y Significado

Phil Collins (n. 1951, Londres), ya famoso como baterista y cantante de Genesis y como solista en los 80, compuso esta canción inspirado por la creciente crisis de personas sin hogar en Londres y EE.UU. en los años 80.

El tema describe a un hombre que, al ver a una mujer pidiendo ayuda en la calle, elige ignorarla y seguir su camino. El mensaje central es la indiferencia social hacia los más vulnerables:
   •   “Es solo otro día en el paraíso” es una ironía amarga, denunciando cómo se normaliza la desigualdad.
   •   Fue la primera canción de Collins en abordar de forma tan explícita un problema social.

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🌍 Impacto y Legado
   •   Se convirtió en una de las canciones más reconocibles de Phil Collins y un himno de conciencia social en la música pop.
   •   Fue versionada por varios artistas, entre ellos Brandy y Ray J (2001), cuya interpretación también alcanzó gran popularidad.
   •   Hoy sigue siendo considerada una de las canciones más importantes en el repertorio de Collins, y suele abrir debates sobre el papel de la música pop en la crítica social.

Phil Collins logra con una letra simple y repetitiva transmitir una idea demoledora: la indiferencia es tan violenta como la pobreza misma. La canción no busca contar una historia extensa, sino retratar un instante que expone un problema universal.

Another day in paradise

“Do You Know Where You’re Going To” 
(¿Sabes a dónde te diriges?)
(Theme from Mahogany)
   •   Autores: Michael Masser (música) y Gerry Goffin (letra).
   •   Primera versión: Thelma Houston la grabó en 1973, pero no fue lanzada como sencillo.
   •   Versión famosa: Diana Ross la interpretó en 1975 para la banda sonora de la película Mahogany. Esa fue la que se convirtió en un clásico internacional.
🎬 Relación con la película Mahogany (1975)
   •   Mahogany fue un filme dirigido por Berry Gordy, fundador de Motown.
   •   Protagonistas: Diana Ross (en el papel de Tracy, una aspirante a diseñadora de moda) y Billy Dee Williams.
   •   La canción funciona como tema principal y leitmotiv emocional del film, reforzando la pregunta existencial sobre sueños, destino y decisiones personales.
   •   El tema aparece en los créditos iniciales y finales, y su tono melancólico dialoga con la trama de ambición, amor y sacrificio.
🎶 Estilo musical
   •   Balada pop-soul, con una orquestación elegante y suave, típica de mediados de los ’70.
   •   Destaca la voz íntima y emotiva de Diana Ross, con una interpretación cargada de vulnerabilidad.
   •   La estructura es simple y circular, enfatizando la pregunta repetitiva del estribillo (“Do you know where you’re going to?”), que actúa más como reflexión filosófica que como un verso convencional.
🌍 Éxito comercial
   •   Lanzamiento: Octubre de 1975 como sencillo por Motown.
   •   Billboard Hot 100 (EE.UU.): N.º 1 en enero de 1976.
   •   También llegó al Top 10 en el Reino Unido y en varios países europeos y latinoamericanos.
   •   Fue nominada al Oscar a la Mejor Canción Original en 1976 (perdió contra I’m Easy de Keith Carradine de la película Nashville).
👩‍🎤 Diana Ross y la canción
   •   Este fue uno de los grandes éxitos de Diana Ross en su etapa solista, tras haber dejado a The Supremes en 1970.
   •   Consolidó su imagen no solo como cantante sino también como actriz en Hollywood, luego del reconocimiento por Lady Sings the Blues (1972), donde interpretó a Billie Holiday.
   •   La canción se convirtió en uno de sus temas insignia, asociado a su faceta más introspectiva y madura.
📚 Legado
   •   Hasta hoy, “Do You Know Where You’re Going To” se considera un himno melódico de los años ’70, con un mensaje universal sobre la búsqueda del propósito en la vida.
   •   Ha sido versionada por artistas como Shirley Bassey, Mariah Carey y Jennifer Lopez.
   •   En la cultura popular suele aparecer en recopilaciones de “baladas soul románticas” y en bandas sonoras nostálgicas.

LETRA
¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sabes lo que estás esperando?
¿Reconoces las cosas que la vida está trayendo?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

Una vez tuvimos los sueños más allá del cielo,
nos los dejamos escapar.
¿Dejamos que el camino nos pasara por encima?
Los sueños se marchitan tan rápido.

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sigues buscando esa vida que planeamos?
Lo que significaba para nosotros era tan real.
Solo en tus ojos veo que has soñado,
con tanto dolor dentro.

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

¿Sabes a dónde te diriges?
¿Te gusta lo que la vida te está mostrando?
¿A dónde vas?
¿Sabes?

Theme from Mahogany

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac

Theme from Mahogany

Adrian en guitarra

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