Antes de desarrollar el vibrato, es necesario tener una buena elasticidad de los músculos vocales, un control adecuado del flujo de aire y una resonancia estable. El vibrato es una oscilación entre dos notas, 
controlada por el diafragma y la laringe, que le da al sonido una mayor expresión y calidez.

El cantante puede controlar la velocidad y la altura del vibrato. Por lo general, la extensión del vibrato en un solista es de un semitono. Por ejemplo, puedo oscilar entre C y C# y estaría haciendo un vibrato de semitono. Un vibrato lento no es muy agradable al oído, y uno demasiado rápido puede hacer que la voz suene como una cabra (de ahí se deriva el término "vibrato caprino"). Se estima que el vibrato que mejor suena al oído, en términos generales, va de entre 5 a 7 oscilaciones por segundo. Sin embargo, esto es algo generalizado, porque cada uno de nosotros es diferente y tenemos diferentes gustos estéticos.

Para desarrollar el vibrato, se recomienda empezar en una nota base y alternarla con un semitono. Tocar las dos notas 
lentamente e ir aumentando la velocidad haciendo un trabajo consciente y 
controlado de apoyo diafragmático. Un buen vibrato suele ir acompañado de una "cuota" de trémolo.

10. vibrato

Este efecto vocal consiste en cantar una sucesión de notas ligadas para adornar una frase, aportándole mayor expresividad y emoción a la canción. Las notas ligadas se cantan sin interrumpir el flujo de aire, dando un efecto de suavidad y continuidad en la música, y permitiendo que los sonidos se mezclen entre sí para crear una melodía más fluida y armoniosa.

Los melismas pueden hacerse de forma ascendente o descendente a la vocal de una palabra, aunque también pueden hacerse en algunas consonantes. La forma más común de incorporar melismas en una canción es tomar las sílabas en las que haya una nota sostenida y, sobre ésta, hacer dos o más notas ligadas, las cuales deben estar dentro de una escala acorde con la armonía de la canción. Por ejemplo, si la canción está en C mayor, se pueden hacer dos o más notas dentro de la misma escala.

11. Melismas

El trémolo, por otro lado, es una variación de la velocidad y cantidad de aire para modificar la intensidad del volumen de una nota. Un tremolo puro se logra a través de la correcta regulación del flujo de aire, mediante pequeños movimientos abdominales y pulsaciones de aire mientras sostenemos una nota. Esta técnica nos dará un efecto interesante, pero debemos evitar generar una carga excesiva de presión en el control de la respiración, ya que podría causar fatiga muscular y fricción en las cuerdas vocales, ocasionando gallos, desconexión del sonido y, si se usa de manera constante, puede afectar la salud vocal.

12. Tremolo

Existe un tramo muy agudo de la voz humana, distinto de la voz de cabeza, denominado voz de silbido. Aunque es un registro vocal, al igual que el registro de pecho y cabeza, lo ubicaré en los efectos vocales, puesto que no es una técnica imprescindible, excepto para cantar repertorio operístico de soprano ligera.
La voz de silbido no es la voz de cabeza ni falsete; es el registro de voz más agudo de la voz humana y el más desconocido. En este registro, las cuerdas vocales dejan de estirarse y se cierran completamente.

13. Voz De Silbido

La técnica de voz mixta combina el uso del registro de pecho con registro de cabeza, produciendo un sonido equilibrado, cálido y completo, con gran proyección, libertad y potencia.

En este registro, la voz se siente como si resonara tanto en el pecho como en la cabeza al mismo tiempo, creando una sensación de facilidad al cantar. La técnica se puede lograr a través de varios métodos y ejercicios de técnica vocal, como la práctica de belting o la conexión entre registros. Esto ayuda a conectar la voz de pecho con la voz de cabeza eliminando los famosos "gallos" y produciendo una transición suave, homogénea y sin esfuerzo entre registros sin producir una ruptura en el sonido.

14. Voz De Cabeza Mix Voice

Es un estilo de canto en el que la voz suena airosa, velada por el aliento y desconectada de los resonadores, lo que crea un efecto de cercanía y conexión única de cálida intimidad con el oyente.

Para lograrlo, es necesario mantener las cuerdas vocales muy separadas, lo que permite un flujo de aire excesivo y 
descontrolado. Esto hace que sea más difícil vibrar las cuerdas vocales y solo se puede conseguir sonido enviando más aire, lo que significa que cantar de manera libre y sencilla requiere más esfuerzo.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que al lograr una voz airosa se produce mayor fatiga vocal. Muchos cantantes quieren destacar este rasgo en su voz, mientras que otros quieren eliminarlo.

15. Breathing Voice

Las distorsiones son alteraciones 
intencionales que podemos aplicar a la voz para ensuciar el sonido, generando diferentes matices de intensidad emocional como excitación, furia y pasión 
energética, especialmente en estilos como el metal en todas sus ramificaciones, el rock, punk, blues e incluso en el pop.

Debemos deformar deliberadamente el sonido de la voz para crear un efecto agresivo, potente pero siempre controlado. Aunque cualquier cambio en el sonido vocal podría ser considerado como una forma de distorsión, desde quitarle resonancia hasta desafinar la nota, cuando hablamos de distorsión en el canto nos referimos específicamente a la 
combinación de diferentes mecanismos laríngeos, la presión de aire que se emite por las cuerdas vocales y las posiciones del tracto vocal para generar el efecto deseado.

16. Guturales

El cracking consiste en agregar 
intencionalmente una corta y abrupta interrupción o desconexión del sonido durante la emisión de una nota sostenida en registro de pecho, lo que realza una sensación de desgarro y quiebre vocal para enfatizar la emoción del cantante. La forma correcta de conseguirlo es añadiendo la interrupción con un falsete entre las dos notas sostenidas en registro de pecho, rompiendo la continuidad del sostenido y agregando, de forma segura para el cantante, emoción y sentimentalismo a la interpretación.

17. Cracking Voice

En esta técnica se puede modificar el timbre de la voz, exagerando y alterando el tamaño y la posición de los resonadores de la zona de la máscara para conseguir un sonido más brillante o afilado.
Para entender el concepto de Twang basta con imitar el maullido de un gato, la voz de un duende, la risa de una bruja, o el ‘cuack’ de un pato. Se puede notar cómo cambia el timbre de la voz, haciéndose más nasal y estrechando un poco la garganta.

Al realizar Twang, el velo del paladar cae sobre la parte posterior de la lengua, lo que abre el tracto nasal y potencia el resonador nasofaríngeo, tal como sucede al 
pronunciar el fonema “NG” en palabras como “Inglaterra”, “inglés” o “ángulo”.

18. Twang

Cante Ya Cante Ya

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