Todos en algún momento necesitamos refugiarnos de la inflexible realidad que nos muerde los tobillos. En esta edición se habla de astrología, fotografía y posmodernidad, pero especialmente, sobre mentirnos a nosotros mismos.

Ways of seeing: https://youtu.be/2km4IN_udlE

Volumen 18. El autoengaño.

Escrita a partir de una premisa que recuerda inevitablemente a El día de la marmota —en medio de la ofensiva final para detener una invasión extraterrestre, un soldado descubre que está viviendo una y otra vez el día de su muerte en el campo de batalla— Edge of Tomorrow está situada en una atractiva intersección audiovisual: es el clásico vehículo de acción para una movie star (Tom Cruise), pero también es un blockbuster que falló en su paso por los cines y que encontró una segunda vida en el DVD y en el streaming; por último, se trata de un producto abiertamente inspirado en los hábitos de repetición de la cultura gamer. Puesta al medio de ese cruce de caminos, "Live Die Repeat" (ese es el título con que se la conoce hoy), agrega algo clave en el cine de espectáculo de siglo XXI: su creciente dependencia de espectadores acostumbrados a consumir material previamente masticado, markeateado y probado. Son las propias películas las que han entrenado a su audiencia en los beneficios (y el infierno) de la repetición. Sobre eso y más se habla en este podcast.

#483 Edge of Tomorrow (2014) y las paradojas de la repetición

El Jilguero, Oscar Castro

Los violines que bailan

Recuperando su ganado en un terreno agreste Dan Evans y sus hijos ven algo que no debían: el banda del forajido Ben Wade, asaltando una diligencia y cometiendo un crimen. Es el punto de partida en ambas versiones de 3.10 to Yuma, la filmada en 1957 por Delmer Daves —un clásico del western— y la emprendida exacto medio siglo después por James Mangold. Ambas se basan en un cuento que Elmore Leonard concibió como una fábula moral; el enfrentamiento entre Wade y Evans, dos tipos cuyos valores no pueden ser más opuestos y que, sin embargo, resultan mucho más parecidos de lo que ellos mismos creían. Ambas, también, se ven obligadas a expandir mucho los horizontes de la breve narración: Daves lo hace imprimiendo un pulso esencial, casi abstracto, apoyado en los notables Glenn Ford y Van Heflin; Mangold, en tanto, apela a expandir tanto la geografía como la crueldad del relato; se queda corto, pero la carga simbólica de los personajes de Leonard le ayudan a llegar hasta el tren. De eso y más se habla en este podcast.

#522 3.10 to Yuma (1957), de Delmer Daves, y 3.10 to Yuma (2007), de James Mangold

Emprendida con un nivel de concentración y energía que hacía presagiar la ambición artística puesta sobre ella, La princesa Mononoke es, en cierta forma, la pieza central en la inmensa obra de Hayao Miyazaki. Sus raíces pueden rastrearse desde Nausicaa (1984) y sus ecos se extienden hasta El niño y la garza (2023), pero este relato acerca de un príncipe maldito que busca la fuente del mal que lo infectó a él y trató de destruir su pueblo es mucho más que una simple aventura vengadora: ese "mal" es producto del inevitable choque entre el mundo mítico y el mundo de los hombres; el combate que trenza a un orden milenario y uno tecnológico, y que se resuelve en términos de "apocalipsis", la alteración definitiva de esa naturaleza que Miyazaki evoca en sus ficciones como un torrente que se desborda, arrastrando todo a su paso, sólo para refundarse de un modo que los habitantes de esas realidades apenas alcanzan a entender. Puesta en ese marco, Sen —la princesa de espíritu vengador, a la que alude el título— es una más entre las muchas criaturas sujetas a esos violentos cambios. De eso y más se habla en este podcast.

#533 La princesa Mononoke (1997), de Hayao Miyazaki

A principios de los 60 y después de una larga carrera documental que lo llevó, literalmente, por medio mundo, el holandés Joris Ivens se vio en la posición de dar rienda suelta a su fascinación por Valparaíso, su bahía, sus habitantes, ascensores, arquitectura, en fin, por un espacio que se despliega con furia y pasión, en clave histórica, lírica y social en menos de media hora. El logro es prodigioso, y de algún modo funde la vieja idea de la "sinfonía de ciudad", con el rigor de la mirada urbanística y un leve guiño a los "nuevos cines latinoamericanos" que recién se desplegaban por el continente. Trabajando con asistentes chilenos (Sergio Bravo y un joven Patricio Guzmán, la pluma de Chris Marker en el guión y la música de Georges Delerue, Ivens consigue plasmas en su película a una ciudad perenne, de la que el ayer y el hoy son sólo parte de un continuo inalterado. De eso y otras cosas se habla en este podcast.

TASCAM DR-40

#432 À Valparaiso (1964), de Joris Ivens

A 25 y más años de distancia, el estatus de Forrest Gump dentro del cine contemporáneo tiene menos que ver con los premios obtenidos y el dinero ganado que con la capacidad de seguir conectando con una audiencia que la abrazó desde el momento de su estreno, intuyendo de forma casi automática su vocación de entretenimiento popular y película de gratificación, pero además su condición de filme terapeútico, de propuesta sanadora de heridas y traumas de una generación -la de los años 60- y también de hija de un país dividido por tensiones raciales, económicas y culturales. En medio de eso, la figura de Forrest emerge con ribetes redentores para algunos o como crisol de tendencias para otros, mientras la película avanza comentándose a sí misma (a través de la historia del cine, la evolución de los medios o las huellas que el pop va dejando en sus públicos), con tal intensidad que -aparte de contener a su mundo de personajes- acaba sosteniendo y devorando varios otros, tan reales como ficcionados. Película epigonal como pocas, también acaba por devorarse lo que comentamos en este podcast.

#436 Forrest Gump (1994), de Robert Zemeckis

Divagaciones surtidas en formato de podcast. 

Volumen 18. El autoengaño.

Ideas de Bolsillo

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