This episode of Fashion Mythologies takes a closer look at the common understanding that skirts simply aren’t suited for men. But where does this conviction stem from? Exploring socio-historic aspects and contemporary examples of skirts and gender presentation, students of the IFM dismantle the myth that skirts are not for boys.


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The Fashion Mythologies: Men don't wear skirts (English)

In the past century, the luxury industry has witnessed several changes in the way people shop and the rise of new consumer values. Consciousness, individualism, national pride, ethics, and transparency… are fews of these principles, counterbalancing with conspicuousness and triggering the shift of the luxury industry. This new serie of the Fashion Mythology Podcast discusses the notion of accessibility and puts into question the existence of exclusive fashion luxury.


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The Fashion Mythologies: Is Fashion Luxury Accessible (English)

Do we really choose what we wear or are we unconsciously affected by the people and the things we surround ourselves with? In this episode of fashion mythologies we try to break down and investigate how the fashion industry effects the chain of consumers – whether you think you have your own individual style or know you are a slave to trends.

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The Fashion Mythologies: I Dont Follow Fashion Trends (English)

“Who are today’s dandies?”- In this episode, we head back in time to the 19th century with Prof. Emilie Hammen - professor and specialist in fashion historiography and craftsmanship- to learn all about the emergence, development, life and present status of the famous 19th century dandy figure.



◾  “InsideOut” is a podcast series where students interview and exchange with professors and researchers at Institut Français de la Mode. Each episode concentrates on a different issue of the fashion and creative industries. Join “InsideOut”, the fashion conversation from inside our campus out to you.

Host: Pauline Miserey (MSc in International Fashion and Luxury management)
Podcaster: Emilie Hammen, 
Recording & Editing: Alice Audrezet; Yannis BENKHALIFA & Josephine LAFAY

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Fashion InsideOut Ep 1: “Who are today’s dandies?” with Emilie Hammen

Cette semaine, Lucas Delattre, professeur de communication et de médias digitaux, nous parle de l'évolution de la mode dans l'économie numérique et de l'impact des nouveaux outils - métavers, plateforme et réseaux sociaux - sur la relation client-marque.

◾  “Fashion InsideOut” est une série de podcasts où des étudiants interviewent et échangent avec des professeurs et des chercheurs de l'Institut Français de la Mode. Chaque épisode se concentre sur un thème différent des industries de la mode et de la création. Rejoignez "Fashion InsideOut", la conversation sur la mode depuis notre campus jusqu'à vous.

Hôte : Emilie Joyaud (MSc in International Fashion and Luxury management)
Podcasteur : Lucas Delattre
Enregistrement et montage : Alice Audrezet & Joséphine Lafay
Musique : Universal Studio

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Fashion InsideOut Ep 2 : “Le métavers améliore-t-il la relation client ?” avec Lucas Delattre

Join us for a new episode of Fashion InsideOut in which Caroline Ardelet, Director of MSc programme at IFM, reveals the specificities of marketing in the luxury sector, the evolution and innovation of these practices in the face of new consumer demands, and the importance of the designer's role in these changes.

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•Host: Carolina Fefer - Student in the MSc in International   Fashion and Luxury Management 
•Podcaster: Caroline Ardelet
•Recording & Editing: Joséphine LAFAY & Yannis Benkhalifa
•Music: Universal Studio

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Fashion InsideOut Ep3 “Le marketing: sujet tabou dans la mode et le luxe? avec Caroline Ardelet

In this episode, Andrée-Anne Lemieux, Professor of sustainability and Head of the IFM x Kering Sustainability Chair, discusses the vitality of the transition from the linear business model to the circular business model in the fashion economy and presents local initiatives developed in Ghana, the world’s biggest clothing landfill. 

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Host: Claudia Chmielowiec & Samantha Jane (MSc in International Fashion and Luxury Management) 
Podcaster: Andrée-Anne Lemieux
Recording & Editing: Joséphine LAFAY  
Music: Universal Studio

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Fashion InsideOut Ep4 "Circularity in Fashion - Ghana a source of inspiration" with A-A Lemieux

Nos vêtements ont-ils une signification? Sont-ils une forme de langage? - Retrouvez nous pour un nouvel épisode avec Benjamin Simmenauer - Professeur de philosophie et Directeur des projets de recherche à l’IFM - qui  nous explique aujourd'hui, l’évolution de la signification des vêtements à travers le temps et en particulier celui du fameux Bomber MA1.

◾  “Fashion InsideOut” est une série de podcasts où des étudiants interviewent et échangent avec des professeurs et des chercheurs de l'Institut Français de la Mode. Chaque épisode se concentre sur un thème différent des industries de la mode et de la création. Rejoignez "Fashion InsideOut", la conversation sur la mode depuis notre campus jusqu'à vous.

Hôte : Pauline Miserey- Student in the MSc in International Fashion and Luxury management 
Podcasteur : Benjamin Simmenauer
Enregistrement et montage : Joséphine Lafay & Yannis Benkhalifa
Musique : Universal Studio

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Fashion InsideOut Ep5 "La signification du fameux bomber" avec Benjamin Simmenauer

Dans cet épisode, Alice Audrezet, enseignante et chercheuse en marketing, aborde le sujet de l'authenticité des influenceurs virtuels tout en soulignant les principales distinctions entre les influenceurs humains et leurs homologues virtuels.

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Hôte : Emilie Joyaud - Student in the MSc in International Fashion and Luxury management
Podcasteur : Alice Audrezet
Enregistrement et montage : Joséphine Lafay & Isabelle Field
Musique : Universal Studio

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Fashion InsideOut Ep6 "L’authenticité des influenceurs virtuels" avec Alice Audrezet

L'historien-chercheur Manuel Charpy (CNRS, Université Lille 3) raconte une aventure de mode : la longue histoire de la Sape, de la colonisation aux migrations (XIXe-XXe siècles).
A Brazzaville, Kinshasa et à Paris, la SAPE (Societé des Ambianceurs et des Personnes Elégantes), plus largement désignée sous le nom de « sapologie », est un mouvement d’identité vestimentaire qui détourne et réinvente depuis plus de 100 ans les codes de la mode parisienne.  Contrairement à la plupart des « subcultures », il ne s’agit pas d’un mouvement spontané et éphémère. Très consciente de sa longue histoire, la sapologie est une forme revendiquée du dandysme.
La transgression des codes vestimentaires européens, notamment au Congo, a commencé dès la fin du XIXe siècle. « Sortir ses griffes » est une expression courante de la « sapologie » . Il s'agit donc aussi d'une forme d'insoumission. Dans les années 1920, les autorités coloniales belges ou françaises ont pu effectuer des contrôles policiers sur les accoutrements vestimentaires… Dans le contexte post-colonial, les « sapeurs » immigrés en Europe aiment ne pas se « faire discrets » (ce que les sociétés occidentales leur demandent).
Les sapeurs consacrent des sommes très importantes à leurs dépenses de mode. Ils ont une connaissance pointue du vêtement et en parlent beaucoup (la sapologie est aussi une culture langagière très riche, avec des déclinaisons musicales sans fin). JMWeston, Capo Bianco, Daniel Hechter, mais aussi Balenciaga, YSL, Yamamoto... sont parmi leurs marques préférées. 
Aujourd’hui, des petits labels se créent à Paris, et des marques comme Paul Smith se saisissent de la sapologie pour en faire une référence de mode. ..
Plus de conférences : podcast.ifm-paris.com/

Une histoire de la sapologie africaine

Historien et spécialiste des couleurs, Michel Pastoureau propose une analyse appliquée au vêtement, en particulier au Moyen-Âge, tout en sachant que la couleur est doublement marginalisée, à la fois par l’histoire en tant que discipline académique, et au sein d’une histoire du vêtement qui reste encore à écrire. Il est vrai qu’il existe un déséquilibre entre le foisonnement des sources concernant le vêtement d'apparat et le vêtement du commun des mortels faisant rarement l’objet de commentaires. 
Pour comprendre le monde ancien des couleurs, non seulement il convient de faire abstraction de la découverte du spectre de la lumière par Isaac Newton (1666), mais encore il importe de savoir que les anciens parlaient de matières, de densité, de saturation, plutôt que de coloration proprement dite. Ainsi, dire « bleu », pour les gens du XIIIe siècle, signifiait des dizaines de nuances que ne nous ne connaissons plus de la même manière aujourd'hui (éclat, densité, brillance, matité, concentration de matière colorante...). A quelles conditions peut-on se réapproprier cette richesse sensible, culturelle et chromatique ?

Plus de conférences : http://podcast.ifm-paris.com/

Une histoire des couleurs dans le vêtement

Analyser l'utilisation du costume dans le cinéma, c'est adopter une double approche : 1) constater que la véracité historique n'est pas un bon critère d'analyse, car tous les costumiers ou costumières prennent de grandes libertés avec l'histoire. 2) savourer, à partir de nombreux détails, le fait que le cinéma est avant tout le reflet de l'époque où il se fait, avec des canons de beauté qui correspondent toujours au temps présent. 
L'analyse, ici, est celle du costume historique de l'époque Renaissance dans deux films de cinéma : La Reine Margot de Patrice Chéreau, costumes de Moidele Bickel (1994), et Marie-Antoinette de Sofia Coppola, costumes de Milena Canonero (2006). 
Une conférence de Isabelle Paresys (maître de conférences à l'université Lille 3, laboratoire IRHIS.

Le costume historique au cinéma

Le kitsch et ses déclinaisons dans la mode et le luxe : Marie Schiele (doctorante en philosophie, Université Paris-Sorbonne) en parle ici avec une approche à la fois historique et philosophique. De quoi le kitsch est-il le nom ? Une analyse qui explore notamment les collaborations entre Jeff Koons et LVMH, Gucci sous l’ère Alessandro Michele, les oeuvres de l'artiste Chloé Wise et le déferlement des logos revisités (Balenciaga, Louis Vuitton, Gucci/Guccy...).

Une histoire du kitsch et de son usage dans la mode

Les analyses et les concepts de Pierre Bourdieu (1930-2002) aident à « penser la mode ». Il s’agit notamment de l’opposition entre dominants et dominés, qui aide à dessiner un « champ » de valeurs, de normes ou de critères autour desquels s’établit une hiérarchie de pouvoirs entre individus, types de marchés ou marques. Le « capital symbolique », la « consécration » et la « légitimation » aident à comprendre certains enjeux sociologiques importants. Certains textes de Bourdieu portent d’ailleurs directement sur la mode et le luxe, comme « Le couturier et sa griffe, contribution à une théorie de la magie » (Pierre Bourdieu, Yvette Delsaut, 1975). 
L'invention du couturier moderne avec Charles Frederick Worth (1825-1895) manifeste selon Bourdieu la naissance du pouvoir charismatique du créateur, de l' « idéologie de la création » et de la notion de « griffe » associée à l'idée de « transsubstantiation ». Les analyses de Bourdieu sur la légitimité « inférieure » ou « supérieure » des disciplines dans la hiérarchie culturelle permettent de réfléchir aux oppositions entre production restreinte et production de masse, entre « art pour l'art » et commerce... 
Une conférence d’Agnès Rocamora, professeure au London College of Fashion.

Pierre Bourdieu et la mode

Xavier Romatet (ex-PDG de Condé Nast France), explore les contradictions entre notre statut de consommateurs et nos aspirations de citoyens.  « Liberté, vérité, égalité sont des valeurs intangibles. Face aux GAFA et à ce qu'elles nous apportent, le citoyen ne peut pas s’effacer derrière le consommateur ».

Consommateurs et citoyens, même combat ?

La théosophie, qui se concevait comme une religion englobant toutes les religions, fut créée en 1875 à New York, puis transférée en Inde en 1900. Son influence a été considérable sur les milieux cultivés autour de 1900-1920. Elle avait des adeptes partout dans le monde au début du XXe siècle, parmi lesquels Jacques-Emile Blanche, Jean Cocteau, Vassili Kandinsky ou encore Boy Capel, amant de Coco Chanel. Son principal représentant spirituel, Jiddu Krishnamurti (1895-1986) s'est progressivement transformé en emblème du développement personnel jusqu'à devenir une icône des campus américains après la Seconde Guerre Mondiale.
Une conférence d'Edouard Launet, journaliste et écrivain (également animateur du site Délibéré http://delibere.fr/

Une exploration de la théosophie

Aurons-nous bientôt un corps cybernétique, parcouru de capteurs, de senseurs et d’implants ? Sans aller jusqu’aux scénarios les plus audacieux des romans ou des films de science-fiction, les canons de beauté évoluent dans notre monde numérisé. Avec les réseaux sociaux, des codes inédits se répandent : esthétique des filtres, tendance à la dysmorphophobie, rhinoplastie… 
L’intelligence artificielle permet d’affiner notre apparence en fonction de multiples facteurs reliés à l’historique de nos émotions et de nos interactions : les assistants stylistes du type Echo Look (Amazon) confient notre « look » à des algorithmes.
Sur le plan de la santé, on peut désormais se nourrir de probiotiques conçus pour « optimiser son intérieur » et ce type d’approche s’étend jusqu’au cerveau, avec l’apparition de casques à ondes cérébrales. Dans un univers d’intelligence artificielle, tout ce qui se mesure doit être parfait. Le « bien-être holistique » est devenu une injonction courante et un business très rentable. 
Ce qu’il y a d’intéressant, c’est d’observer comment les outils numériques peuvent être détournés pour créer de nouveaux imaginaires singuliers et réinventer le visible : « reprendre possession de son corps, c’est hacker les technologies ».
Une conférence de Julien Tauvel, qui a créé et qui dirige le cabinet Imprudence, un collectif de création et de prospective basé à Paris. Dans le cadre du festival IFM 2019 (28 juin 2019).

Le corps numérisé

Karl Lagerfeld n’a jamais cessé de fréquenter la littérature, avec délectation et même une forme de boulimie. Il se décrivait volontiers comme « un vieux prof de lettres » et vivait entouré de livres qu’il achetait en trois exemplaires : un pour le lire, l’autre pour le découper et le troisième pour le ranger dans l’une de ses bibliothèques. Un de ses auteurs de chevet était Eduard Graf von Keyserling (1855-1918) : « Keyserling, c’est l’impressionnisme. Avec trois mots, vous voyez l’endroit, le pays, vous sentez l’air. La description, cela me frappe encore plus aujourd’hui, est incroyablement évocatrice avec un minimum de mots. J’aime que ce soit si court : j’ai horreur quand il faut 600 pages, vraiment pas nécessaire… » (propos recueillis par Bayon dans Libération, décembre 2010).
Karl Lagerfeld aimait aussi lire et relire Saint-Simon, Bossuet, mais aussi Colette et Paul Léautaud, ou encore Rilke, Virginia Woolf et Emily Dickinson… Il détestait les romans policiers et lisait peu de romans contemporains mais il avait une passion pour les dictionnaires (il a illustré le Larousse en 2009). « Je possède un mur entier de dictionnaires. J’adore ça. Pour moi, c’est LE roman policier. Si je n’étais pas dans la couture, j’aurais fait des études de langues, mais j’ai toujours été un peu feignant pour les études… »
Une conférence de Marie-Noëlle Demay dans le cadre du festival IFM 2019 (28 et 29 juin 2019). Marie-Noëlle Demay a fondé le magazine Gala et en a été rédactrice en chef avant de diriger pendant quinze ans le service Mode du magazine Marie-Claire. Elle a publié « Le crocodile devenu le sac à main de Karl Lagerfeld », un roman, au printemps 2018. 
Introduction : Ugo Bénézet (IFM/Management 2019).

Karl Lagerfeld, homme de lettres

Une artiste comme Billie Eilish, découverte à 15 ans en 2016, propose des visuels aussi pointus que sa musique et un style vestimentaire très étudié. Son univers ne se limite pas à la musique. Elle a déjà fait la « une » de 15 numéros de "Vogue". Elle est l’archétype d’une époque où l’image, le look, les chorégraphies ont au moins autant d’importance que la musique. La convergence des médias (musique, podcasts, vidéos, e-sport, cinéma, mode, sport…) transforme l’industrie musicale en « industrie visuelle ». Les clips, les captations, le live, les documentaires se multiplient… 
Dans ce vaste croisement des expressions et des cultures, l’industrie musicale est obligée de se réinventer.  Les genres musicaux, de moins en moins étanches, sont remplacés par des « ambiances » (« moods ») qui se construisent au gré des playlists éditorialisées par les plates-formes de « streaming ». Alors qu’en France, 65% des revenus de l’industrie viennent aujourd’hui du « streaming », 73% de la musique « streamée » provient des playlists et 63% des « streamers » écoutent des playlists éditorialisées. Les plateformes (comme Spotify ou Deezer) ont donc le pouvoir de « pousser » tel ou tel artiste. Les playlists deviennent quasiment des marques, si bien qu’être « bien playlisté » peut paraître « plus important que faire la une d’un magazine ».  
Une conférence d’Hélène Audouard et Jeanne de Villepoix (Universal Music France, division « A&R Studios»). A&R Studios est une agence créative intégrée, qui gère notamment les partenariats entre artistes musicaux et marques de mode, ou encore le merchandising (création de collections pour les artistes, gestion de magasins e-commerces pour les artistes).

Comment la musique est devenue une industrie "visuelle"

A partir des différentes notions qui se rapportent à l’idée de l’« enveloppement » et de l’ « emballage », on peut explorer quelques concepts fondamentaux de la philosophie et de l'esthétique du Japon. Chaque emballage, aussi humble soit-il, y contient une signification profonde : il est l’expression d’un savoir-faire très codifié depuis des siècles. Idéalement porteur d’une esthétique de « netteté » (« orimetadashi-sa », littéralement « plissage propre »), l’acte d’envelopper est considéré depuis la nuit des temps comme un acte sacré.  L’emballage a pour fonction de « ralentir la découverte du contenu, à la façon dont un jardin japonais permet au paysage de se déployer au fur et à mesure de la promenade... ». Associé à la perception du caractère éphémère de la beauté, l’emballage japonais reflète une « poétique des espaces intermédiaires » (« entre-deux » ou « aïda» 間) mais il est aussi le témoignage visible d’une affection entre les êtres. Plusieurs mots sont utiles à connaître : le « furoshiki » 風呂敷 est un carré de tissu utilisé pour protéger et envelopper des cadeaux ou transporter de divers objets du quotidien : vêtements, bentô, etc.  « Musubu », 結ぶ est l’art de nouer (au sens propre comme au sens figuré). 
Une conférence de Mitsuyo Delcourt-Itonaga, chercheuse-associée pour le Centre International de recherches sur les études japonaises (Kyoto).

Philosophie de l'emballage japonais

Yves Saint Laurent, Helmut Newton, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen… Les grandes figures de la mode (couturiers ou photographes) se sont souvent référés à Agnès Sorel (1422-1450). Dès la fin du Moyen-Âge, la favorite du roi Charles VII, incarne un personnage déterminant, précurseur, initiateur de l’ « art de vivre à la française », et ce bien avant les fastes de Versailles. Elle a réussi à transformer la vie de la cour en instaurant un art de vivre et un raffinement qui n’existait pas à son époque, prouvant que la transformation sociale passe, pour une part non négligeable, par l’esthétique, le bien-être, le goût des plaisirs et de la sensualité. 
Autour de Charles VII, il y a eu deux femmes particulièrement importantes : Jeanne d’Arc et Agnès Sorel. La première a redressé la France militairement, la seconde a introduit à la Cour une nouvelle esthétique et un art de vivre qui ont renforcé le statut et l’existence de l’Etat, quelques années avant l’œuvre de consolidation politique de Louis XI.
Agnès Sorel n’a pas seulement incarné le merveilleux et l’enchantement d’une beauté « érotisée ». Elle a été une « guerrière de la beauté », insufflant de l’audace et du courage dans un environnement contraignant. Avec elle s’impose l’idée que la beauté transforme le monde, que l’art de vivre a un fort impact sur la société et que l’apparence, le bien-être et les plaisirs futiles sont au cœur de la transformation sociale.
Une conférence de Leonardo Marcos, artiste :
https://fr.wikipedia.org/wiki/Leonardo_Marcos

Agnès Sorel (1422-1450)aux sources de l'art de vivre français

This podcast was recorded on december 18th, 2019 durig a class given at Institut Français de la Mode to our Fashion Image major students.
Maida Gregori-Boina has become one of the industry’s most successful and sought-after casting directors, responsible for selecting models for some of the biggest runways in the world.
With the quickly changing landscape of fashion, Maida focuses her attention on the building of iconic imagery through the casting of a compelling, yet curated, edit of faces to narrate identifiable insight into a brand’s visual communications; ultimately, making for an unmistakable brand message. 
She has casted shows for Jil Sander, Givenchy with Alexander McQueen, Balenciaga with Nicolas Ghesquiere, Roberto Cavalli, Halpern, Acne Studios, Dior, Azzedine Alaïa, Calvin Klein, Edun, Élie Saab, Hermès, Iris Van Herpen, Raf Simons, The Row and Zac Posen. She has also been responsible for launching the runway careers of Lara Stone and Karlie Kloss, among many others.
Maida has styled editorials for i-D magazine, The Face and Vogue Hommes International. It was through her work in styling musicians that she first met Raf Simons, a longtime creative collaborator, working with everyone from Madonna, Michael Jackson, Elton John, and Vanessa Paradis, to rock bands like The Cult and the Smashing Pumpkins. In addition to this work, Maida has been an integral part to the Festival de Hyeres for decades, she is the Festival Art Director. The annual festival promotes young creation in fashion, photography and fashion accessories areas. Maida has helped to launch careers of many young designers thorough the festival like … Anthony Vaccarello, Felipe Oliveira Baptista, Julien Dossena and recently the Boter duo.

Learning from the best : A class with Maïda Gregori-Boina

Dans le cadre du festival IFM 2020 (thème : le visage), voici un florilège de textes littéraires sur le visage, choisis et lus par Félix Libris (Les Livreurs) et Gérard Cherqui. 
Parmi ces textes (liste détaillée ci-dessous), voici notamment un extrait de Ethique et infini (Emmanuel Lévinas, 1982) :
« Je pense plutôt que l'accès au visage est d'emblée éthique. C'est lorsque vous voyez un nez, des yeux, un front, un menton, et que vous pouvez les décrire, que vous vous tournez vers autrui comme vers un objet. La meilleure manière de rencontrer autrui, c'est de ne pas même remarquer la couleur de ses yeux. Quand on observe la couleur des yeux, on n'est pas en relation sociale avec autrui. La relation avec le visage peut certes être dominée par la perception, mais ce qui est spécifiquement visage, c'est ce qui ne s'y réduit pas. Il y a d'abord la droiture même du visage, son expression droite, sans défense. La peau du visage est celle qui reste la plus nue, la plus dénuée. La plus nue, bien que d'une nudité décente. La plus dénuée aussi: il y a dans le visage une pauvreté essentielle. La preuve en est qu'on essaie de masquer cette pauvreté en se donnant des poses, une contenance. Le visage est exposé, menacé, comme nous invitant à un acte de violence. En même temps le visage est ce qui nous interdit de tuer ».
« Le visage est signification, et signification sans contexte. Je veux dire qu'autrui, dans la rectitude de son visage, n'est pas un personnage dans un contexte. D'ordinaire, on est un « personnage » : on st professeur à la Sorbonne, vice-président du conseil d'État, fils d'untel, tout ce qui est dans le passeport, la manière de se vêtir, de se présenter. Et toute signification, au sens habituel du terme, est relative à un tel contexte: le sens de quelque chose tient dans sa relation à autre chose. Ici, au contraire, le visage est sens à lui seul. Toi, c'est toi. En ce sens, on peut dire que le visage n'est pas « vu ». Il est ce qui ne peut devenir un contenu, que votre pensée embrasserait ; il est l'incontenable, il vous mène au-delà. C'est en cela que la signification du visage le fait sortir de l'être en tant que corrélatif d'un savoir. Au contraire, la vision est recherche d'une adéquation ; elle est ce qui par excellence absorbe l'être. Mais la relation au visage est d'emblée éthique. Le visage est ce qu'on ne peut tuer, ou du moins dont le sens consiste à dire : « tu ne tueras point ». 

Textes à écouter ici : 

Votre visage (Charles Trenet, 1947)
http://www.charles-trenet.net/chansons/votrevisage.html

Le masque de Guy de Maupassant (1889)
https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Masque_(Maupassant)
01’00

Ethique et infini (Emmanuel Lévinas, 1982)
https://www.fayard.fr/sciences-humaines/ethique-et-infini-9782213010854
7’30 

L’homme à la tête de Wolff (Léon Bloy, 1886)
https://fr.wikisource.org/wiki/Le_D%C3%A9sesp%C3%A9r%C3%A9/Texte_entier
11’20

« L’acteur d’Harcourt » dans Mythologies (Roland Barthes, 1957)
https://fr.wikipedia.org/wiki/Mythologies_(recueil)
15’33

L’Exode (Benjamin Fondane, préface en prose, 1942)
https://www.benjaminfondane.com/un_article_bulletin-Po%C3%A8mes-485-1-1-0-1.html
19’20  

Histoire du visage de la morte (Yasunari Kawabata, 1925), 
Traduit par Lucien Dumont 
24’55

La crucifixion du retable de Tauberbischofsheim (Joris-Karl Huysmans, Là-Bas, 1891)
https://www.smaragdine.fr/2018/09/06/le-retable-de-tauberbischofsheim-description-de-la-crucifixion-par-huysmans/
28’50

Un choix de textes littéraires autour du visage

Les visages de l’histoire du cinéma composent une mosaïque de souvenirs extrêmement importante pour chacun d’entre nous. On n’oublie jamais les visages des films d’Eisenstein ou de ceux de Charlie Chaplin. Parmi les cinéastes du XXe siècle, Ingmar Bergman est sans doute un cas exceptionnel de ce point de vue. Chez lui, le visage (féminin, surtout) est un support de narration et d’expression psychologique privilégié, en particulier dans quelques films comme Le Silence (1963), Persona (1966) et Cris et Chuchotements (1972), sans oublier Le Visage (1958). Avec des plans très serrés, jusque-là assez rares au cinéma, Bergman, fortement inspiré par Carl Theodor Dreyer (1889-1968) fait apparaître une palette d’émotions et de sensations très fortes.
Chez Bergman, comme chez Picasso (Jeune Fille au Miroir, 1932) ou chez David Lynch (Mulholland Drive, 2001), le visage est lié à la notion du « double » : deux visages de femmes s’opposent, magnétiques, séducteurs, énigmatiques comme des masques. Souvent, deux visages semblent souhaiter n’en former qu’un. Car le visage est au cœur de la relation avec l’autre, même si cette relation se caractérise, comme dans les films de Bergman, par une incommunicabilité fondamentale. Le visage apparaît ici comme le centre des expressions renvoyant au rapport de force entre les personnes. Une tension que Bergman, génie du voyeurisme et de la cruauté, a su comme nul autre illustrer dans ses films. 
Consulter les images de la présentation en ligne : https://download.ifmparis.fr/document/LeonardoMarcos.pdf
Une conférence de Leonardo Marcos, artiste :
fr.wikipedia.org/wiki/Leonardo_Marcos
Festival IFM 2020 (thème : le visage). 27 juin 2020

Le visage au cinéma : le cas d’Ingmar Bergman

Dans toute pensée critique du numérique, la question du visage se pose de manière centrale. Dans un monde de reconnaissance faciale, le visage est numérisé et donc « réifié » pour permettre divers modes d’identification qui font peser le risque d’une surveillance généralisée. 
Associées à des caméras de surveillance, les bases de données qui permettent à l’intelligence artificielle de procéder à l’authentification et à l’identification des personnes posent de très sérieux problèmes de libertés publiques. La notion de « smart city » est souvent confondue avec celle de « safe city », avec une privatisation préoccupante de fonctions régaliennes à commencer par celle de la police. Les usages commerciaux de la reconnaissance faciale (déverrouillage d’appareils électro-ménagers, paiement sur mobile, usages marketing…) produisent une accoutumance aux technologies intrusives, alors que ces questions mériteraient un débat démocratique beaucoup plus large. 
Or le visage a une signification transcendante : « la manière dont se présente l’autre (…), nous l’appelons visage » (Emmanuel Lévinas). Il est un « au-delà » de l’être, une expression de l’altérité radicale mais aussi de notre condition temporelle et de notre expérience vécue. Pour valoriser la part sensible des visages en dehors de la société des écrans, l’art et la littérature ont un rôle-clé. Il s’agit de ne pas subir l’ « empire du signal » (Pierre-Antoine Chardel) et de retrouver un « face à face » irremplaçable. Le visage, c’est « ce qui déborde » et qui n’est ni codifiable ni catégorisable, ni numérisable.
Une conférence de Pierre-Antoine Chardel, philosophe et sociologue, Institut Mines-Télécom Business School, et Asma Mhalla, spécialiste de l’économie numérique, maître de conférences à Sciences Po (Paris).
Festival IFM 2020 (thématique : le visage). 26 juin 2020

Une approche socio-philosophique du visage

Listen to the meeting of our Fashion Image students with David Luraschi.
He holds a BA in film studies from the San Francisco State University and a masters in art direction from Lausanne in Switzerland.
His artwork has been exhibited in Europe and the U.S. he is a contributor to magazines like the American Vogue or M le Monde and his commissioned work is featured in books like “Neapolis” published by ILL-STUDIO or “MARSEILLE JE T’AIME” by Jacquemus.
Clients include Hermes, Dior, Jacquemus, Nike, Rimowa, Nina Ricci, Galleries Lafayette or l’Opéra de Paris for whom he directed a film titled “Giselle: The walking landscape”.

Ecoutez la rencontre de nos étudiants en Image de mode avec David Luraschi.
Il est titulaire d'une licence en études cinématographiques de l'Université d'État de San Francisco et d'un Master en Direction Artistique de Lausanne en Suisse.
Ses œuvres ont été exposées en Europe et aux États-Unis. Il contribue à des magazines tels que Vogue américain ou M Le Monde et ses œuvres de commande figurent dans des livres comme "Neapolis" publié par Ill-Sudio ou "Marseille je t'aime" de Jacquemus.

Meeting David Luraschi (In English)

L'Olympia de Manet (1863) a provoqué un scandale en son temps. Ce tableau conservé au Musée d'Orsay peut être vu comme une oeuvre fondatrice de la modernité en peinture. Olympia, prostituée ou déesse ? Le scandale est venu du fait qu'il s'agissait d'une image de femme réelle alors que le tableau s'inscrivait dans les codes de la grande peinture...

Historien, président du conseil de direction de l'Institut européen en sciences des religions, Dominique Borne est notamment l'auteur d'un livre consacré à l'Olympia de Manet (collection Une œuvre une histoire, Armand Colin, 2008).

Cette conférence avait lieu dans le cadre du "sas", une parenthèse d'ouverture intellectuelle qui a lieu une fois par semaine.

A propos de l'Olympia de Manet (1863)-Partie 1

Comment expliquer le passage, en France, d’une industrie « textile-habillement » à l’industrie de la mode et du luxe ? En cinquante ans, les groupes de luxe (LVMH, Kering, Chanel, Hermès) ont remplacé les grands groupes textiles du passé (Boussac, Prouvost, DMC, Agache-Willot/Saint-Frères). Ces grandes entreprises aujourd'hui disparues ont joué un rôle très important dans la vie du pays, mais elles ont été confrontées à une farouche concurrence internationale et n'ont pas su s'adapter à l'évolution du marché, rencontrant de très grandes difficultés et accumulant des faiblesses qui ont été révélées dès le choc pétrolier de 1973. Le textile-habillement français, qui employait 600 000 personnes avant le début des années 1970, en emploie aujourd’hui 100 000. 
Ce qui a changé, c’est que les grands groupes de luxe (LVMH, héritier du groupe Boussac, mais aussi Kering) se sont adaptés à un marché mondialisé dominé par les cycles courts de la mode avec des collections sans cesse renouvelées, une montée en gamme de leur offre fondée sur la création, une importance croissante des accessoires, notamment de la maroquinerie, et une intégration de leur distribution en privilégiant les boutiques en propre. 
Aujourd’hui (2021), la question d’une possible « renaissance de la production textile-habillement » (filature, tissage, ennoblissement, confection), au-delà des productions pour le luxe, se pose en France. S'il est peu probable que des relocalisations massives aient lieu, car on ne peut ignorer l'élasticité prix et par conséquent les écarts de coûts avec les pays émergents, une réindustrialisation est possible à condition d'être fondée sur une véritable proposition de valeur comme l'attestent les marques de vêtements qui valorisent le made in France et les savoir-faire ancrés dans certains territoires, mais aussi les projets de transformation industrielle du lin dont la France est le principal producteur dans le monde.
Une conférence de Dominique Jacomet, "senior advisor" auprès de l'Institut Français de la Mode, président de l'IAE de Paris (Sorbonne Business School) et administrateur d'Euratex.

De l’industrie des textiles à l’industrie de la mode : le cas de la France

Photographe, cinéaste, peintre, reporter, graphiste... : William Klein a été un créateur d'images sans cesse animé par une volonté d'expérimentation et de dépassement des codes établis, mais aussi des genres et des techniques. Son travail sur le monde de la mode, en particulier, témoigne d'une inventivité exceptionnelle. Qu'il filme des défilés de mode (Yves Saint Laurent, 1962, Jean-Paul Gaultier, 1986) ou qu’il s'inspire du monde de la mode pour faire du cinéma (« Qui êtes-vous Polly Maggoo ? », 1966), ce qui l’intéresse, c’est tout ce qui se passe autour du vêtement, du créateur et du mannequin : il invente le reportage dans les coulisses de la mode, s’intéresse aux petites mains et aux équipes qui rendent possible la présentation des collections. Il applique les techniques du reportage au milieu de la mode, avec des plans rapprochés sur les visages, par exemple. Il apporte un côté joyeux aux rituels traditionnels de la mode  Il apporte un côté joyeux aux rituels traditionnels de la mode et, sans être un "photographe de mode" comme ont pu l'être Guy Bourdin ou Helmut Newton, il s’intéresse au vêtement comme témoignage d’une époque.

A propos de William Klein (1926-2022)

La maison Duvelleroy fabrique des éventails depuis 1827. Parmi les fabricants d’éventails, c’est la seule maison à avoir traversé le temps, même si l’éventail, accessoire progressivement devenu désuet, a pu être progressivement abandonné au profit de la maroquinerie, surtout après la seconde guerre mondiale. En 2010, Eloïse Gilles et Raphaëlle Le Baud ont relancé la marque et la production d’éventails, dans l’intention de ressusciter cet objet délaissé et d’en faire à nouveau un accessoire de mode. 
Aujourd’hui, le retour en grâce de l’éventail est notamment rendu possible par le réchauffement climatique. Mais le projet s’inscrit aussi et surtout dans la tradition d’une maison parisienne ancrée dans le style « couture ». La relance de la production des éventails Duvelleroy s’est faite sur la base d’un savoir-faire et d’un héritage stylistique conservé par des collectionneurs et surtout par l’héritier de la maison (Michel Maignan) qui avait gardé dans un grenier une collection entière de dessins, moules à plisser, plumes, croquis et patrons. Inscrivant leur projet dans un contexte de renouveau des métiers d’art, les deux entrepreneuses ont su s’appuyer sur un réseau d’artisans spécialisés pour faire renaître la marque : éventaillistes (comme Frédérick Y.M.Gay, à Romans dans la Drôme) mais aussi plumassiers, brodeurs, ennoblisseurs, tabletiers, plisseurs… Elles ont aussi voulu reconstituer un récit de marque en procédant à une relecture modernisée du patrimoine, l’objectif étant de rajeunir l’éventail et d’en « dépoussiérer l’image » à travers des collaborations avec des créateurs de mode ou des artistes (par exemple Coralie Marabelle, Iris de Moüy ou Jean-Charles de Castelbajac), la création d’une boutique à Paris (rue Amélie, 75007), la distribution dans les circuits les plus « pointus » et par le marketing d’influence à travers la rencontre spontanée avec des ambassadrices internationales sur les réseaux sociaux.
Une conférence d’Eloïse Gilles, co-gérante de la maison Duvelleroy.
Consulter les images de la présentation : 
https://download.ifmparis.fr/document/DUVELLEROY.pdf

Duvelleroy, le réveil d’une « belle endormie »

Différentes étapes ont conduit à créer le système mondialisé de la mode tel qu’on le connaît aujourd’hui. Depuis la fin des années 1960, des bouleversements de toute nature ont profondément modifié le système de la mode et du luxe, un choc comparable à celui vécu par la sidérurgie, avec la disparition progressive de grandes entreprises françaises comme Boussac ou Prouvost dans le Nord et les restructurations successives de DMC (Dollfus-Mieg & Cie) en Alsace.
En 1974, les Etats-Unis et l'Union européenne, soucieux de protéger leur industrie textile, avaient imposé des contingents limitant les exportations des pays en développement. Connu sous le nom d'Arrangement multifibres (AMF), ce dispositif a été aboli en 2005. Il s’agissait d’une dérogation importante à la libéralisation du commerce international, régi par l'Accord général sur les tarifs douaniers et le commerce (GATT), l'ancêtre de l'Organisation mondiale du commerce (OMC), dont la Chine est devenue membre en 2001.
L’abolition des quotas a forcé les marques à s’adapter à ce nouveau système, avec le développement simultané des entreprises de luxe, notamment françaises et italiennes, et de fast-fashion (avec les délocalisations de main d’œuvre en Asie et le développement des chaînes spécialisées comme H&M ou Zara). 
Désormais, le système de production de la mode est dominé par l’hégémonie chinoise et concentré autour d’un petit nombre de pays (Asie du sud et Turquie, notamment). La production est mondialisée mais les marques (distribution/création) restent entre les mains d’un petit nombre d’acteurs occidentaux (France/Italie). Avec la montée en puissance de nouvelles exigences sociales et environnementales,
un lent processus de réindustrialisation est en cours en France et en Europe.
Une conférence de Dominique Jacomet (économiste, président de l’IAE et ancien DG de l’Institut Français de la Mode).

Mode/textile : retour sur plusieurs décennies de mondialisation

L’Institut Français de la Mode (IFM) est un établissement d’enseignement supérieur privé à but non lucratif, un centre de formation d’apprentis et de formation continue, ainsi qu’un centre d’expertise pour les industries du textile, de la mode et du luxe. Il propose des formations allant du CAP au master, en décloisonnant la création, le management et les savoir-faire.

L’IFM accueille régulièrement des conférences au croisement de multiples univers créatifs (arts, littérature, musique, histoire… mais aussi économie et innovation). L'IFM a aussi lancé sa série de podcasts intitulée Fashion InsideOut, dans laquelle les étudiants interrogent des professeurs sur leurs sujets de recherche.

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