À l’occasion de la parution de son ouvrage photographie & cinéma, de la différence à l’indistinction, aux éditions mimésis, Philippe Dubois déplie sa réflexion en compagnie de Teresa Castro, Barbara Le Maître et Antonio Somaini.

« Photographie vs. Cinéma » ou « Photographie & cinéma » ? L’opposition ou le rapprochement. La différence ou l’indistinction.

Loin d’opposer deux médiums, loin de vouloir les appréhender dans leur spécificité ou leur ontologie, par exemple en jouant l’immobilité de l’une contre le mouvement de l’autre, il s’agit ici de les croiser, de les mixer, jusqu’à une certaine in-différence. Non pas l’un contre l’autre, mais l’un avec l’autre, voire dans l’autre.

Photographie & cinéma, de la différence à l’indistinction est composé d’un ensemble de 15 textes de Philippe Dubois parus de façon dispersée et devenus introuvables. Par-delà la diversité des objets ici convoqués (le panorama, l’autobiographie, le sténopé, le photogramme, le ralenti, l’installation, le mouvement dans tous ses états, etc.) et la diversité des corpus abordés (Chris Marker, Eric Rondepierre, Victor Burgin, David Caerbout, Paolo Gioli, Alain Fleisher, etc.), ce livre est une synthèse des recherches effectuées depuis des années par l’auteur dans ce domaine débouchant sur une pensée de l’avenir des images, au-delà d’une opposition devenue finalement archaïque.

Philippe Dubois est professeur en théorie des formes visuelles à l’université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Ancien membre senior de l’Institut universitaire de France, il a publié une quinzaine d’ouvrages, dont L’Acte photographique (1982/1990), La Question vidéo. Entre cinéma et art contemporain (2012), et de nombreux articles dans le domaine de la théorie des images.

Teresa Castro est maître de conférences en études cinématographiques et audiovisuelles à l’université Sorbonne Nouvelle Paris 3. Une partie de ses recherches concerne les formes cartographiques et les liens entre raison cartographique et raison écologique. Elle travaille par ailleurs sur les liens entre cinéma et animisme.

Barbara Le Maître est professeur en études cinématographiques à l’université Paris Ouest Nanterre-La Défense. Son travail de recherche se concentre sur l’esthétique et la théorie des images.

Antonio Somaini, professeur en études cinématographiques, études visuelles et théorie des médias à l'université Paris Sorbonne Nouvelle Paris 3, codirige la collection Images et médias aux éditions Mimésis.

Photographie & cinéma, de la différence à l’indistinction - Lancement du livre - 23 septembre 2021

Comment penser et représenter la catastrophe nucléaire dans sa radicalité ?
Cette première séance inaugurale du cycle de rencontres sur les imaginaires nucléaires s’attarde sur une notion indéterminée, qui a
traditionnellement servi à décrire cet état où tous les repères perceptifs, ontologiques et cognitifs sont ébranlés et qui énonce le manque de mots
susceptibles de décrire et signifier l’expérience : la « stupeur ».
La rencontre se déroulera en français et en anglais
Réservation obligatoire ici
Tarif : 7 euros avec billet d’entrée pour l’exposition en cours, valable durant toute la durée de celle-ci.
Renseignements : contact@le-bal.fr
Depuis le double événement matriciel de Hiroshima et de Nagasaki, et chaque fois que survient un accident nucléaire, la « stupeur »
constitue ce terme « zéro », glissant et extraordinairement ambivalent, qui sert à décrire autant l’expérience de la catastrophe ellemême
que celle de la longue adaptation à sa perpétuation.
Maria Stavrinaki, historienne de l’art, proposera une généalogie de cette notion en la réactivant à travers les écrits de philosophes, de
témoins ou de médecins, et les images du monde nucléaire ; l’artiste Ana Vaz présentera son projet en cours « The Voyage Out », qui
orchestre plusieurs récits singuliers liés à la catastrophe nucléaire de Fukushima ; l’historien de l’art Toni Hildebrandt reviendra sur le
travail d’Ana Vaz s’inscrivant dans cette généalogie de la stupeur sans succomber toutefois à l’idée de la fin des temps.
Avec :
Maria Stavrinaki est Maître de conférences à l’université Panthéon-Sorbonne – Paris 1 où elle enseigne l’histoire de l’art contemporain. Elle travaille sur les
croisements entre l’art de la modernité, les sciences humaines et la pensée politique et s’intéresse tout particulièrement aux questions du temps et de l’écriture de
l’histoire. Son ouvrage le plus récent est Saisis par la préhistoire. Enquête sur l’art et le temps des modernes (les presses du réel, 2019). Elle a codirigé l’exposition
Préhistoire. Une énigme moderne (Centre Pompidou, 2019) et prépare une exposition sur « l’âge atomique » au Musée d’Art Moderne de Paris pour l’automne
2023.
Ana Vaz est une artiste et cinéaste brésilienne dont la filmographie s’appuie sur des collages expérimentaux d’images et de sons, trouvés et produits, pour réfléchir
sur des situations et des contextes historiques et géographiquement marqués par des récits de violence et de répression. L’impact du colonialisme et la ruine
écologique sont la toile de fond de ses « films-poèmes » immersifs. En 2021 Ana Vaz est lauréate du programme de soutien à la recherche et à la création porté
par L’Institut de la photo de Lille.
Toni Hildebrandt, docteur en histoire de l’art, travaille au département d’histoire de l’art moderne et contemporain de l’université de Berne. Il coordonne le
programme de recherche interdisciplinaire Sinergia « Mediating the Ecological Imperative » en collaboration avec l’université nationale autonome du Mexique et
mène actuellement un projet de recherche (Post-)apocalyptic Imaginations. Representations of Nuclear Catastrophes in Art and Film since 1945.

Imaginaires nucléaires : La stupeur - Projection parlée - Jeudi  30 septembre

Cette seconde séance du cycle, « imaginaires nucléaires », reviendra sur la manière dont les catastrophes nucléaires depuis 1945 sont représentées par le biais d’images, empreintes et ombres, images fixes et en mouvement. Depuis les « ombres d’Hiroshima » aux reportages sur les désastres de Tchernobyl et de Fukushima que peuvent les images ? De quoi témoignent-elles ? Entre le surcroît de visibilité des explosions atomiques et l’invisibilité des radiations, c’est toute la question des limites visuelles, philosophiques et éthiques de nos représentations qui se trouve posée.

Nous tenterons de répondre à ces interrogations en compagnie de Jean-Christophe Bailly qui reviendra sur les « ombres d’Hiroshima » et leur possible et impossible dialogue avec la photographie des premiers temps. Michael Lucken questionnera les conditions et limites d’un regard photographique japonais sur la catastrophe. Olivier Schefer proposera quelques pistes de réflexion sur les imaginaires cinématographiques du désastre nucléaire à l’aide d’exemples empruntés à la série B et au cinéma expérimental.

BAL LAB - L’EFFROI ET L’IMAGE : REPRÉSENTATIONS DU DÉSASTRE NUCLÉAIRE

Cette troisième séance du cycle « imaginaires du nucléaire » interroge les temporalités de l’âge atomique et la possibilité d’en faire mémoire. Le propre de la civilisation de l’atome n’est-il pas à la fois de s’inscrire dans le cours de l’histoire et d’échapper aux grands récits, sinon sous la forme visible de catastrophes ? Mais que sait-on des expériences sur l’atome menées en secret, des dégâts collatéraux souvent dissimulés, des inventions aberrantes et des fuites imaginaires suscitées par l’âge atomique ?

Dans Archives gamma, Stéfane Perraud et Aram Kebabdjian exposent des archives de l’âge nucléaire, en recueillant traces et indices, images et signes. Ressurgissent, dans leur travail plastique et littéraire, des histoires refoulées, incongrues, merveilleuses parfois, comme dans un vaste cabinet de curiosités. L’archive, note Arlette Farge, se définit moins par les données qu’elle accumule que par les manques et les absences qu’elle interroge en creux. Toute histoire du nucléaire n’est-elle pas celle de ses zones d’invisibilité ?
Pour répondre à ces interrogations, nous dialoguerons avec Stéfane Perraud, Aram Kebabdjian et l’historien Yann Potin qui interroge le statut épistémologique et politique des archives.
Séance présentée par Olivier Schefer et animée par Iris Bernadac.

BAL LAB - DISCUSSION - FAIRE MÉMOIRE DU NUCLÉAIRE : TEMPS, ARCHIVES ET DESTRUCTION

DE CHRIS MARKER À ANDREÏ TARKOVSKI, LA « ZONE » EST UN ESPACE INDÉTERMINÉ OÙ GUETTENT TOUS LES POSSIBLES, LES PIRES ET LES MEILLEURS. CETTE QUATRIÈME SÉANCE DU CYCLE « IMAGINAIRES DU NUCLÉAIRE » INTERROGE CELLES ET CEUX AYANT PARCOURU OU MÉDITÉ DES « ZONES » NUCLÉARISÉES.

Comment appréhender et rendre compte de ce qui excède les catégories préétablies, de ce qui échappe aux mesures et aux valeurs ? Avec Sophie Houdart, anthropologue, et Mélanie Pavy, cinéaste, la nature et la forme de l’enquête se voient radicalement déroutées. Depuis 2011, elles mènent toutes deux des recherches dans la préfecture de Fukushima, prenant des notes, filmant des itinéraires, des lieux, des personnes – y compris loin du Japon lui-même. Jean-Michel Durafour, philosophe et théoricien du cinéma, remonte quant à lui au premier accident nucléaire avec une contamination de masse, Tchernobyl, en essayant de l’extraire de la logique de la fin du monde et en tentant de formuler, au-delà de toute provocation, une esthétique radieuse.

BAL LAB - DISCUSSION ET PROJECTIONS - APRÈS L’ACCIDENT, LA ZONE

À partir de trois images clés, l'artiste traversera en compagnie d'un.e invité.e son parcours et rétrospectivement ses questionnements pour présenter son travail actuel. Ces conversations seront l'occasion de découvrir un processus à l'oeuvre, des modalités de faire et de réalisation aux écritures variées, d'interroger la motivation, la réalisation et le devenir de projets photographiques qui n'ont encore jamais été exposés ou publiés.

Pour ce premier rendez-vous, LE BAL invite le photographe Julien Lombardi  en compagnie de Raphaële Bertho, historienne de la photographie et co-présidente des Filles de la photo. Ensemble, Ils exploreront le travail de l’artiste, de sa formation en anthropologie jusqu'à son projet "La terre où est né le soleil" terminé en 2021. Ce récit polyphonique qui prend comme point d’ancrage au Mexique, Wirikuta, lieu de pèlerinage et de culte pour les indiens Huichols, sera exposé pour la première fois cet été aux Rencontres de la photographie à Arles.

EN CONVERSATION : JULIEN LOMBARDI ET RAPHAËLE BERTHO

Sujet peu répandu dans le paysage éditorial, Collectionner les tombes présente une précieuse archive photographique sur l’art funéraire du XIXème siècle à nos jours. L’ouvrage puise dans le fonds d’images de cimetières de l’artiste et collectionneur André Chabot. Depuis une cinquantaine d’années, ce dernier dresse un inventaire méticuleux de tombes, sculptures, chapelles sépulcrales et autres catacombes, photographiées dans plus de soixante-dix pays. 

A l'occasion du lancement de l'ouvrage au BAL, LE BAL Books a invité Lia Pradal, éditrice et graphiste de Collectionner les tombes, le photographe André Chabot, le directeur des collections du musée Nicéphore Niepce Sylvain Besson et la chercheuse en histoire de l'art Ambre Charpier.

Photo : Marie Quéau

TABLE-RONDE : COLLECTIONNER LES TOMBES, LE FONDS ANDRÉ CHABOT

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, nous livre un texte inédit autour de la figure de la mère.

Bertrand Schefer est écrivain. Il est notamment l’auteur de « La photo au-dessus du lit » (2014), « Martin » (2016), « Série noire » (2018), « Disparitions » (2020) et « Francesca Woodman » (2023) tous publiés aux éditions P.O.L. Il a par ailleurs traduit aux éditions Allia de nombreuses œuvres inédites du domaine classique italien (Pic de la Mirandole, Marsile Ficin, « Le Théâtre de la Mémoire » de Giulio Camillo, le « Zibaldone » de Giacomo Leopardi). Il a également écrit et coréalisé plusieurs films avec Valérie Mréjen, dont « En ville » (Cannes 2011), « Exercice de fascination au milieu de la foule » (2012), « Enfant chéri » (2016) et « Trois rêves de ma jeunesse » (Berlinale 2018).

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – BERTRAND SCHEFER

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, invite des auteur.es à nous livrer un texte inédit autour de la figure de la mère. Dans cet épisode, les mots de Gaëlle Obiégly.

Écrivaine, Gaëlle Obiégy est l’autrice de nombreux romans « Gens de Beauce » (2003), « Faune » (2005), « La Nature » (2007), « Petit éloge de la jalousie » (Folio, 2008). En 2011, elle a rejoint les éditions Verticales avec « Le Musée des valeurs sentimentales » (2011), « Mon prochain » (2013), « N'être personne » (2017), « Une chose sérieuse » (2019) aux éditions verticales. Son dernier roman, « Totalement inconnu » est publié aux éditions Christian Bourgois en 2022.

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – GAËLLE OBIÉGLY

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, invite des auteur.es à nous livrer un texte inédit autour de la figure de la mère. Dans cet épisode, les mots d'Aliona Gloukhova.

Aliona Gloukhova est une écrivaine d'origine biélorusse. Son premier roman « Dans l’eau je suis chez moi » publié chez Verticales en 2018 reçoit le prix Murat « Un roman français pour l’Italie » et est adapté en fiction documentaire, « Notre endroit silencieux » par Elitza Gueorguieva. Elle est l’autrice de deux autres romans chez le même éditeur, « De l’autre côté de la peau » (2020) et « Nos corps lumineux » (2023).

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – ALIONA GLOUKHOVA

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, invite des auteur.es à nous livrer un texte inédit autour de la figure de la mère. Dans cet épisode, les mots de Stéphane Bouquet.

Stéphane Bouquet est poète. Il a publié plusieurs recueils aux éditions Champ Vallon, dont « Le Fait de vivre » (2021), « Vie commune » (2016), « Les Amours suivants » (2013). Il signe la traduction de poètes américains aux éditions Nous (Robert Creeley) et José Corti (Paul Blackburn et Peter Gizzi). Scénariste et critique de cinéma, il a longtemps écrit pour « Les Cahiers du cinéma ». Il a travaillé aux côtés de la chorégraphe Mathilde Monnier en tant que danseur (« Déroutes », 2002) et danseur-scénariste (« Frère & sœur », 2005).

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – STÉPHANE BOUQUET

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, invite des auteur.es à nous livrer un texte inédit autour de la figure de la mère. Dans cet épisode, les mots de Célia Houdart.

Après dix années dédiées à la mise en scène théâtrale, Célia Houdart se consacre à l’écriture. Elle est l’auteure de sept romans publiés chez P.O.L., « Les Fleurs sauvages » (2024), « Le Scribe » (2020), « Tout un monde lointain » (2017), « Gil » (2015), « Carrare » (2011), « Le Patron » (2009), « Les merveilles du monde » (2007), de deux récits « Journée Particulière » (2021), « Villa Crimée » (2018), et de trois essais « Georges Aperghis. Avis de tempête » (Intervalles, 2007), « French Riviera » (P, coll. Les Contemporains, 2016) et « Erik Satie » (La Philharmonie de Paris, coll. Supersoniques, 2023).

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – CÉLIA HOUDART

Dans le cadre de l’exposition « À partir d’elle. Des artistes et leur mère », l’écrivain Bertrand Schefer, en résidence au BAL, invite des auteur.es à nous livrer un texte inédit autour de la figure de la mère. Dans cet épisode, les mots de Thomas Clerc.

Écrivain et maître de conférences en littérature contemporaine à l’Université Paris-Nanterre, Thomas Clerc publie Maurice Sachs, le désœuvré en 2005 aux éditions Allia. Il est depuis l’auteur chez Gallimard collection l’Arbalète de « Paris, musée du XXIe siècle, le X arrondissement » (2007), « L’homme qui tua Roland Barthes et autres nouvelles » (2010), « Intérieur » (2013), « Poeasy » (2017), « Cave » (2021).

Réalisation : Mariannick Bellot
Mixage : Inès de Bruyn

En partenariat avec la Région Île-de-France.

L’ÉCHO DU BAL – À PARTIR D’ELLE – THOMAS CLERC

LE BAL LAB - Talk by Eyal Weizman and Grégoire Chamayou / Drone Attacks - 1/3 - Eyal Weizman

LE BAL LAB - Talk by Eyal Weizman and Grégoire Chamayou / Drone Attacks - 2/3 - Grégoire Chamayou

Blues Creation - Atomic Bombs Away

Akira Ishikawa & Count Buffalos - Na Tu Penda Sana

Kuni Kawachi & Flower Travelling Band - Kirikyogen (1970)

Les Rallizes Denudes - White Waking

Zunou Keisatsu - Jyuu Wo Tore

Minoru Muraoka - Soul Bamboo

Quel rôle a joué Daido Moriyama au sein de la revue Provoke ? Quelle  place occupe la revue dans l'oeuvre et le cheminement du photographe ?

Daido Moriyama et Provoke

Intervention dans le cadre du  10e séminaire automnal " Les temps de l'image" 

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Les images photographiques possèdent cette étonnante capacité à révéler la vie des objets et parfois même à témoigner de leur disparition. Donner à voir des photographies d’objets crée souvent une étrange polyphonie du temps. À l’histoire des objets et de leurs destins, rendus visibles par des traces d’usure, se rajoute une nouvelle temporalité, celle des images et de leur réception. Arno Gisinger reviendra sur deux expériences artistiques liées à la question des « translocations patrimoniales » (Bénédicte Savoy). Invent arisiert (2000) est un travail photographique sur des objets spoliés à Vienne après l’Anschluss de 1938 et leur restitution à la fin des années 1990. Bilderstreit (2017) interroge, à partir des archives iconographiques de la Kunsthalle de Mannheim, la relation complexe qu’entretiennent les oeuvres d’art avec leurs reproductions photographiques.

Arno Gisinger est artiste et enseignant-chercheur à l’université Vincennes-Saint-Denis (Paris VIII). Il développe une pratique artistique singulière qui lie photographie et historiographie. Sa pratique met à l’épreuve la représentation du passé et interroge le statut des images photographiques. Il mène des recherches sur les questions liées à l’écriture de l’histoire et la théorisation des pratiques contemporaines de l’image. Plusieurs de ses travaux portent sur l’exil, la guerre, la spoliation ou la Shoah et tentent d’élargir le champ des pratiques documentaires.

Séminaire automnal du BAL et de l'EHESS 2018 : http://www.le-bal.fr/2018/08/les-temps-de-limage

Image : Invent arisiert, 2000 © Arno Gisinger

Arno Gisinger - Images d’objets et polyphonie du temps

Intervention dans le cadre du 10e séminaire automnal " Les temps de l'image"

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Si les sujets de l’émancipation et de l’oppression ont évolué, leurs formes et leurs signes ont également changé. 
La représentation de l’oppression est passée du fixe au mobile. Nou s faisons alors l’hypothèse que dans une société où règnent l’accélération et le changement constant, la fixation peut devenir un facteur d’émancipation. C’est ici que l’architecture rentre en jeu. Là où son immobilité apparente en faisait un symbole d’oppression, sa force d’immobilisation
peut aujourd’hui en faire le lieu d’une émancipation. Un exemple d’une telle dynamique se trouve dans les événements récents de révoltes urbaines. À cet instant singulier, il existe une sorte d’osmose entre la ville, son architecture et la foule : un devenir architectural de la foule qui fusionne, qui devient mur, barrière, ombre, lumière, ainsi qu’un devenir foule de l’architecture qui s’y disperse, s’y déconstruit en pavés jetés et se reconstruit en barricade érigée.

Can Onaner est architecte, docteur en Histoire de l’architecture. Enseignant à l’École d’architecture, de la ville & des territoires à Marne-la-Vallée, membre du laboratoire Infrastructure- architecture-territoire – LIAT à l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-Malaquais, il a notamment publié Aldo Rossi, Architecte du Suspens, en quête du temps propre de l’architecture (Métispresses 2016). Il a été commissaire des expositions Temps suspendu (Bordeaux, 2013), La place comme théâtre de la foule révoltée (Paris, 2016)

Séminaire automnal du BAL et de l'EHESS 2018 : www.le-bal.fr/2018/08/les-temps-de-limage

Can Onaner - L'architecture comme théâtre de l'émancipation

COMMENT SAISIR, PAR L’IMAGE, L’ABSENCE ET LA DISPARITION ?

La suppression physique ou symbolique de certains groupes de la population est une expérience majeure de la violence politique contemporaine –  épilogue récurrent des révolutions et face obscure des conflits. « Obscure » car écrire l’histoire de cette violence, c’est butter sur la logique d’effacement (des êtres, des traces, des mémoires) dont elle procède. Au prisme de l’histoire iranienne contemporaine, cette soirée se penche sur les façons de documenter, raconter et saisir cet effacement, et l’expérience-limite de ce qu’est le gouvernement par la mort.

Avec

Emmanuel Alloa est maître de conférences en philosophie à l’Université de Saint-Gall en Suisse et Senior Research Fellow au Pôle National Suisse de Critique de l'Image (Bâle). Il dirige la collection Perceptions et codirige la collection Média/théories aux Presses du réel. Ses recherches se situent à l’intersection de la phénoménologie, de l’histoire des idées et de l’esthétique.

Karima Lazali est psychologue clinicienne et psychanalyste. Elle a publié en 2018 Le trauma colonial, Une enquête sur les effets psychiques et politiques contemporains de l’oppression coloniale en Algérie aux Editions La Découverte.

Bahar Majdzadeh, artiste chercheuse, elle s’intéresse à la période en Iran qui se situe entre deux moments décisifs : la Révolution de 1979 et le massacre des prisonniers politiques de 1988.

Modération : Chowra Makaremi, anthropologue et chercheuse au CNRS, associé à l’Institut de recherche interdisciplinaire sur les enjeux sociaux – IRIS. Ses travaux portent sur l’anthropologie de l’Etat, les formes juridiques et ordinaires de la violence et l’expérience qu’en font les sujets, notamment en situation d’exil.

Absent.e.s et Survivant.e.s : Documenter l'effacement

QUELS LIENS EXISTENT-ILS ENTRE L'IMAGE ET LA MÉDIUMNITÉ? QUELS PONTS LES PRATIQUES MÉDIUMNIQUES ÉTABLISSENT-ILS ENTRE LA PHOTOGRAPHIE D'UN MORT ET LE MONDE DES VIVANTS?  AVEC SON TRAVAIL AU LONG COURS 'MALLEUS MALEFICARUM', VIRGINIE REBETEZ S'INTÉRESSE AUX GUÉRISSEURS DU CANTON DE FRIBOURG ET PLUS SPÉCIFIQUEMENT À LA FIGURE DE CLAUDE BERGIER, ACCUSÉ DE SORCELLERIE ET BRÛLÉ AU BÛCHER AU 17ÈME SIÈCLE. A TRAVERS LUI, LA PHOTOGRAPHE SUISSE INVESTIT LE PASSÉ ET LES PRATIQUES DES MÉDIUMS, DONT ELLE DISCUTERA AVEC LA GUÉRISSEUSE AUDREY SÉNÉ LORS D'UNE SOIRÉE SPÉCIALE MÊLANT RENCONTRE, PROJECTION ET SÉANCE MÉDIUMNIQUE. 

Publié chez Meta/Books en 2018, le travail Malleus Maleficarum de la photographe suisse Virginie Rebetez investit l'histoire des médiums et guérisseurs du canton de Fribourg, très répandus dans cette région catholique et fortement enracinés dans la culture locale. En les plaçant dans un contexte historique plus large, celui de la chasse aux sorcières, elle découvre leur pratique et leur passé, plus particulièrement à travers la figure de Claude Bergier, accusé de sorcellerie et brûlé au bûcher en 1628. En organisant des séances médiumniques avec différents guérisseurs, Rebetez fait revenir Bergier et construit ainsi des liens entre les gens et les lieux séparés dans le temps et l’espace. Le 6 février, Virginie Rebetez sera présente au BAL pour une rencontre-projection autour de ce travail. Elle sera accompagnée lors de cette soirée de la médium guérisseuse Audrey Séné pour une séance médiumnique avec le personnage de Claude Bergier ainsi qu'une discussion autour de la pratique de médium en relation avec la photographie.

(...) La photographie est une sorte d'alchimie: elle permet d'extraire l'image d'un objet et sa reproduction aboutit à une transformation en un autre objet. Ce n'est pas uniquement la matérialisation de la lumière sur un support, elle transporte le monde dans sa représentation. La photographie est un processus vivant de transfert des présences et absences d'un endroit à un autre. Cette notion de transfert est essentielle à l'élaboration de nombreux rituels ou pratiques de mise en liens qui sont censées reproduire un message sous un autre format – d'un monde d'ailleurs avec son propre rythme temporel à un monde d'ici, celui dans lequel nous vivons. La personne ou l'objet reliant ces deux dimensions est le médium qui rend possible ce transfert. Il est la porte qui permet le passage du message, tout comme l'objectif de la caméra permet le passage de la lumière. (...)

Elisa Rusca, écrivaine, historienne de l'art et commissaire d'exposition
Extrait du texte, «Tracer des ponts – Le perroquet, la dame et l'objectif », Malleus Maleficarum publié par Meta/Books, 2018

MÉDIUMNITÉ & PHOTOGRAPHIE | Rencontre avec Virginie Rebetez

À l’occasion de l’exposition, LE BAL invite historiens, critiques et artistes à interroger le rapport irrévérencieux et jubilatoire qu’entretenait Sigmar Polke avec le médium photographique, lors de deux soirées d’étude menées par Bernard Marcadé.

Jeudi 17 octobre 18h-21h

Introduction par Bernard Marcadé, co-commissaire de l’exposition 
Tout feu tout flamme par Bice Curiger, critique d’art, commissaire et directrice de la Fondation Vincent van Gogh, Arles
Singular / Plural: On the Use of Photographic Images in and around Düsseldorf par Petra Berndt-Lange & Dietmar Rübel, commissaires indépendants et professeurs à l’Université de Hambourg et à l’Académie des Beaux-Arts de Munich
Si votre ramage se rapporte à votre tramage. L’image pointée par Emmanuel Alloa, professeur d’esthétique et de philosophie de l’art à l’Université de Fribourg

Avec le concours du Goethe-Institut de Paris

Sigmar Polke, Sans titre, 1970-1980, Collection de Georg Polke
© Sigmar Polke, Cologne/ADAGP, 2019

Mauvaise réputation, Sigmar Polke et la photographie - Soirée d'étude - 17 octobre 2019

À l’occasion de l’exposition, LE BAL invite historiens, critiques et artistes à interroger le rapport irrévérencieux et jubilatoire qu’entretenait Sigmar Polke avec le médium photographique, lors de deux soirées d’étude menées par Bernard Marcadé.

Vendredi 8 novembre 18h-21h

Introduction par Bernard Marcadé, co-commissaire de l’exposition 
Zone de turbulence par Jean-Francois Chevrier, historien de l’art et professeur à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris

Sigmar Polke, la photographie, la guerre, l’histoire par Philippe Dagen, historien de l’art, critique d’art et professeur d’histoire de l’art contemporain à l'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

There Is a Crack in Everything, That´s How the Light Gets In par Klaus Mettig, artiste allemand

La photographie chez Sigmar Polke et Gerhard Richter : une lecture comparative par Erik Verhagen, critique d’art et professeur d’histoire de l’art contemporain à l'Université Polytechnique Hauts-de-France

Avec le concours du Goethe-Institut Paris

Mauvaise réputation, Sigmar Polke et la photographie - Soirée d'étude - 8 novembre 2019

Parcourant la dernière décennie de la RDA, le film "Lange Weile" ("Un long moment d’ennui") de la photographe allemande Tina Bara traverse avec un regard intimiste sa vie, ses sentiments et son engagement politique dans cette période mouvementée de l'histoire. Par ricochets, c'est aussi les questionnements de sa génération qu'elle interroge. Montré à l'occasion de l'exposition "Corps Impatients - Photographie est-allemande 1980-89" à Arles, le film sera projeté à paris pour la première fois lors d'une soirée de rencontre avec la photographe et la commissaire d'exposition Sonia Voss. L'auteur, DJ et réalisateur Henryk Gericke, protagoniste majeur du mouvement punk en ex-RDA, sera aussi présent pour évoquer cette période historique importante.

Tina Bara est née en 1962 dans les environs de Berlin-Est, où elle étudie l'histoire et l'histoire de l’art avant de rejoindre la Hochschule für Grafik und Buchkunst à Leipzig pour étudier la photographie. Dès 1983 et jusqu’à son départ à l’Ouest en 1989, peu avant la chute du Mur, elle pratique la photographie de façon intensive, documentant au quotidien sa vie intime et celle de son entourage.L’ensemble des photographies prises pendant ces quelques années forment la matière d’un film réalisé en 2016, intitulé Lange Weile (Un long moment d’ennui), dans lequel elle revient sur son mode de vie, ses questionnements, ses sentiments, mais aussi son engagement politique pendant la dernière décennie de la RDA.

Film sous-titré en français et anglais. Rencontre en anglais.
Evènement organisé en collaboration avec le Goethe Institut

Visuel ©Tina Bara

#LEBAL

Tina Bara : Lange Weil - Projection et rencontre - jeudi 28 novembre 2019

Créateur de l’Ankoku Butô, la danse des ténèbres, l'artiste Hijikata Tatsumi révolutionna la notion de danse moderne à l’aube des années 1960 au japon, imposant un univers fantasmatique et transgressif, renversant les notions d’harmonie ou de beauté chorégraphique. Le chercheur Bruno Fernandès, spécialiste des contre-cultures japonaises du 20ème siècle, présentera le vendredi 15 novembre une longue introduction au fondateur et aux origines de cette danse révolutionnaire, accompagnée de documents et d'une projection d'extraits de films rares.

Artiste visionnaire, Hijikata Tatsumi révolutionnera l'histoire de la danse moderne en "accouchant" d’un corps humain difforme, orgiaque et impie, tout simplement inacceptable dans une société japonaise en pleine normalisation consumériste. Son style puise à des sources hétéroclites, mêlant onirismes traumatiques de son enfance rurale et des mondes artistiques hérétiques qu’il régurgite en une version érotique et grotesque. S’appuyant sur un corpus de documents photographiques et filmiques rares, dont des extraits des films de fiction où figura Hijikata Tatsumi et sa troupe, la présentation du chercheur Bruno Fernandes introduira au public les mondes de ce danseur hors-normes. La rencontre sera suivie d'une dégustation de saké au bar.

FILMS PRÉSENTÉS:

Documentaires :
臍と原爆Heso to genbaku – 1960 (n&b-14min)
あんま Anma (version de Iimura Takahiko)- 1963 (n&b-19min)
薔薇色ダンスBara iro dansu (version de Iimura Takahiko)- 1966 (n&b-11min)
肉体の叛乱Nikutai no hanran - 1968 (ext.) (n&b-11min)
疱瘡譚 Hōsōtan - 1973 (ext.) (n&b-10min)

Fictions :
恐怖奇形人間Kyōfu Kikei ningen – Ishii Teruo –1968 (b.a. – coul. 3min)
恐怖奇形人間Kyōfu Kikei ningen – Ishii Teruo – 1968 (ext-) (coul. 3.30min)
怪談昇り竜 Kaidan nobori ryū (a.k.a. Blind Woman Curse) Ishii Teruo – 1970 (ext-) (coul. 2min)
卑弥呼Himiko Shinoda Masahiro – 1974 (ext-) (coul. 5min)

Bruno Fernandes est chercheur indépendant sur les contre-cultures japonaises du XXe siècle et dirige la collection Délashiné ! aux Presses du Réel.

Informations : http://www.le-bal.fr/2019/11/quelques-pas-dans-les-tenebres

Quelques pas dans les ténèbres - Présentation de l'Ankoku Butô & projection de films - 15/11/19

De quelle manière l'intelligence artificielle modifie-t-elle notre rapport au paysage ? Quels en sont les enjeux ? Comment ces poussées technologiques transforment-elles les représentations visuelles des milieux naturels en un vaste champ d'extraction de données? 

La troisième séance du cycle consacré aux enjeux esthétiques et politiques des nouvelles formes de vision et d’écoute fondées sur ce qu’on appelle aujourd’hui intelligence artificielle et machine learning, prendra comme point de départ l’impact de ces nouvelles technologies sur les différentes formes de représentation de la nature : en particulier, les images satellitaires de la surface de notre planète.

Après la présentation de projets élaborés par l’artiste Abelardo Gil-Fournier en collaboration avec Jussi Parikka et le groupe Archaeologies of Media and Technology – par exemple, Landscape Prediction : An Earthology of Moving Landforms – il s’agira d’analyser les entrelacements entre intelligence « artificielle » et intelligence « naturelle », et la manière dont machine learning et technologies numériques de géolocalisation sont utilisés pour formuler des prédictions concernant l’évolution future de notre planète et de ses formes « actives » : fleuves, glaciers, forêts.

Jussi Parikka est professeur en Technological Culture & Aesthetics à la Winchester School of Art de la University of Southampton et codirecteur du groupe de recherche Archaeologies of Media and Technology. Il a notamment publié Insect Media. An Archaeology of Animals and Technology (University of Minnesota Press, 2010), What is Media Archaeology (Polity, 2012 ; traduction française Qu’est-ce que l’archéologie des médias ?, UGA Éditions 2018), The Anthrobscene (Polity, 2014), A Geology of Media (University of Minnesota Press, 2015).

Artiste et chercheur, Abelardo Gil-Fournier analyse les entrelacements entre les formes contemporaines de visualisation et la surface vivante de notre planète. Sa pratique vise à l’élaboration de plateformes – installations, dispositifs, laboratoires – conçues comme des mécanismes ouverts où art, recherche et politique s’entrecroisent. Il est actuellement chercheur post-doc au FAMU de Prague, et participe aux recherches du groupe Archaeologies of Media and Technology (AMT).

Dans le cadre du cycle Machine Vision, Machine Hearing. Surveillance, simulation, spéculation - Cycle conçu par Ada Ackerman (CNRS / THALIM), Alice Leroy (Université Gustave Eiffel - Paris Est) et Antonio Somaini (Université Sorbonne Nouvelle - Paris 3) en collaboration avec Le BAL, l’École normale supérieure - PSL et LE BAL.

Plus d'informations : https://bit.ly/30rzDba

Visuel : An Earthology of Moving Landforms (2018-2019): Predictions of the movements of the fast meandering Ucayali river in Perú ©  Abelardo Gil-Fournier

Paysages de l'Intelligence Artificielle / Milieux naturels et environnements à l'âge des algorithmes

Une traversée sonore nocturne dans l’univers du projet éditorial Païen. Mixtape réalisée par Camille Tallent et Lia Pradal.

Tracklist :
Master Musicians of Bukkake, Bardo Sidpa
Popol Vuh, Aguirre I (L'acrime di rei) [extrait]
Paysage d'Hiver - Eishalle [extrait]
Neil Young, Dead Man, The Round Stones Beneath the Earth
Neil Young, Dead Man, Organ Solo
Neil Young, Dead Man, Do You Know How to Use This Weapon? [extrait]
Jim Jarmusch & Jozef Van Wissem feat. Tilda Swinton, The More She Burns the More Beautifully She Glows - [extrait]
Stephen O’Malley, Auflösung der Zeit (Live at Le Bal) [extrait]
Kali Malone, Cast Of Mind (Hallow Ground) [extrait]
Hildegard von Bingen, O vis aeternitatis

Les Ondes Ephémères - Mixtape : Païen

Publié aux éditions Art Paper, le nouvel ouvrage de l’artiste canadien Zin Taylor déploie une série d’images prises en 2018 dans le village de Shimoda au Japon, dans un trip psychédélique et surréaliste. Ce nouvel ouvrage est ici présenté à travers une pièce sonore mélangeant textes, explications d’images et musique. 

Pièce réalisée par: Zin Taylor

Crédits musique : Aki Tsuyuko - The Voice Of The Night / Michael Stearns - As The Earth Kissed The Moon

Lien internet de l’auteur : https://artpapereditions.org/product/book/zin-taylor-下田市-shimoda-ambient-visions-of-a-dot/
+ site Zin taylor : https://www.zintaylor.com/

Les Ondes éphémères – Zin Taylor : Ambient Visions of a dot 下田市

LE BAL est un lieu indépendant d’exposition et de pédagogie dédié à l’image.

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