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Dans le cadre de l'exposition Panorama 26 (20/09/24 - 05/01/25) au Fresnoy - Studio national, nous vous proposons d'écouter les artistes exposés vous présenter leur œuvre.
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Dew Point est un film de science-fiction expérimental inspiré par les rituels d’incubation des rêves et la pratique ancienne de la récolte de la rosée. Bâtissant sa poétique sur un énigmatique traité alchimique, le film raconte l’histoire d’une personne sujette à une forme d’amnésie après avoir fait un cauchemar terrifiant. Son esprit est si embrumé qu’il ne se souvient plus de rien et ne peut plus créer de nouveaux souvenirs. Tandis qu’il se retrouve dans un mystérieux laboratoire de sommeil et de mémoire, un jeune médecin tente de le guérir grâce à une eau magique aux vertus curatives. Dans un état de transe, le médecin guide le patient vers le sommet d’une montagne aride où des « attrape-brouillard » transforment la brume en gouttelettes d’eau. Pour réorienter ses états mnémoniques, psychologiques et spirituels, une transformation de la matière est nécessaire, et le patient doit distiller le brouillard en récoltant la rosée.

Nicola Barrato | Dew Point

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Dans le cadre de l'exposition Panorama 27 - Simultanéité au Fresnoy - Studio national du 19 septembre 2025 au 4 janvier 2026, nous vous invitons à écouter les artistes exposé·es vous présenter leurs œuvres.

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"Sphère 3 : L'île et l'insulation" est une sculpture dynamique. Elle puise son inspiration tant dans les habitations traditionnelles inuites que dans des projets scientifiques tels que Biosphère 2 ou Sub Biosphere 2. Son objectif est d’explorer les imaginaires d’habitats en situation d’isolement, à travers la création d’une sculpture vivante prenant la forme d’un écosystème sphérique. Ce microcosme fonctionne comme un refuge post-apocalyptique, simulant un habitat après la montée des océans dans l’ère de l’Anthropocène, et constitue une fabulation spéculative autour de la crise écologique et de la survie humaine.

Le projet s’inscrit dans un processus de terraformation planifié, qui vise à recréer des écosystèmes capables de soutenir la vie dans un environnement hostile, en s’inspirant de certaines méthodes expérimentées dans Biosphere 2. Il questionne les limites de l’anthropocentrisme et initie un dialogue entre nature et technologie, en imaginant un monde nouveau où les humains commencent à habiter des structures bio-architecturales – d'immenses mycéliums préhistoriques. Dans ce méta-univers, les frontières entre l’humain et l’animal se brouillent et se transforment, tandis que les corps deviennent des entités hybrides, mêlant machine et microélectronique.

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Yue Cheng, "Sphère 3 : L'île et l'insulation", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Yue Cheng | Sphère 3 : L'île et l'insulation | Installation

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Entre quête et rituel cathartique, ce film, composé de projections mentales et d’objets remplis de souvenirs et de moments présents heureux, entreprend de donner un espace pour mettre au feu les reliques de ce passé. C’est aussi et surtout la recréation d’une architecture de la violence subie par une petite fille, des agressions sexuelles perpétrées par son père dans sa maison d’enfance. Mia se confronte aux outils de réalité virtuelle qui recréent les espaces où elle a grandi et où sont survenus ces événements. Ce sont ces témoins silencieux qu’elle convoque et reforme à travers son souvenir.

C’est aussi l’histoire d’un couple amoureux, Mia et Timothée. Quand les fantômes de Mia reviennent la hanter, Mia et Timothée décident ensemble de retourner dans cette maison pour convoquer ce qui a besoin d’être expié, afin d’empêcher les souvenirs douloureux d’envahir le présent et leur futur.

Ce film est le fruit d’une co-écriture avec Mia : il constitue à la fois une étape, un processus et la fin d’un chapitre. Avoir la possibilité de dépasser quelque chose, d’exorciser des souvenirs pour laisser des choses derrière soi : c’est aussi ça, une des puissances du cinéma.

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Timothée Engasser, "Home is where the heart is", film, 24 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Timothée Engasser | Home is where the heart is | Film

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Maziar subit un examen électroencéphalographique au département d’anatomie humaine de l’université de Palerme. Tandis qu’en rêve il s’enfonce dans le labyrinthe de tunnels creusés par la lave dans les entrailles de l’Etna, le souvenir du feu se transmue en constellations de lueurs et de miroitements moites.

Mêlant métarécit et méthodes expérimentales de montage procédural, l’installation cinématographique est montée par Hypnogram, un logiciel personnalisé conçu pour analyser le rythme des oscillations neuronales de l’acteur afin d’éditer les recombinaisons possibles de la banque audiovisuelle enregistrée au-dessus et au-dessous du volcan sicilien.

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Nicola Baratto, "Il primo sogno che ricordo", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier


Nicola Baratto | Il primo sogno che ricordo | Installation

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Perle évolue dans un monde dépeuplé qui se mue en projection de son esprit. À ses côtés, sa meilleure amie Oélia, une voix omnisciente, lui simule des environnements lumineux et sonores : paysages imaginaires qu’elles traversent ensemble afin de mieux interroger le sens de leur existence.

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Brieuc Schieb, "Perle & Oélia", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Brieuc Schieb | Perle & Oélia | Installation

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Un paysage du nord de la France accueille différents embryons d’intrigues. La vitesse emporte des scènes à peine vues, déjà disparues. La vitre d'un train, devenue écran de projection, se peuple alors de pensées, de réminiscences et d’apparitions subliminales. Une structure narrative prend forme à partir de ce qui pourrait relever du hasard.

Ce paysage, qui ressemble à un souvenir, recèle un drame face auquel nous restons impuissants, emportés, à notre tour, dans la fuite du temps. Comme dans certaines peintures de Poussin, la détresse humaine n’est qu’un détail dans un tableau qui la dépasse — où le monde suit aveuglément son cours — et qui nous fait ressentir combien cette violence est ordinaire, et donc, insupportable.

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Boris Grzeszczak, "Choses vues", film, 14'40, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Boris Grzeszczak | Choses vues | Film

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Ce documentaire d’anticipation porte un regard sur les Pays-Bas et le risque de submersion à venir. Entre le conte et la fable prospective, il interroge notre manière de lire un territoire à travers le temps : du passé, parfois lointain, au futur, peut-être moins éloigné qu’il n’y paraît. Des formes de récits — le souvenir, la fable et l’étude scientifique — façonnent notre regard sur un même lieu : ce qu’il fut, ce qu’il est, ce qu’il pourrait devenir.

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Clément Erhardy, "Sous le béton", film, 27 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Clément Erhardy | The Planners | Film

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Après avoir quitté la Colombie pendant de nombreuses années, j'ai reçu une invitation inhabituelle pour accompagner un groupe de musique dans le Pacifique colombien. C’est ainsi que je me suis retrouvé, presque sans m’en rendre compte, dans ces eaux. Sans prévenir personne de ma venue, j’ai expérimenté une rencontre puissante. Au cours de ce voyage, j’ai essayé de retrouver la maison que j'avais laissée au moment de mon départ. Ce film s'inscrit dans cette recherche : comment fait-on pour rentrer chez soi ? De quoi est fait ce lieu ?

C’est dans le Pacifique que ce film trouve son ancrage car la musique, la présence de l’eau et la persistance de la vie dans cette région m'ont permis de retrouver des pistes réconciliatrices et émancipatrices dans le devenir migratoire.

Le Pacifique est un territoire marqué par les conflits armés colombiens et les cicatrices de la colonisation. C’est dans cette région que des anciennes communautés d’esclaves se sont réfugiées, et c’est dans ces mêmes eaux que, chaque année, des milliers de baleines viennent, depuis l'Antarctique, pour donner naissance.

Ce film émane de la nécessité de chercher de nouvelles voix — y compris poétiques — qui appellent à de nouvelles constructions épistémiques, des manières inhabituelles d’être et d’habiter le monde où l'expérience individuelle traverse l’histoire collective avec ses blessures, ses sutures et ses mutations.

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Daniel Duque, "Pacifico", film, 22'15, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Daniel Duque | Pacifico | Film

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Léo, 9 ans, découvre pour la première fois ses origines chinoises à travers l’enterrement traditionnel bouddhiste de sa grand-mère. Filmé à hauteur d’enfant, Bonjour Nai Nai nous entrouvre la porte d’une famille qui a un peu oublié qu’elle était chinoise. Des univers parallèles se dessinent entre ce que l’on voit – l’innocence et l’espièglerie d’un enfant et ce que l’on entend – la gravité des conversations des adultes autour de la mort.

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Emma Huang, "Bonjour Nai Nai", film, 10'50, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Emma Huang | Bonjour Nai Nai | Film

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La spectatrice lasse quitte le cinéma. Son espace mental est plein. En marchant dans la ville, elle se demande : « Où vont les images quand je les engloutis ? »

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Julia Gostinski, 'Catalogue of Swallowed Images", film, 10 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Julia Gostinski | Catalogue of Swallowed Images | Film

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Hanoï, aujourd’hui — une ville hantée par les échos d’un amour inachevé, celui d’un ouvrier vietnamien envoyé en RDA dans les années 1980 et de la femme qu’il a dû quitter. Ce qui subsiste après l’effondrement d’une idéologie habite des corps vacillants, des gestes tus, et les recoins brumeux de la ville. Les résonances du passé se répercutent à travers une génération en dérive — une fatigue héritée, un trouble latent, une boucle répétée, un futur incertain.

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Kieu Anh Nguyen Phuong, "Fallen Noon", film, 15 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Kieu Anh Nguyen Phuong | Fallen Noon | Film

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"Salistratum" est un film-essai ethnographique qui examine le rôle géologique et écologique du sel dans le paysage du Chott el-Jérid, en Tunisie, ainsi que son importance universelle pour la culture humaine et la nature de la perception humaine en général. Le sel agit comme le substrat qui donne vie aux images photochimiques. En ce sens, il devient un concept au prisme duquel reconsidérer le rôle des objets non humains dans la composition du matériel et de l’immatériel, du charnel et du spirituel.

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Miguel Abad Manning, "Salistratum", film, 20 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Miguel Abad Manning | Salistratum | Film

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"Magia comestibilis" est un film installé qui explore notre rapport à la nourriture à travers une réflexion sur la longévité, le biohacking, la symbiose et la gastronomie. Il interroge la possibilité de créer un aliment issu d’une collaboration entre humains, bactéries et intelligence artificielle, pouvant favoriser l’immortalité.
Le projet met en relation les traditions alimentaires de la Zone bleue de Sardaigne et les pratiques des biohackers contemporains. D’un côté, les centenaires sardes incarnent une sagesse ancestrale fondée sur la simplicité, la terre et le lien social ; de l’autre, les biohackers explorent les limites du vivant par la science, la technologie et les nouveaux régimes alimentaires.
Dans ce dialogue, l’intelligence artificielle fait le lien entre savoirs ancestraux et innovations contemporaines : elle génère des recettes à partir de produits du biohacking, d'aliments des Zones bleues et de données scientifiques. Ces plats sont ensuite réalisés et consommés dans le film.
L’installation qui accompagne le film propose une expérience sensorielle fusionnant éléments visuels, comestibles et biologiques : les spectateurs regardent le film, goûtent les aliments créés et observent des fermentations. Entre art, science et gastronomie, "Magia comestibilis" invite à réfléchir à la vie et à la mort, en plaçant la nourriture au centre de notre transformation biologique.

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Nazif Can Akçali, "Magia comestibilis", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Nazif Can Akçalı | Magia comestibilis | Installation

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Dans les profondeurs d'une Terre transformée, s'étend une arche dédiée à la préservation de la mémoire du monde, ultime conservatoire où se conjuguent les traces biologiques du vivant et les registres numériques du savoir. Sa conservation est confiée à des machines autonomes qui veillent sur la renaissance des plantes et l’émergence d’enfants conçus hors du corps.
Mais de cette mémoire figée, une mutation opère : plus qu'une archive, le lieu devient le berceau d'une symbiose inédite, une cohabitation post-humaine affranchie des hiérarchies, où l'organique et la donnée inventent une nouvelle façon de "faire monde".
Mais cette harmonie a un prix : une dépendance nouvelle à l'égard de la technologie qui l'orchestre. Cette utopie contrôlée est-elle un berceau ou un tombeau ? Et que deviennent la filiation et la mémoire quand elles ne sont plus transmises mais calculées ?
La forme même du film incarne cette hybridation : portée par une image devenue chimère où prises de vues réelles et visions générées par IA fusionnent en un flux continu, le film devient une rêverie spéculative, une immersion dans une beauté à la fois douce et inquiétante.

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Thomas Pendeliau, "The Body Multiple", film, 20 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Thomas Pendeliau | The Body Multiple | Film

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Joseph cherche Mara. Mara se cherche. Lors d’une fête, il la retrouve. Autour d'eux, on dit qu'une baleine blanche se serait échouée sur la plage. Mara veut la voir, et Joseph veut suivre Mara – peu importe la tempête qui approche.

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Ysé Sorel, "déluge mineur", film, 18 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Ysé Sorel | déluge mineur | Film

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À l’automne 2005, une mère s’applique à réconforter son jeune fils face à l’absence temporaire de son grand frère. L’enfant, tiraillé entre le silence des adultes et un imaginaire qui prend de  plus en plus de place, cherche à comprendre ce départ énigmatique tout en affrontant les ombres qu’il laisse derrière lui. Ce film puise sa source dans un besoin profond de briser le silence, de revenir sur une faille fondatrice de mon histoire personnelle. J’ai éprouvé le besoin de rassembler ces morceaux épars, de réconcilier mémoire intime et mémoire collective. Ce dialogue entre l’imaginaire et le réel devient une manière de reconstituer un puzzle affectif et historique, de faire émerger les images qui m’ont tant manquées. 
Au cœur du film : une fable, celle que l’enfant que j'étais a crue, un jour. Une histoire façon-née par l’amour d’une mère, par ses gestes silencieux pour protéger ses enfants de la fatalité qui frappe chaque quartier populaire. Ce geste de fiction devient alors un acte de transmission. La narration se déploie dans des lieux empreints de mémoire : le logement familial, théâtre de nos joies, de nos fractures, témoin de la transformation de mes parents, mais aussi des intrusions policières et du désengagement des institutions. C’est là, entre passé et présent, que se joue l’essentiel du film.

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Zine Andrieu, "Les Origines du Monstre", film, 25 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Zine Andrieu | Les Origines du Monstre | Film

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"Solid State Forces" vise à explorer les relations complexes entre l'activité d’extraction minière et le développement des nouvelles technologies, en particulier ici, le charbon. Moteur de la révolution industrielle, l’extraction du charbon marque également un tournant dans l’histoire de l’écoute, avec l’invention du microphone à charbon vers 1870. Alors que l’exploitation de cette ressource s’éteint progressivement en Europe, elle laisse derrière elle des territoires profondément transformés, tant sur les plans environnemental et écologique que socio-économique. Que sont devenus ces lieux ? Quelles mémoires y subsistent encore ?
Afin d’examiner ces transformations, Alan Affichard a réalisé des prises de son sur différents sites miniers à travers la France, la Belgique, l’Allemagne et la Pologne. Parmi ces lieux : des terrils, des friches reconverties, ainsi que des mines encore actives. En traversant ces espaces, il s’agissait d’en capturer les expressions soniques et d’enregistrer, à différentes échelles, les forces qui les habitent, qu’elles soient géologiques, humaines, animales ou électromagnétiques. Ces enregistrements ont donné lieu à la création d’une archive vivante, matrice d’une série de compositions sonores déployée dans une installation multicanale.
Inspirée de la salle des pendus, cette installation rassemble plusieurs dispositifs sonores, tous contrôlés par une même archive. Parmi ces objets (enceintes, porte-voix, reliques minières et instruments de fanfare) se forme un acousmonium diffusant des compositions en mouvement. Celles-ci ne sont pas figées : elles se glissent les unes dans les autres, activant intensité électrique, mouvement mécanique et force pneumatique.
Un disque vinyle éponyme accompagne le projet et marque le début d’une série dédiée à l’extraction des ressources ainsi qu’aux technologies qu’elles façonnent.

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Alan Affichard, "Solid State Forces", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Alan Affichard | Solid State Forces | Installation

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Dans l’entre-deux du sommeil et de l’éveil, les toits, les minarets, la voix du muezzin et les murs fissurés deviennent les gardiens silencieux d’une Tunis flottante.

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Achref Toumi | " دُعاءُ فَجرٍ / Dawn Prayer", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Achref Toumi |  دُعاءُ فَجرٍ / Dawn Prayer | Installation

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En détournant les techniques du sonar d'imagerie, principalement utilisées par l’armée ou pour la pêche industrielle, je filme par le son la lévitation d’un corps en apnée.
Un sonar émet des ultrasons dans l’eau, qui se propagent et rebondissent sur le corps immergé recréant sa présence. L’image, produite par le son, donne à voir ce qui échappe à la vision humaine dans les profondeurs.
En transformant les modalités de perception, je propose un regard sans yeux. Inspirée de l’écholocalisation animale, "And you want to travel blind" est une tentative d’échographie de l’humanité, reliant le monde in utero à un monde post-chaos.

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Chloé Wasp, "And you want to travel blind", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Chloé Wasp | And you want to travel blind | Installation

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Dans un centre de formation médicale, l’un des robots chirurgicaux Da Vinci – conçu à l’origine pour permettre aux chirurgiens d’opérer des patients à distance, souvent à l’étranger – s’éveille à sa propre autonomie. Jadis objet muet au service d’un vaste système, il se rend désormais compte de ses actions. Cette prise de conscience l’entraîne dans un voyage au sein de l’établissement, espace hybride où la formation clinique se confond avec les échos de la guerre.
En arpentant les couloirs et les pièces cachées de l’institution, le robot découvre, dans une autre aile, que des machines identiques sont intégrées dans des champs de bataille en temps réel, commandées à distance par des mains invisibles.
Le robot Da Vinci a été développé par l’armée américaine dans les années 1980 pour opérer des soldats blessés sur des champs de bataille isolés, sous le contrôle, en temps réel, de chirurgiens américains aux États-Unis. Il devra attendre 1990 pour se voir réintroduit et adopté dans le secteur civil de la santé publique.
Le film fait de la traversée du bâtiment par le robot une excavation du progrès médical et de la guerre posthumaine. En se confrontant aux fragments de son passé, le robot doit concilier la contradiction d’être à la fois un outil de soin et une arme de précision.

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Danielle Kaganov, "Detach, 16:49", film, 16 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Danielle Kaganov | Detach, 16:49 | Film

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Il y a dans le salon une chaise en bois reposant sur des carreaux de grès usés. Au fil des ans, chacun de ses déplacements a produit un crissement régulier, désormais imprimé dans la mémoire des lieux. S’il fallait se souvenir d’un seul son pour évoquer la maison, aujourd’hui mise en vente, ce serait sûrement celui-ci. À la manière de Le Roi se meurt d’Eugène Ionesco – pièce dans laquelle un monarque, entouré de sa cour, apprend un matin sa mort imminente –, l’installation anticipe la disparition de ce membre inanimé mais expressif du foyer. La chaise réinterprète ici les mouvements qu'elle connait et continue à se faire entendre.

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Félix Côte, "Le roi se meurt", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Félix Côte | Le roi se meurt | Installation

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"I Could Live Here Forever" est une installation vidéo qui explore les mutations contemporaines des métiers liés aux médias, en particulier ceux qui se trouvent à la frontière entre le réel et l’artificiel. Ce travail met l’accent sur la précarité et l’instabilité des travailleurs médiatiques de ce que l’on appelle la « Gig Economy », ces individus dont l’activité consiste à produire des images d’eux-mêmes ou du contenu pour des plateformes numériques, souvent en interaction avec des intelligences artificielles ou des environnements de plus en plus dématérialisés.
L’installation est composée de trois écrans connectés diffusant trois films. Les écrans sont incrustés dans des cadres représentant des cadres de photos souvenirs agrandis à taille humaine, les images numériques sont donc juxtaposées à des objets physiques profondément associés à la mémoire humaine et à l’intime. Les personnages, aussi bien fictifs que réels, deviennent des métaphores de la manière dont les travailleurs du numérique voient leur humanité réduite ou réinterprétée par les dispositifs technologiques qui les entourent.

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Certaines séquences de ce film ont été créées ou modifiées à l’aide d’une intelligence artificielle. Il ne s’agit pas d’images documentaires ou représentant la réalité.
L’apparition d’un visage reconnaissable repose sur une simulation numérique de type deepfake. Toute ressemblance avec une personne réelle est volontairement fictive et relève d’un usage artistique.
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Harold Lechien, "I Could Live Here Forever", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Harold Lechien | I Could Live Here Forever | Installation

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Le terme « autonomie » vient du grec et signifie « se donner sa propre loi ». Pourtant, l’expression « machine autonome » porte en elle un paradoxe, car une machine est un système déterministe, contrôlé par des entrées extérieures. Une machine, ou un système symbolique, peut-il, à l’image des systèmes biologiques, acquérir une forme d’autonomie en se codant elle-même ? Lorsque ces systèmes sont utilisés pour gérer la société humaine, représentent-ils une contrainte ou une forme de liberté ? 
Dans la nature, les êtres vivants perpétuent la vie grâce à la reproduction. Cependant, cette continuité est limitée par les lois physiques, notamment la seconde loi de la thermodynamique. Malgré cela, l’idée de l’immortalité persiste dans de nombreuses cultures. Dans la mythologie et le folklore chinois, la durée de vie des espèces est régie par un ordre naturel imposé par une entité surnaturelle appelée « Ciel » ou « Cour céleste » (天庭 Tian Ting). Toute tentative visant à atteindre l'immortalité est ainsi punie ou entravée. Seuls des êtres comme l'oiseau de feu peuvent échapper à cette punition et voyager librement à travers le temps et l'espace. Notre récit prolongera celui de la première année. Cette fois, l'oiseau de feu se rend sur une planète désertique, où il rencontre un vieil ordinateur, et une conversation s'engage entre eux.
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In Vitro, 'Desert Star", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

In Vitro | Desert Star | Installation

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Tristan et Liya se sont rencontré·es il y a quatre ans sur internet. Loin des yeux, près du cœur, iels remettent sur les rails un projet commun, mis en pause suite à une récente dispute.

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Jean-Baptiste Georjon, "Liberty Box", film, 28 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains


Jean-Baptiste Georjon | Liberty Box | Film

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Sans méchants ni gentils, sans victoire ni défaite, "Enthéorie" est un conte qui ne s’ancre dans aucune réalité spatio-temporelle, si ce n’est une réalité plus forte et sempiternelle : celle du déterminisme.
C’est l’histoire d’un certain nombre de personnages qui tentent de remplir leurs rôles et de suivre les voies qui leur ont été indiquées. Ce récit reprend la forme traditionnelle du conte et suit les péripéties d’un héros, qui, accompagné d’un acolyte, son écuyer à tête de cheval, traverse d’hostiles contrées afin de rejoindre la princesse qu’il pense devoir délivrer. Cette quête initiatique, d’amour, de sens, va le confronter à son seul ennemi ici : lui-même.
Par le registre merveilleux, ce projet aborde la question du déterminisme, du libre arbitre et des rôles qui nous sont attribués, du fait de notre genre, de notre classe sociale, de notre orientation sexuelle ou encore de notre couleur de peau.

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Jérémie Danon, "Enthéorie", film, 23 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Jérémie Danon | Enthéorie | Film

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Sur une estrade, un casque de réalité virtuelle entouré de quatre enceintes. En face, des dessins au crayon de couleur de dimensions variables sont accrochés sur trois murs (intérieurs domestiques et personnages). Une atmosphère sonore évoque une vie familiale, malgré son apparente abstraction. Grâce aux dessins et à cette écoute, le public peut déjà se raconter sa propre histoire.
Si nous expérimentons la réalité virtuelle, nous découvrons une nouvelle clef : embarqués dans une maison, nous la traversons, tel un « passe-muraille ». La bande sonore associée au film grâce à des écouteurs à conduction osseuse, se superpose sur l'écoute collective des enceintes. Sans pour autant basculer, nous ressentons la présence de tensions et d’étrangetés : les scènes de ce parcours sont banales mais les personnages semblent ensemble sans être ensemble.
L'installation "Derrière chez moi" performe mon sentiment selon lequel « ce passé est présent pour toujours » et convoque une réflexion sur les politiques de la mémoire, quand elles s'inscrivent dans des rapports de pouvoir.


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Jade Jouvin, "Derrière chez moi", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier

Jade Jouvin | Derrière chez moi | Installation

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Une présence rôde dans une ville de banlieue parisienne, elle traque les habitants. Les disparitions se multiplient. Nassim, un jeune garçon, est mis à la porte de chez lui un soir, il passe la nuit dehors, se sent suivi.

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Paco, "Amer", film, 22 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Paco | Amer | Film

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"Nous sommes le festin" provient de la citation “We are the feast”, tirée du livre de Val Plumwood où elle évoque le choc ontologique qui l’a frappée lorsqu’elle lut dans les yeux d’un crocodile qui s’apprêtait à l’attaquer la convoitise d’un prédateur devant son repas.
L’écoféministe rappelle avec une douceur marquante à quel point l’Occident a construit sa culture sur un exceptionnalisme humain niant la vérité : Nous sommes des proies pour certains animaux et seront nourriture pour d’autres à notre mort. Cette réflexion a été l’amorce d’un récit. Celui-ci se déploie dans une performance et une installation du même nom.
"Nous sommes le festin" réunit trois voix de natures différentes :
• Hante, un humain, que j’interprèterai, remplacé par un pantin en bois dans l'installation,
• Shell, une intelligence artificielle située dans un sceptre de fou qu’Hante tient à la main,
• une renarde recueillie par Hante, chimère en 3D vidéoprojetée dans l’espace scénique.
"Nous sommes le festin" explore l’étrange lien qu’instaure Hante avec la renarde, pour lui figure d’altérité : celle de l’animal, puis par extension celle de la nature, envisagée comme une entité extérieure et aliène, divinité immanente.
Elle dessine aussi pour Hante une dérangeante figure de l’amante, exprimée par un désir de se faire dévorer. Pendant la performance, Hante et Shell conversent, chantent à deux voix, et l’obsession de l’humain s’éclaircit : il est à la recherche de son propre corps, semble désincarné dans la complexité contemporaine. Presque aussi désincarné que son interlocuteur virtuel.

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Hantédemos, "Nous sommes le festin", performance, 28 min, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains


Hantédemos | Nous sommes le festin | Performance

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Deux personnages sont assis face à face.
Entre les deux, une table basse, une statue de ciment au centre. Sur la table à côté de la statue, deux tasses de café chaudes.
« Je l'ai touché à la tête », dit-il après un long silence. La femme se déplaça sur sa chaise. Il se frotta les mains, essayant de cacher un sourire timide… « La première fois que tu tires et que tu touches quelqu'un, ce n'est pas très agréable… »
Dans les rêves, quand on ne dort pas la nuit est une installation vidéo à trois écrans qui utilise divers outils cinématographiques, ainsi que des archives, pour reconstituer et débattre des extraits de témoignages écrits par des snipers de l'armée israélienne au début des années 2000.
Pendant mon service militaire obligatoire dans l'unité des porte-paroles de l'armée israélienne, je suis tombée sur un article intitulé « Les snipers de l'intifada al-Aqsa ; massacrer, humanité et expérience ». J'avais reçu pour instruction de lire l'article et de marquer les parties « problématiques ». En raison de son contenu dérangeant, l'article n'a finalement pas été transmis au journaliste.
Aujourd'hui, je suis hantée par le contenu de cet article, et je réfléchis à la façon dont, à un moment de ma vie, j'ai contribué à le faire taire. Par le biais de la recréation et des réflexions critiques inspirées par le terme « banalité du mal » d'Hannah Arendt, l'œuvre tente d'explorer les limites de la moralité et de la responsabilité collective telles qu'elles émergent des témoignages des snipers.

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Rachel Gutgarts, "Dans les rêves, quand on ne dort pas la nuit" , installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains © Quentin Chevrier


Rachel Gutgarts | Dans les rêves, quand on ne dort pas la nuit | Installation

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"Le Jardin des mutations" réunit l’antique art de la divination et l’intelligence artificielle pour faire surgir un monde parallèle, en miroir d’un jardin réel. Ce dialogue entre oracles et calculs puise sa source dans l’histoire : en 1701, le philosophe et mathématicien Leibniz découvre dans le Yi Jing, ouvrage oraculaire plurimillénaire chinois, un système binaire composé de 64 combinaisons de lignes pleines et brisées. De là naît le code binaire moderne, socle de toute informatique.

Inspiré par cette étrange filiation, Le Jardin des mutations transforme des données météorologiques – température, hygrométrie, vent – en autant de lancers de dés, générant en permanence de nouvelles métamorphoses inspirées par le Yi Jing. Comme dans des mondes imbriqués, le jardin virtuel évolue en écho au jardin réel. Les changements dans notre monde font apparaître, muter, se dérégler, un paysage virtuel en constante reconfiguration. Le monde connu dévie lentement vers des territoires fantasmagoriques.

"Le Jardin des mutations" incarne un pont entre le monde physique et le monde numérique, entre passé lointain et futur spéculatif. C’est un espace de porosité où les frontières entre la réalité matérielle et les mondes de l’esprit se troublent, invitant à contempler un ailleurs mouvant, où le connu se dissout dans l’inconnu.

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Hicham Berrada, "Le Jardin des mutations", installation, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains

Hicham Berrada | Le Jardin des mutations | Installation

Patricia Alessandrini | Vospora / A singing empathetic robot-pet | Installation

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Où s’en vont les gens quand ils meurent ? Comment dire aux enfants que personne ne sait vraiment, mais qu’il faut alors l’imaginer ? Notre tradition culturelle offre des réponses qui s’avèrent, il faut le dire, assez limitées – soit on va au ciel, soit on n’existe plus du tout, si ce n’est dans le souvenir des vivants. Dans d’autres cultures on trouve des façons bien plus imaginatives d’offrir aux morts l’occasion de faire sentir qu’ils sont encore là, pour un moment, et bien sûr d’une autre manière. À condition qu’on en prenne soin.

Elioth s’apprête à s’endormir. Dans le cadre posé sur sa table de chevet, on les voit, lui et sa grand-mère, tous les deux souriants. Il ferme les yeux et, quand il les rouvre, elle est à nouveau là, comme quand elle était vivante. Elle l’emmène en voyage. Il y aura un petit oiseau mort qui fait chanter la forêt, puis un garçon qui déroule un fil d’Ariane afin que l’âme de son grand-père retrouve le chemin de sa maison, en Géorgie. L’aventure les conduira dans un cimetière au Mexique, où une petite fille apprendra à Elioth qu’on peut encore faire la fête avec les morts. Et, au Vietnam, Elioth pourra offrir à sa grand-mère une belle robe à fleurs : il suffit de la dessiner, et de la brûler. À son réveil, Elioth comprendra que sa grand-mère était venue l’aider à répondre à ses questions. Et la photo du cadre lui dira que son cadeau lui est bien parvenu, où qu’elle soit.

Vinciane Despret et Lou Le Forban, "Où qu'ils soient / Où vont les gens qui meurent ?", film, 2025, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains ©️ Quentin Chevrier


VincianeDespret et Lou Le Forban | Où qu'ils soient / Où vont les gens qui meurent ? | Film

École d'art contemporain à Tourcoing, Métropole européenne de Lille
🤩 Formation, production et diffusion artistiques
👀 Exposition | Saodat Ismailova. Double horizon | 10 février - 30 avril 2023
🎬 Cinéma

Le Fresnoy Studio national des arts contemporains

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