Acaso lo más fascinante de "La Momia", como arquetipo y mito cinematográfico sea su capacidad de regresar y regresar a la pantalla, no en calidad de remake o secuela, sino como idea que vuelve a reconstituirse al completo cada tantas décadas. Ideada a partir de la presunta maldición que afectó a los descubridores de la tumba de Tutankamon, a principios de los años 20, la premisa que mueve a la trama es menos un cuento de venganza ejercido en clave serial que el relato de una obsesión romántica que persiste a través de los milenios: el recuerdo perdido de una pasión héretica que revive con furia impensada e imparable, cruzando milenios hasta un siglo XX que sólo puede interpretar ese relato en clave de terror. 
The Mummy (1932) es el tercer eslabón en la serie que Universal Pictures había inaugurado poco antes con Frankenstein y Dracula, y en esa calidad es rescatada casi tres décadas más tarde por Hammer Films (esta vez convirtiendo a la criatura explícitamente en un Golem). Exactos cuarenta años más tarde, el ciclo comienza otra vez, con evidentes deudas hacia el cine de aventuras, Indiana Jones y la posmodernidad, creando una suerte de plantilla para incontables imitaciones (buena y malas). Lo estéril y sin vida del último intento (junto a Tom Cruise), dice menos del poderío que la momia todavía ejerce sobre su audiencia que del patético estado del cine industrial de estos días. De eso y más se habla en este podcast.

#511 La Momia, monstruo y arquetipo (1932, 1959, 1999, 2017)

Rudolp Höss es un trabajador incansable. Rudolph Höss es un dedicado padre de familia. Rudolph Höss es un oficial nazi a cargo de la administración de un campo de concentración y como tal es responsable de cientos de miles de muertes.
Adaptado libremente a partir de la novela homónima de Martin Amis, el filme de Jonathan Glazer —que con este cuarto filme suyo confirma su estatus de alumno y destacado continuador de la exploración kubrickiana— se planta en el mismo terreno de la hoy legendaria Noche y niebla (1956), de Alain Resnais, en el reconocimiento del increíble esfuerzo técnico y humano puesto al servicio de la ejecución del mal absoluto, pero también en los niveles de disociación —mental, social y, en último término, biológica— que ello comporta para quienes ejecutan estas acciones. 
El filme registra con prolijidad la confortable vida, la amplia casa y servicios que Höss y su mujer han orquestado para su familia, en la vecindad misma del campo de exterminio, pero usando los mismos recursos visuales y sonoros, también da cuenta de las consecuencias menos visibles de ese acto atroz, sugiriendo de paso algo más: en un mundo como el actual, en el que diversas y simultáneas acciones de barbarie se producen (aunque no en la misma escala) en muchos rincones del planeta, ¿acaso no nos estamos comportando un poco como los Höss, cerrando los ojos, ocupados como estamos en nuestros propios asuntos, indolentes al horror?
De eso y más se habla en este podcast.

#535 The Zone of Interest (2023), de Jonathan Glazer

Les comparto mi reseña crítica (sin spoilers) sobre esta notable ópera prima de Georgia Oakley.

Cómo ser una profesora lesbiana en la Inglaterra de Margareth Thatcher.

Blue Jean  (reseña y crítica)

El nacimiento del suspense hitchcockiano: crimen, sospecha y genialidad visual en el Londres de los años 20. + información y película en https://www.historiadelcine.com.es/2025/05/the-lodger.html

Con The Lodger, Alfred Hitchcock no solo firmó su tercera película, sino que dio el primer gran paso hacia el mito. Inspirado en los crímenes de Jack el Destripador, el joven director británico construyó un thriller silencioso cargado de tensión psicológica, atmósfera inquietante y una visión visual sorprendentemente audaz para la época.

El filme narra la llegada de un misterioso inquilino a una casa londinense, justo cuando un asesino de mujeres rubias —"El Vengador"— siembra el terror en la ciudad. Con sospechas en aumento, miradas ambivalentes y un juego constante entre lo que se ve y lo que se teme, Hitchcock inaugura aquí muchos de los temas que marcarán su carrera: el falso culpable, el suspense visual, el crimen como obsesión y la ambigüedad moral.

Destacan secuencias innovadoras como el famoso plano del techo de cristal, donde la cámara nos muestra los pasos del huésped desde abajo, un recurso técnico tan impactante como simbólico. Las luces y sombras, los reflejos y los encuadres expresionistas hablan del peso de la sospecha, el aislamiento y la paranoia.

The Lodger no es solo una joya del cine mudo; es la piedra fundacional del universo Hitchcock. Una obra que, casi cien años después, sigue enseñando cómo el cine puede hacer visible lo invisible.


Audio reseña 🎧 The Lodger: A Story of the London Fog

Un podcast acerca de películas que no nos avergüenzan. 
Conducido por Juan Pablo Vilches y Christian Ramírez

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