"Hacia la oscuridad: la figura contemporánea en el límite de la visibilidad" presenta obras de arte en las que aparecen figuras parcialmente oscurecidas o escondidas, lo que las deja en el “límite de la visibilidad”. En este contexto artístico, la expresión “hacia la oscuridad” se entiende como una táctica mediante la cual cada artista dentro de esta exhibición oculta visualmente el cuerpo con el fin de explorar una tensión clave en la sociedad contemporánea: el deseo de que nos vean y el deseo de ocultarnos.   

El grupo de artistas de la exposición articula la idea de ir "hacia la oscuridad" mediante estrategias formales que pueden incluir métodos explícitos de oscurecimiento, como la sombra, la rotación del cuerpo, materiales y métodos de impresión novedosos, así como herramientas de posproducción que difuminan o aclaran. Algunas de las obras más recientes en la exposición utilizan la tecnología digital, como la pantalla croma verde (o azul). Estas obras se mueven con fluidez entre la figuración y la abstracción, y gran parte de los y las artistas manipulan con gran inventiva el color y la luz para oscurecer también la percepción óptica, con lo cual logran desafiar la propia biología de la visión.  

Expuesta en la icónica rotonda del Museo Guggenheim, "Hacia la oscuridad" presenta más de 100 obras realizadas por un grupo de 28 artistas, en su mayoría de ascendencia negra y más de la mitad mujeres. Si bien la mayor parte de las obras tienen fechas de elaboración que van desde la década de 1980 hasta la actualidad, una selección de ellas fue creada en las décadas de 1960 y 1970 por tres célebres artistas: David Hammons, Faith Ringgold y Charles White, lo cual sugiere que el desarrollo del arte conceptual durante estas décadas abrió nuevos caminos de expresión que sentaron las bases para que las y los artistas contemporáneos aborden hoy la idea de estar en el “límite de la visibilidad”. 

"Hacia la oscuridad: la figura contemporánea en el límite de la visibilidad" está organizada por Ashley James, curadora asociada de arte contemporáneo, y Faith Hunter, asistente curatorial.

En esta guía digital, le ofrecemos una introducción a la exposición realizada por la curadora Ashley James y la posibilidad de explorar los ejercicios de observación detenida de muchas obras de arte. Si bien fueron pensados para visitantes no videntes o con baja visión, estos ejercicios resultarán esclarecedores para todo el mundo, ya que invitan a reflexionar sobre los temas de semivisibilidad de la exposición. También puede acceder a respuestas poéticas para obras seleccionadas y textos murales digitalizados.

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Hacia la oscuridad: la figura contemporánea en el límite de la visibilidad

Explore con mayor profundidad los temas de la exposición en torno a la semivisibilidad por medio de un ejercicio de observación detenida relacionado con esta obra. 

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Narrator: La obra "Convergencia irreducible," realizada por Joiri Minaya en 2020, es una impresión por chorro de tinta, de 5 pies de alto (150,40 cm) por 3 ¼ pies de ancho (99,06 cm). Muestra el brazo desnudo y fotorrealista, de color marrón claro, de una figura camuflada que se estira para agarrar el pliegue exterior de su pareo de playa y pasárselo por encima del hombro, al tiempo que se inclina agachándose para meterse debajo de este. El estampado del pareo también le cubre la cabeza y la cara, salvo por dos agujeros para los ojos, que parecen cortados con tijeras en una sábana, a modo de disfraz improvisado de fantasma. La tela no ondea mucho, ya que parece como si estuviera recortada y pegada sobre una imagen de la mujer. A primera vista, su estampado combina sorprendentemente bien con el fondo de pantalla generado por la computadora. 

Los elementos que se repiten en el pareo son hojas, frondas de helecho y una flor. Pero el fondo de pantalla es un estampado que incluye manchas oblongas de bordes irregulares con motas y rellenos desconcertantes a la vista. Sin embargo, las formas, las inclinaciones y los tamaños tienen una semejanza que se funde con el pareo de playa y la paleta cromática armonizada de morado, verde, blanco y negro. El vestido y el fondo podrían derivar de la misma imagen original, que se convirtió en el diseño del fondo de pantalla después de una secuencia de operaciones computacionales. No está claro si se trata de una mujer que se viste para ser vista o para ser invisible.

Descripción de Convergencia irreducible, 2020

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Narrator: A la distancia, la pieza "Muy, muy sutil: MMS.I" hecha por Tiona McClodden en 2023 parece un cuadro negro mate con algunas marcas tenues y sin marco. De 2 ½ pies de ancho (76,2 cm) por 3 ¼ pies de alto (91,44 cm), esta obra se trata, en realidad, de un cuero teñido cortado a mano y al que se le ha aplicado betún y polvo de diamante. 

De cerca, se ven en la superficie las arrugas, apenas visibles, en conjuntos cortos y paralelos, la mayoría de ellos horizontales. A continuación, se alcanza a divisar el arco de un círculo perfecto, de doble anillo, que ocupa casi todo el ancho de la pieza. Debajo de este y rodeando el perímetro, hay una secuencia de letras mayúsculas que dice "ADORABLES Y DOMINANTES AMANTES NEGRAS". Debido a que se parece a un sello comercial, si nos distraemos, podríamos malinterpretarlo, en primer lugar, como algo relacionado con "colchones", ya que en inglés las palabras mistresses (amantes) y mattresses (colchones) son muy similares, y de eso podría tratarse en cierto modo. 

La legibilidad parcial del texto, resultado del proceso de impresión sobre cuero que utilizó McClodden, hace eco de la sutileza del mensaje relacionado con BDSM (Bondage-Disciplina, Dominación-Sumisión, Sadismo, Masoquismo). En un tipo de letra similar, más tenue en la parte superior, hay dos líneas cortas que se leen como una sola frase: "HAZLO TÚ", "COLOR O MORETONES". El texto impreso es sutil y parece poco claro debido a la superficie oscura sobre la que está, pero el mensaje codificado es audaz. También parece bastante apropiado que una información de esta naturaleza se transmita discretamente, o bien en código, bajo la oscuridad. La forma en que la artista oculta la información es a la vez protectora y tentadora.  

Debajo y a la derecha del texto "AMANTES NEGRAS" hay una especie de símbolo del infinito. Sin embargo, su línea curva tiene dos terminaciones: un extremo a la izquierda y el otro a la derecha del cruce central. Esto significa, estrictamente, que es un nudo, en lo que bien podría ser una soga y podría guardar relación con las amantes dominantes, quienes pueden imponer el bondage utilizando cuerdas y nudos. 

No muy lejos del borde inferior, una especie de cinta, cuerda o cicatriz moteada y acuchillada atraviesa la obra en línea paralela al borde. La superficie de la cinta moteada está texturizada con polvo de diamante. Si nos movemos alrededor de la obra, la luz se refracta y brilla radiante. Unas líneas finas y tenues debajo del nudo parecen ser la huella de unos pliegues, como de sábanas arrugadas o el desgaste de una prenda.  

Toda la superficie de cuero texturizado contiene patrones de arrugas, como de piel envejecida y curtida. El lado izquierdo presenta un ligero rubor púrpura, más pronunciado hacia la parte inferior. Aunque a la pieza se le aplicó polvo de diamante, gran parte de la superficie sigue envuelta en la oscuridad.  

El título "Muy, muy sutil" hace referencia a un tipo de diamante con muchos defectos casi imperceptibles, que pueden hacer que este brille con un resplandor único. ¿Cómo se relacionan los materiales utilizados por McClodden (cuero y polvo de diamante) con el ocultamiento y la visibilidad del mensaje de esta obra? 

En esta instalación, se colocaron bancos de oración frente a las obras de McClodden aquí expuestas. Si lo desea, puede arrodillarse en uno de esos bancos.

Descripción de Muy, muy sutil: MMS.I, 2023

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Narrator: Esta impresión fotográfica en color por inyección de tinta del artista Farah Al Qasimi de 2019 es la edición cuatro de cinco. Mide unos 2 ½ pies de ancho (76,2 cm) y algo más 3 pies de alto (91,44 cm) y se titula "Mujer con estampado de leopardo." En una obra maestra de excesos visuales, colores chocantes y patrones, una mujer vestida con un audaz estampado de leopardo se sitúa frente a un gigantesco anuncio de unas manos con uñas arregladas. 

La mujer mira en dirección opuesta a la cámara. Tiene la piel clara y aceitunada, los ojos marrones y las cejas oscuras. Su cabeza y el torso llenan el encuadre, con el hombro izquierdo ligeramente entornado, de modo que se sitúa en el centro de la fotografía. Su rostro, sin embargo, da la espalda a la cámara, de modo que solo quedan visibles el borde perfilado de la mejilla y la barbilla del lado izquierdo de su cara.  

Los dedos de la mano izquierda agarran ligeramente el borde de su pañuelo o están metidos por debajo de este a la altura de la barbilla. Se mira en el espejo de un pequeño estuche de maquillaje abierto que sujeta con los dedos de la mano derecha. Este contiene un pequeño cuadrado de maquillaje de color salmón debajo de un espejo cuadrado. El espejo en el que se mira está inclinado, de modo que nos mira de reojo. Su mirada capta la atención del observador, a pesar de la sobrecarga de estampados y colores de toda la fotografía. 

Lleva puesto un brillante hiyab con estampado de leopardo, un pañuelo que le cubre todo el cabello y le rodea el cuello y los hombros. El estampado de leopardo de su blusa suelta de mangas largas hace juego con el de su vibrante hiyab; el patrón está lleno de manchas negras muy agrupadas entre sí en formas redondeadas orgánicas y sobre un fondo de varios tonos de crema, marrón, amarillo vívido y naranja. Su blusa es ligeramente más naranja que el hiyab, que tiene más tonos amarillos. 

Está de pie delante de un gran cartel publicitario que ocupa todo el fondo de la fotografía. Se trata de un primer plano de unas manos de piel clara y largas uñas de puntas cuadradas con manicura francesa, las uñas están pintadas de rosa claro y las puntas, de blanco con purpurina plateada. Una de las uñas tiene un pequeño adorno tridimensional de una flor en colores rosa y blanco.

Descripción de Mujer con estampado de leopardo, 2019

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Narrator: A primera vista, es difícil descifrar una figura, y mucho menos una expresión facial, en "Sin título 4 (expresión facial)" de John Edmonds. Esta impresión en gelatina de plata solarizada de 2018 es un retrato que mide 12 pulgadas de ancho (30,48 cm) por 15 pulgadas de alto (38,10 cm). Se presenta como un negro intenso con solo unos tenues contornos plateados que distinguen formas o detalles, resultado de la reexposición durante el proceso de revelado de la fotografía original. 

Al descifrarla lentamente, parece ser una fotografía oscurecida de la cabeza de un hombre y los brazos cruzados frente a él, apoyados sobre algo. Tiene una frente alta, entradas y el pelo bien recortado. Sus ojos, bordeados por largas pestañas, miran hacia abajo y parecen casi cerrados. Lleva la barba medio crecida a lo largo de la barbilla y el labio superior. Tiene la cabeza erguida, los brazos cruzados delante de él y colocados sobre una superficie alta, de modo que su barbilla descansa ligeramente sobre sus brazos. Sus antebrazos, que parecen descansar a lo largo del borde inferior del plano de la imagen, son musculosos y parecen particularmente grandes en perspectiva, ya que estaban más cerca del objetivo de la cámara cuando se tomó la fotografía.  

La expresión facial, si intentamos leerla, podría ser interpretada de varias maneras. Podría parecernos algo inexpresivo o sereno, con su mirada baja y los labios cerrados proyectando un momento tranquilo y de reposo. O bien puede parecernos que su ceño está ligeramente fruncido por la concentración, sobre los ojos dirigidos hacia abajo y los labios apretados, de modo que evoca una expresión retraída o un estado de ánimo sombrío. 

A lo largo de la superficie de la impresión, unas ligeras líneas plateadas distinguen los límites entre las zonas oscuras y las sombras más profundas. La oscuridad general de la obra oculta las sutilezas de la expresión facial apenas perceptible del sujeto, a la vez que juega con ellas.

Descripción de Sin título 4 (expresión facial), 2018

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Narrator: Esta obra de David Hammons de 1969 se titula "Cierra los ojos y observa la negritud." La obra, orientada verticalmente, mide 3 pies de alto (91,44 cm) por 2 pies de ancho (60,96 cm). Esta obra presenta una forma orgánica en pigmento oscuro, impresa sobre un fondo de cartón de color dorado vivo.  

La forma oscura ocupa la mayor parte de la mitad inferior de la obra, y sobre ella, en la mitad superior, aparece la forma aproximada del contorno de un rombo. Si se observa más de cerca, la forma inferior oscura es el torso impreso de un hombre; su borde superior se curva en forma de símbolo de corazón, donde la parte superior del cuerpo ha presionado hacia abajo. En el borde inferior de la obra está impresa la pretina de un pantalón. En la parte superior del cuerpo impreso aparecen detallados el vello del pecho y las tetillas.  

Por encima del torso, la forma de rombo impresa parece representar los brazos del hombre colocados sobre su cabeza, con las muñecas tocándose en el borde superior central de la obra. Estos brazos impresos están orientados con los codos ligeramente doblados hacia fuera, como si estuvieran levantados o elevados por encima de la cabeza. 

Un último elemento aparece en la mitad inferior de la obra, donde el rostro de un hombre negro está impreso sobre el centro del torso negro. Este rostro parece haber levantado el pigmento negro del torso que hay debajo de él. Así, la detallada impresión del rostro se define por su vibrante base en naranja dorado que está rodeada de negro, como si fuera un negativo fotográfico. Las manos de este hombre están colocadas sobre las mejillas y los ojos; una palma sujeta cada mejilla, y los dedos se ahuecan para cubrir los ojos. Las manos descansan sobre la nariz, el bigote y la boca de labios cerrados allí impresos. Parece como si la cara del hombre estuviera pegada a una ventana. Su expresión es neutra, sin sonrisa.  

Esta obra es una impresión corporal real hecha por David Hammons en la que él se untaba la piel, el pelo y la ropa con grasa y luego presionaba su cuerpo contra el papel, para después espolvorear pigmento oscuro sobre el cartón, que se adhería a las secciones engrasadas. Este registro del rostro, la piel y el cuerpo es directo y capta con precisión las arrugas de la piel y los mechones de pelo; al mismo tiempo, la impresión tiene una calidad de tinta brumosa, irregular y quebradiza. Como se trata de una composición de la huella corporal y la huella facial, los brazos de la huella facial más pequeña salen de la pretina del pantalón. Los dedos, la nariz y los labios tienen un brillo dorado. ¿Por qué cree que se tapa los ojos en la huella facial? ¿Y por qué esa huella está dentro de la huella corporal? ¿Qué nos dice esta impresión corporal de múltiples capas?

Descripción de Cierra los ojos y observa la negritud, 1969

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Narrator: "Filtro de transparencia total (retrato de N)," de 2017, es una fotografía de Stephanie Syjuco que mide 40 por 30 pulgadas (100 x 75 cm). Esta obra transforma la pose estándar de un retrato de estudio fotográfico en algo que parece misterioso. Aunque es una fotografía en color, casi todo en este retrato de estudio es negro, blanco o gris. En él, una figura delgada está sentada sobre una silla en un perfil de tres cuartos, mirando hacia la derecha con las piernas cruzadas y las manos apoyadas en el regazo. La figura está totalmente cubierta por una tela semitransparente de cuadros grises y blancos. Detrás de la figura hay un telón de fondo gris plomo. Una luz blanca e intensa que proviene desde afuera del campo de visión, por la derecha, crea un degradado dramático en el fondo, que va desde un gris claro a la derecha hasta el negro de la izquierda, y deja en la sombra la espalda de la figura. 

Aunque la tela oculta los contornos y los rasgos faciales de la figura, hay suficiente luz lateral como para distinguir su camisa blanca sin mangas y sus pantalones oscuros. El pelo oscuro le cae hasta los hombros. El único color aparente en la imagen es un matiz marrón claro de la piel de su brazo izquierdo y su rostro, que puede verse apenas a través de la tela. La tela, lisa en la parte superior de la cabeza, cae creando pliegues y ondulaciones, y con cada uno de ellos, el estampado ordenado de cuadrados se deforma en filas de diamantes y se acomoda de nuevo en cuadrados donde la tela se asienta contra el cuerpo de la figura. Por encima de la figura queda mucho espacio arriba de la cabeza, pero las piernas no se ven desde la mitad de la canilla hacia abajo. Resulta imposible determinar el tamaño real de la tela. 

El título y las imágenes de esta obra pueden hacer referencia al programa de edición de imágenes digitales Photoshop. En Photoshop, este patrón de cuadros grises y blancos indica las zonas que son transparentes y suele ser el fondo que se ofrece por defecto. Evoca neutralidad, una pizarra limpia sin color sobre la cual superponer imágenes digitales. La transparencia es esencial para crear imágenes compuestas en las que los objetos se añaden en capas, pero partes de las capas inferiores deben permanecer visibles. La herramienta de borrado de Photoshop revelará este patrón de cuadros grises y blancos cuando dicha herramienta se mueva por la imagen.  

Syjuco ha subvertido la noción de capa de fondo transparente colocándola sobre la persona que debería ser el centro de la obra. En lugar de que el patrón a cuadros indique transparencia, donde la figura que hay debajo debería ser totalmente visible, la tela está hecha para ocultarla en su mayor parte. La figura se hace anónima, lo que puede parecer una protección contra una mirada no deseada, pero también un borrado.

Descripción Filtro de transparencia total (retrato de NN), 2017

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Narrator: Esta fotografía en blanco y negro exuberantemente oscura, "Sin título núm. 14 (sitio donde está la curtiembre de John Brown)," pertenece a la serie "La blanda noche va cayendo, oscura" de 2017. La fotografía de Dawoud Bey evoca el crepúsculo. Hay suficiente luz como para distinguir la mayoría de los detalles, aunque algunos rasgos se han convertido en suaves manchas grises y negras. Un espacio ancho de césped bien cortado, salpicado con algunas hojas de roble caídas, conduce a la parte trasera de una casa de madera blanca de dos pisos y con postigos negros abiertos en las ventanas del primer piso. No hay ninguna luz encendida. La casa está rodeada de arbustos bajos, robles (algunos de ellos sin hojas o casi desnudos) y altas cicutas, de cuyas largas ramas se escurren pequeñas hojas puntiagudas.  

Los espectadores se sienten atraídos por la casa porque es más luminosa que el follaje que la rodea; sin embargo, la edificación está fotografiada desde una distancia tal que solo ocupa una pequeña fracción de la imagen. El énfasis se pone en el espacio requerido para llegar a ella, más que en la casa en sí. El cielo está cubierto de nubes densas, con una pequeña separación justo encima de la casa, cuyos bordes están iluminados por un punto de luz brillante, como de luna llena, que se asomaría si las nubes fueran arrastradas por una brisa. 

El ángulo de la cámara es bajo, lo que crea la sensación de que el fotógrafo estaba agachado o tumbado sobre su estómago para capturar la casa del abolicionista John Brown, de la misma manera que tal vez las personas que buscaban la libertad en el Ferrocarril Clandestino esperaban a cierta distancia a que se ocultara más el sol antes de salir a los espacios abiertos. Aunque el camino exacto que las personas esclavizadas habrían utilizado para llegar hasta esta propiedad es un secreto, quien observa la obra puede imaginarlas acercándose desde este mismo lugar, vulnerables mientras atraviesan el césped y abrazadas luego de pasar entre los árboles y llegar a la casa. 

El nombre de la serie se inspira en el poema "Divergencias de sueño" escrito en 1926 por Langston Hughes, cuyas últimas líneas son "la blanda noche va cayendo / oscura como yo" en el que Hughes hace referencia a un descanso durante el atardecer lejos del "día blanco", junto a un "árbol alto y esbelto". Podríamos imaginar que el imponente árbol de cicuta más cercano a la casa en esta foto es, precisamente, uno de esos árboles.

Descripción de Sin título núm. 14 (sitio donde está la curtiembre de John Brown), 2017

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Narrator: Esta fotografía en tonos sepia de Lyle Ashton Harris de 2010, "Sin título (reverso núm. 150 Lyle)," mide aproximadamente 2 pies de alto (60,96 cm) por 1 ½ pies de ancho (30,48 cm). El propio artista posa para la cámara en este retrato. La fotografía Polaroid de gran formato está recortada para enfocar la parte posterior de la cabeza y la nuca. La imagen es oscura, como si el artista se fundiera en un fondo negro azabache apenas iluminado con algunos puntos de luz cobriza que marcan el cuello y el gorro, y proyectan sombras en la nuca y la cabeza.  

El cuello de su chamarra de cuero oscuro está levantado hasta cubrirle la mayor parte de la nuca. Apenas se alcanza a ver el borde del nacimiento del pelo y la esquina de la oreja derecha. La mayor parte de su lado izquierdo se confunde con el fondo. Su piel color chocolate oscuro y su cabello corto y rizado asoman por debajo del gorro. Lleva un gorro de punto sin ala con un grueso doblez en el borde, que descansa justo encima de las orejas. Se ajusta bien a la cabeza y se prolonga hacia arriba varios centímetros con una costura vertical en la parte superior. El mayor cúmulo de luz se concentra en la parte superior del gorro, lo cual aleja nuestra atención de la zona en la que estaría su rostro si estuviera mirando a la cámara.

Descripción de Sin título (reverso Núm. 150 Lyle), 2000

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Narrator: "J’Accuse! Núm. 3" de 1965, es un dibujo en blanco y negro sobre papel con lápiz de color y carboncillo, realizado por Charles White. Con poco más de 2 pies de diámetro (60,96 cm), su forma circular crea un marco único para la composición, dominada por líneas arremolinadas, como si se tratara de penachos de humo que se reúnen y contienen dentro de una bola de cristal o un globo de nieve. 

Estas líneas arremolinadas cubren toda la superficie, como si fueran olas espumosas, espuma marina que se eleva sobre olas oscuras. El blanco crea profundidad y movimiento a través de la variación de texturas: algunas líneas son tenues, otras están difuminadas, otras son más gruesas y otras, más etéreas. Los remolinos fluyen y refluyen, y se juntan con fuerza en las zonas donde el blanco está más concentrado, hacia el centro superior del dibujo. 

Las aguas bravas de la superficie contrastan con un rostro sereno situado en el borde inferior derecho del dibujo. El rostro mide unas 6 pulgadas (18 cm) de largo y unas pocas pulgadas de ancho; tiene rasgos femeninos suaves, pómulos altos, labios carnosos y piel oscura. Está de perfil, mirando hacia la izquierda, con la cabeza ligeramente inclinada hacia arriba. El ojo que nos es visible está casi cerrado en una expresión de tranquilidad. 

El rostro se funde con el fondo, mientras la frente, las orejas y el cuello se funden con las líneas arremolinadas. Tal vez las ondas representen una parte de esta persona, un cabello ondulado y suelto, o bien un espíritu inquieto bajo un exterior sereno.

Descripción de J’Accuse! Núm. 3, 1965

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Narrator: "Sin memoria X" es una obra creada por Doris Salcedo en 2020 y 2021, inspirada en sus conversaciones con madres estadounidenses que perdieron a sus hijos a causa de la violencia armada. En esta instalación hay cuatro piezas que parecen mortajas fantasmales. Las dimensiones varían, pero cada una tiene el tamaño aproximado de una prenda holgada, abierta hasta la cintura y con mangas de un cuarto de largo. 

 

A primera vista, parecen telas colgantes de gasa con un diseño de espiga, dispuestas en varios ángulos contra una pared blanca y escueta. Algunas cuelgan de ambos hombros, como si estuvieran sostenidas por una percha invisible, o bien de un punto a lo largo del escote, como si estuvieran tiradas sobre una percha para abrigos. De hecho, están hechas de seda cruda, tan delicada que son casi invisibles, como los ecos de una persona que ya no está presente. 

 

El dibujo y el contorno de estas mortajas fueron creados con cientos de pequeñas agujas de coser incorporadas al hilo de seda, entretejidas y fijadas entre sí con ese hilo de seda casi invisible. En las áreas del borde inferior y el escote, las agujas se juntan con más fuerza, por lo que crean profundidad y la ilusión de que en la tela se forman pliegues. La cuidadosa acumulación de agujas construye una máscara visual que evoca el dolor y la pérdida. Del mismo modo que estas mortajas perfilan la ausencia de una persona, las víctimas son activamente dejadas en el olvido por la sociedad, un pasado que sigue atormentando el presente.

Descripción de Sin memoria X, 2020/2021

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Narrator: "Resplandor diurno (contragolpe)" forma parte de una colección llamada "La gran sociedad," en la que Tomashi Jackson ha creado una forma distinta de ver las imágenes de la época de los derechos civiles, a través de obras multimedia en capas que juegan con el color, la forma y la semivisibilidad. La artista utiliza materiales que quedan deliberadamente fuera de los bordes de los lienzos principales de las obras. Esta obra de 2022 presenta vivos colores fluorescentes en rosa, azul y naranja tipo DayGlo para captar la atención de los espectadores. Pero las imágenes son difíciles de distinguir, sobre todo de cerca, porque tienen un aspecto borroso y, además, porque las obras son muy grandes. Están impresas en semitono, lo que significa que la pintura fue aplicada en una serie de líneas, en lugar de cubrir plenamente la superficie. Los rostros de la multitud se perfilan borrosamente, ya que cada imagen está impresa en un solo color vívido, con una serie de líneas diagonales gruesas y finas que se acercan lo suficiente como para insinuar las formas, pero no como para representarlas por completo. 

Con algo más de 6 pies de alto (182,88 cm) y 6 pies de ancho (182,88 cm), la estructura de madera hecha a mano que sirve de marco tiene una profundidad de 9 pulgadas (22,86 cm), de modo que la obra sobresale de la pared. En lugar de estar dentro del marco, el lienzo está encima, sujeto por una combinación irregular de arandelas metálicas circulares y grandes ganchos de latón que rodean los bordes. El lienzo está tensado hasta los bordes, o a veces solo cerca de ellos, con lino, bolsas de papel y textiles superpuestos. Gran parte del lienzo principal es de color rosa fuerte con salpicaduras de azul en los bordes laterales e inferiores. Las largas líneas de semitono cortan desde la parte superior izquierda hasta la parte inferior derecha. Además de estas líneas, Jackson tomó pintura rosa fuerte diluida y la aplicó a lo largo de las diagonales en ciertos lugares. La esquina inferior derecha está pintada de azul real intenso sobre las líneas de rosa fuerte. En algunas partes, es espesa; en otras, es una aguada ligera que deja entrever las líneas rosa y el lienzo blanco. 

En la mitad izquierda de la pintura, dos rectángulos uniformes de vinilo transparente de tapicería marina cuelgan desde unos ojales en la parte superior del marco y llegan hasta debajo del borde inferior, por lo cual proyectan sombras en la pared. Las tiras llevan impresas imágenes de semitono en color naranja oxidado y con diagonales que van en dirección opuesta, desde arriba a la derecha hasta abajo a la izquierda, y crean la ilusión de una textura similar a la de una malla. En los lugares donde el color naranja es más denso, parece como si fueran nubes que ocultan la pintura que hay debajo. Y donde la pintura es más fina, los espectadores pueden observar múltiples historias contadas a través de la pintura y todas a la vez. 

Una característica notable de esta obra es que las superficies pintadas están incrustadas con polvo de mármol de la cantera Yule Mountain, de donde procede el mármol del Monumento a Lincoln. Aunque la inauguración del Monumento a Lincoln en 1922 fue racialmente segregada, la estructura se creó para conmemorar al expresidente Abraham Lincoln por la proclamación de Emancipación, que declaraba el fin de la esclavitud legal. En 1963, cien años después de la firma de esta proclamación, el Dr. Martin Luther King Jr. pronunció su discurso "Tengo un sueño" en el Monumento a Lincoln. Aunque este polvo de mármol no sea visible, no se puede subestimar la importancia histórica de utilizar mármol de este lugar. De la misma forma en que las imágenes se superponen físicamente en capas dentro de la obra, este polvo de mármol es una capa más que la carga de sentido.

Descripción de Resplandor diurno (contragolpe), 2022

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Narrator: "Promesa," de Hank Willis Thomas, es la edición dos de dos de 2018. Esta gran serigrafía sobre vinilo retrorreflectante está montada sobre Dibond, un fino panel de aluminio, y mide 8 pies de ancho (243,84 cm) por 6 ½ pies de alto (198,12 cm). 

La mayor parte de la imagen parece un negativo fotográfico, una inversión de la fotografía original, de modo que las partes iluminadas aparecen oscuras y las zonas oscuras se iluminan. En este caso, hay un grupo de niños reunidos en la mitad inferior de la obra. Tienen un brillo fantasmal. La imagen se parece a un negativo fotográfico tenue y su centro de atención es una gran bandera estadounidense que está sobre los niños, la cual ondea en el cuadrante superior izquierdo. Esta bandera es la única parte de la imagen que no está invertida y que se destaca nítidamente, en contraste con la fantasmagórica imagen blanca que la rodea. 

Para experimentar la obra plenamente, quien la observe debe revelar la imagen completa, que, debido a la naturaleza retrorreflectante del vinilo, se hace visible cuando se expone a una luz brillante. El artista anima a las personas a utilizar el flash de la cámara a fin de obtener múltiples perspectivas; es decir, para revelar una imagen oculta o exponer una imagen gemela opuesta. 

La imagen completa, revelada tras el uso del flash de la cámara, presenta un tono sepia que parece envejecido como el de una fotografía antigua. Con más detalle, la imagen presenta a un grupo de niños pequeños, catorce de los cuales son visibles, de pie frente a un alto muro exterior liso. En la esquina superior izquierda de la imagen, algunos edificios sobresalen por encima del muro. Los niños están de frente, presentados en un retrato completo de los tobillos para arriba. Se trata de un grupo heterogéneo en el que se ven representados varios tonos de piel, etnias y colores de cabello. Todos llevan el pelo corto y parecen ser niños de unos diez años, con estaturas similares. En el centro, un niño se sitúa ligeramente por delante del grupo y mira hacia la cámara, con ambas manos agarrando un delgado mástil sobre el que ondea una gran bandera estadounidense por encima de sus cabezas. Sus franjas fluyen hacia la izquierda de la fotografía, y se extienden sobre el espacio que ocupan tres niños. El grupo permanece en posición de firmes mirando hacia la bandera, y se llevan la mano derecha al corazón en el gesto utilizado tradicionalmente durante el juramento a la bandera.

Descripción de Promesa, 2018

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Narrator: En esta serie de 2020, Sable Elyse Smith enmarcó piezas de gamuza negra lisa, cada una de 4 pies de alto (121,92 cm) y casi 3 ½ pies de ancho (106,68 cm). Sobre las láminas de gamuza se superponen fotos en miniatura y en color manipuladas digitalmente, por separado o en grupos. No siempre están centradas, sino ubicadas en algún lugar dentro de la composición. Se ven tan pequeñas sobre la gamuza negra que parecen flotar en un cielo sin estrellas.  

En cada una de las tres obras se destacan los colores vivos de las fotografías, especialmente una imagen de una persona de piel morena, pelo corto negro y camiseta en amarillo, verde y rojo brillantes, foto que aparece en las tres obras y cuyo tamaño y ubicación varían ligeramente. Esta persona mira a la cámara, pero su rostro está oculto. Ha sido manipulado digitalmente y aparece como una serie de franjas horizontales marrones y negras: marrón en la frente y las mejillas, y negro donde estarían los ojos y la boca. El fondo se compone de rayas gruesas y borrosas de color morado y blanco. Como todas las fotos son tan pequeñas dentro de cada marco, la sólida extensión de oscuridad que las rodea puede llamar aún más la atención que las propias fotografías. 

"8400 días" sitúa a la figura de la camiseta de colores en el tercio inferior del encuadre, justo a la izquierda del centro. A la derecha del retrato, hay una fotografía al revés más pequeña de tres picos montañosos. El cielo, de un púrpura intenso, descansa en la parte inferior, y los picos que ocupan la mayor parte de la imagen se tiñen del brillante naranja rosado del atardecer. Como están al revés, las montañas parecen nubes puntiagudas coloreadas por el sol poniente. 

"8345 noches" muestra el retrato de la persona con la cara difuminada en el mismo lugar que en "8400 días," cerca de la parte inferior, justo a la izquierda del centro. Con solo una fotografía pegada, este trozo de gamuza presenta manchitas grises que parecen pequeñas nubes de algodón. 

"8401 noches" incluye tres nuevas fotografías y una disposición muy diferente. Varias están centradas en la gamuza enmarcada y anidadas sobre una versión más grande de las montañas del ocaso boca abajo. Sobre las montañas hay dos fotografías, una encima de la otra, de unos arcoíris brillantes que aparecen sobre un cielo azul pálido. Encima de la fotografía del arcoíris superior hay un retrato de dos personas de piel morena clara sobre un fondo borroso de rayas azules y blancas. El rostro de una de las figuras es un borrón rosa anaranjado. La otra tiene el rostro y el torso borrados, por lo cual deja a la vista las rayas del fondo de la fotografía. En la esquina superior izquierda de la imagen de las montañas al revés, aparece la figura recurrente con la camiseta de colores, siempre presente.

Descripción de la serie de Sable Elyse Smith

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Narrator: "Bendición mixta," hecha en 2011 por la artista Rebecca Belmore, miembro de la nación originaria de Lac Seul (lengua  anishinaabe), es una instalación de técnica mixta de una figura adulta arrodillada que está inclinada hacia delante, oculta por una chamarra negra de algodón con capucha que le cubre la cabeza. Gruesos mechones de pelo sintético negro salen desde la capucha y la chamarra hasta caer al suelo, y cubren aún más la figura. La larga cabellera cubre por completo el rostro y el cuerpo de la figura, y crean un halo oscuro en todo el suelo que la rodea. De este modo, la instalación adquiere unas dimensiones de casi 7 pies de largo (213,36 cm) por 3 pies de ancho (91,44 cm) y 2 pies de alto (60,96 cm).  

Una cuerda fina de cuentas rojas recorre el centro del cabello cubierto y cuelga delante del rostro de la figura, posiblemente en referencia a las cuentas de "wampum" y en representación de todos los pueblos de las Naciones Originarias. 

La única parte visible de la figura son dos manos de yeso blanco que asoman por las mangas de la chamarra, con las palmas ahuecadas hacia arriba en un gesto de súplica. 

A la figura postrada quizá le pese aún más lo que lleva escrito sobre la espalda y los hombros. A lo largo de la chamarra, en letras mayúsculas, las palabras "FUCKIN INDIAN" (maldito indígena) y "FUCKIN ARTIST" (maldito artista) están dispuestas en forma de cruz. La palabra "F U C K" está escrita de forma vertical a lo largo de la capucha, mientras que "I N G A R T I S T" continúa también verticalmente pero por la espalda. "FUCKIN INDIAN" está escrito de forma horizontal a través de ambas mangas y hombros y de izquierda a derecha. Las letras aparecen escritas una detrás de la otra, formateadas como plantillas, y son todas negras salvo por la "N" del centro, punto de conexión de las palabras, que es de color rojo intenso. 

El rojo de las cuentas del pelo y la letra "N", junto con las manos blancas, contrastan con el negro oscuro que envuelve a esta figura postrada, lo cual dirige nuestra atención hacia estos puntos y nos alienta a contemplar con mayor detenimiento el trato que deben enfrentar las y los artistas indígenas.

Descripción de Bendición mixta, 2011

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Narrator: Esta obra de Titus Kaphar, "El proyecto Jerome (asfalto y tiza) III" de 2014, mide unos 4 pies de alto (121,92 cm) por 3 de ancho (91,44 cm). Kaphar usa tiza sobre papel asfáltico para crear retratos en capas, y utiliza fotos de archivo de diferentes hombres encarcelados que llevan todos el nombre de Jerome. No se trata de un solo hombre, sino de un retrato comunitario que representa a los hombres negros, encarcelados en exceso en Estados Unidos. 

Unas finas líneas blancas sobre el fondo negro sólido crean un contorno bien marcado de múltiples rostros y hombros, llenando la página y dejando solo unos centímetros de espacio vacío en los laterales superiores izquierdo y derecho así como en el borde superior del papel. Un sutil sombreado blanco en la frente, el cuello y los hombros agrega matices y personalidad al retrato. Los puntos más brillantes de los retratos son el blanco de los ojos, que miran a quien está observando la obra. 

La superposición de líneas y rasgos faciales transmite movimiento, lo que aumenta la impresión de que se trata de varios hombres de diferentes tamaños que no se alinean perfectamente en los retratos. Varias bocas, narices y cuellos están apilados de manera vertical y ligeramente hacia la derecha. El sombreado blanco indica vello facial en algunos de los hombres. Un segundo conjunto de hombros flota unos centímetros por encima del primero, en capas verticales. Y varios pares de ojos se encuentran ligeramente adyacentes unos con otros. Hay una aparente inclinación o cabeceo que se genera por la superposición.  

Mediante la oscuridad del fondo, superponiendo capas y con el sutil contorno blanco, Kaphar anima al visitante a mirar de cerca este retrato comunitario, en un reconocimiento a los hombres que, a su vez, devuelven la mirada.

Descripción de El proyecto de Jerome (asfalto y tiza) III, 2014

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Narrator: "Luz negra núm. 3.2: mujer invisible núm." 1 fue pintada en 1968. Demuestra el compromiso de Faith Ringgold con el avance de la estética negra a través de la paleta de colores, el diseño e incluso los nombres de las obras que conforman la serie de la que forma parte. Con 2 ½ pies de alto (76,2 cm) por 2 pies de ancho (60,96 cm), este cuadro representa tres cuartas partes del rostro de una mujer negra. El rostro y el cabello están segmentados por bloques de color en tonos tierra de ámbar quemado, marrón, malva y azul pizarra, sobre un fondo gris ahumado. Más que un retrato realista, el rostro es ancho, redondo y plano, con grandes ojos que evocan una máscara de África Occidental. Si bien el retrato está bordeado por un lienzo blanco, es notable que la pintura en sí no contenga blanco; por lo tanto, mediante el uso de un pigmento de base negra, la obra se aleja de la estética blanca europea. Un segmento de pintura gris del fondo se desprende del retrato y cae sobre el borde blanco, a la izquierda de su cuello. Al chocar con el lienzo blanco, pasa de un azul pizarra intenso a un marrón apagado. 

Algunos de los bloques de color de la cara de la mujer aparecen casi como recortados, sin coincidir exactamente con los bordes de los bloques contiguos. Un gris suave asoma por los espacios. En otras secciones, los bloques se superponen, y crean un efecto aditivo en el cual el color se vuelve rico y vibrante. Donde el ámbar quemado se une al marrón, en el borde superior externo del ojo izquierdo, se vuelve rojo óxido; donde el malva se une al marrón, crea una costura verde bosque que baja por la frente hasta la punta de la nariz. Una estrecha línea de gotas de pintura recorre esta unión en dirección a la izquierda. La nariz y la parte izquierda de la frente son marrones; el lado derecho es de un tono malva veteado con marrón por debajo. La mejilla izquierda y la barbilla son de color ámbar quemado, y la derecha es gris. Su cuello izquierdo es del mismo malva que su frente derecha, y el lado derecho de su cuello continúa con el mismo gris de esa mejilla. A la izquierda, el ojo, los labios y un gran pendiente de aro son variaciones del gris ahumado. 

El título de la serie, "Serie luz negra," donde "negra" y "luz" son palabras separadas, es una referencia a una luz negra, que es una bombilla de luz ultravioleta que no se utiliza para iluminar porque emite muy poca luz visible. Más bien, sirve para revelar diseños o sustancias que son invisibles bajo la luz solar o la luz de las bombillas normales, pero que son visibles en el extremo ultravioleta del espectro luminoso. En el contexto de los movimientos "Black Power" (poder negro) y "Black Arts" (arte negro), la mujer negra del cuadro, que de otro modo podría ser políticamente invisible, es representada de forma serena, pero festiva, cuando la luz de la cultura y el arte negros la iluminan.

Descripción de la serie Luz negra núm. 3.2: Mujer invisible núm. 1, 1968

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Narrator: Tres fotografías impresionistas en blanco y negro, de la extensa serie "Hombre invisible" de Ming Smith, muestran con elegancia varios rasgos distintivos del estilo fotográfico de observación con luz natural de la artista. Dichos rasgos incluyen fotografiar con baja iluminación, imágenes borrosas, capturar el movimiento con una velocidad de obturación lenta, sacudidas de la cámara en mano y permitir que los bordes del negativo de la película se filtren en la impresión.  

En la era actual de las cámaras de teléfonos celulares, los acontecimientos espontáneos de la vida cotidiana se suelen documentar de forma irreflexiva o tal vez escenificar cuidadosamente en fotografías digitales. A finales de los ochenta y principios de los noventa, Ming realizó su serie de fotografías en Harlem. En ellas, la fotógrafa documentó a las personas y los lugares que encontró con un aire de espontaneidad, que parece especialmente intencionado y sin pulir, de una época anterior a la de la fotografía digital actual de acceso amplio e instantáneo.  

Como las imágenes están borrosas o poco iluminadas por la noche, las personas que aparecen en ellas no se pueden identificar con facilidad, si es que en realidad pueden ser identificadas. De este modo, Ming no está vigilando el barrio. Sino que capta la vitalidad de un lugar al tiempo que protege a sus habitantes con el anonimato. En una entrevista, Ming ha comparado su fotografía con el jazz, en el sentido de que utiliza lo que tiene —su cámara, la película y la luz disponible en el lugar donde se encuentra— y saca partido de ese momento. Esta serie se titula en honor al libro "El hombre invisible", escrito por Ralph Ellison en 1952. 

En “Bebecito moreno con ojos brillantes” de 1991, hay un niño negro en un corralito de tela grande puesto en una acera frente a una fachada de ladrillo pintada con grafitis, con basura esparcida junto al edificio. El niño se apoya despreocupadamente en el borde, mirando pasar la gente. Un adulto pasa junto al niño, convertido en un borrón fantasmal al moverse demasiado rápido como para ser captado con nitidez por la lenta velocidad de obturación. 

"Ya sin motivos de canción," editada a partir de 1988, se tomó en una noche oscura y fluctúa como si se hubiera hecho bajo el agua. Esto es característico del movimiento de la cámara que se crea al tomar una fotografía con el obturador abierto durante mucho tiempo. Los latidos del corazón de la fotógrafa y el sube y baja de su respiración impiden la inmovilidad que proporcionaría un trípode. La escena es la esquina de una calle con un apartamento sin luz que está arriba de una lavandería; la luz proviene de un solo poste de luz y de una ventana brillante junto a la lavandería. El poste de luz se ve alargado por la sacudida, y uno de los varios peatones se ha desdibujado en lo que parecen ser tres personas que pasan junto a la cámara largamente abierta. 

Escalera de entrada, de 1988, da una sensación de tranquilidad y serenidad. Dos hombres negros están sentados en los escalones de la entrada de un edificio de apartamentos, con las manos apoyadas en las piernas. Solo los iluminan dos bombillas desnudas en un arco ornamentado sobre la puerta del edificio, número 107. La luz de las dos bombillas apenas alcanza a resaltar el pelo blanco de uno de los hombres, la pálida boina en la cabeza del otro, los brazos de ambos y algunas partes de la barandilla de la escalera, pero muy levemente. Los tenues contornos del edificio y los objetos cercanos son como susurros, en tanto la escena parece extinguirse en un suave abrazo de la oscura noche.

Descripción de la serie de Ming Smith

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Narrator: Un vibrante color verde limón, enfatizado por un entramado de bombillas fluorescentes a lo largo del techo, satura la galería y baña con una luz espeluznante a los "Protectores espectrales" de Sandra Mujinga.

A medida que las y los visitantes se adaptan a la nebulosa iluminación, se encuentran con cuatro imponentes figuras de casi 9 pies de alto (274,3 cm). El interminable color verde actúa como encubridor, a la vez que aumenta la presencia misteriosa y sobrenatural de las figuras. Mujinga denominó "Protectores" a estas figuras que creó en 2020, y les dio los nombres de Mísató, Mítáno, Mínei y Míbalé. Permanecen en posición de firmes —en general mirando hacia la entrada de la galería, pero orientados en direcciones ligeramente distintas— como centinelas con extremidades más largas de lo normal y cabezas elongadas, no obstante, sus cuerpos y su piel permanecen totalmente ocultos, envueltos en telas.

Llevan capuchas levantadas y ceñidas, lo que hace que sus rostros permanezcan en la sombra. Además, están envueltos en telas holgadas, como cubriendo el armazón de un espantapájaros. Sus camisas están abultadas en secciones y atadas en ciertas partes con hilo de nailon, con mangas extendidas que les cuelgan por debajo de la cintura. Sus pantalones envuelven unos muslos delgados que se extienden hasta cubrir sus pantorrillas gruesas y los pies creados a partir de losas de cemento celular. Los pies no son visibles, pero estabilizan sus altos cuerpos. Las figuras están completamente envueltas en una tela de tul transparente, lo cual crea una superposición de gasa cosida alrededor de la cabeza y el torso, abultada holgadamente y recogida a la altura de las piernas.

En el suelo, junto a cada figura, reposa una canasta. Las cuatro canastas, alargadas y abiertas en un extremo como una amplia cornucopia en forma de bocina de gramófono, yacen a los lados, sus tamaños oscilan entre 2 pies (60,96 cm) o 2 ½ pies de largo (76,2 cm) por casi 3 pies de diámetro (91,44 cm) en la abertura. Sus grandes aberturas, orientadas hacia las personas que entran a la galería, crean un contrapunto con las figuras sin rostro que se ciernen a su alrededor.

Descripción de Protectores espectrales, 2020

Acceda al audio para que guíe su forma de interactuar con esta obra.

Narrator: "Teatro de seguridad," de Artista estadounidense, es una instalación de 2023 exclusiva del Museo Guggenheim en Nueva York. En el centro de la rotonda, cuelga una esfera negra con forma de orbe, de más de 1 pie (30 cm) de diámetro y con un revestimiento brillante y reflectante. La esfera evoca un planeta y tiene un anillo metálico a su alrededor. Está colgada justo en el centro de la rotonda. Tres cables metálicos sujetados a la forma permiten que esta cuelgue de manera triangulada desde el óculo de la rotonda. La esfera incluye cámaras de circuito cerrado de televisión (CCTV), aunque estas no son claramente visibles. 

 

La instalación continúa en la quinta rampa del museo, contra la pared de la galería, en un espacio cerrado con una entrada y una salida, ambas con cortinas cerradas. Las pesadas cortinas grises permiten el ingreso del espectador por la parte inferior de la rampa, al fondo a la derecha de la sala, y su salida por la parte superior de la rampa, al fondo a la izquierda. La fila de visitantes se forma a lo largo de las paredes curvas de la rotonda recorriendo el nivel cinco, a la derecha y a la salida de la zona de ascensores de la rotonda.  

 

La señalización cerca de la entrada dice lo siguiente: "Para ingresar, se le solicitará que guarde su teléfono en una funda cerrada bajo llave que limita la toma de fotos y las grabaciones. Tendrá su teléfono con usted en todo momento. Si no desea que su teléfono esté bajo llave, puede saltarse esta instalación y continuar con el resto de la exposición. Para liberar su teléfono después de salir de la instalación, diríjase al quiosco situado en la planta baja de la rotonda, a la izquierda del mostrador de admisiones". 

 

En el interior de la sala, hay sillas reclinables en tándem, una especie de banco de cinco asientos muy similar a los de un aeropuerto. Los asientos y los respaldos son de plástico negro, y el banco tiene brazos metálicos en ambos extremos. Delante del largo banco para sentarse, hay otro banco curvo de ocho monitores 4K, colocados en dos filas de cuatro columnas. Los monitores están apoyados en unos postes negros de metal, que están sujetos al techo y a las paredes.  

 

Esta instalación es una representación en vivo de la vigilancia que se lleva a cabo dentro del museo. En la pantalla, aparecen cuadrados y rectángulos rojos que marcan a las personas que exploran el museo. Unas formas demarcan y siguen las cabezas y los cuerpos de las personas en movimiento, y sobre ellas aparece un texto que dice "HUMANO". En algunas ocasiones, las etiquetas de las formas son incorrectas. Por ejemplo, un proyector con una de sus partes en movimiento se etiqueta como "VEHÍCULO". A veces, cuando una persona camina junto a un retrato, la obra también se identifica como "HUMANO". 

 

Artista estadounidense sugiere que la sobreabundancia de estas tecnologías carcelarias —la vigilancia de 360 grados, las cámaras de CCTV, los torniquetes de entrada y los guardias de seguridad— da cuenta de su infiltración y normalización en la vida cotidiana de Estados Unidos. En "Teatro de seguridad," se nos invita a observar y a que otras personas nos observen, en una intervención que crea un teatro de la observación.

Una guía para acercarse a Teatro de seguridad, 2023

Acompañe a la curadora Ashley James mientras comparte información sobre los orígenes de la exposición durante una grabación en directo del podcast "Art from the Outside" (El arte desde afuera) junto con la copresentadora Amitha Raman. 

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Ashley James: Les damos la bienvenida a la primera muestra de "Hacia la oscuridad: la figura contemporánea en el límite de la visibilidad." Me llamo Ashley James y soy curadora asociada de arte contemporáneo del Museo Guggenheim y curadora de Hacia la oscuridad.

Antes de que se inaugurara la exposición, hablé acerca de la muestra ante un público en vivo junto con Amitha Raman, copresentadora del podcast "Art from the Outside" (El arte desde afuera), un proyecto que trata de hacer accesibles al gran público conversaciones sofisticadas sobre el mundo del arte. Juntas dilucidamos algunos de los hilos conductores de la exposición. 

Amitha Raman: Quiero hablar sobre la exposición "Hacia la oscuridad." Ashley, esta es en realidad tu tercera exposición en el Guggenheim, pero es tu primera gran muestra en la rotonda. ¿Puedes decirnos de dónde surgió el concepto de la exposición? 

James: "Hacia la oscuridad"qe, básicamente reúne a un grupo de 28 artistas, quienes de una u otra forma ocultan la figura humana. Así pues, se trata de la visibilidad en dos sentidos: como concepto formal, pero también como concepto social. Entonces, ¿qué significa ser visibles en el espacio público? ¿Ser visibles en nuestras carreras? ¿Ser visibles en la historia del arte? Y así sucesivamente. Así que me interesaba mucho el grupo de artistas que, de muy diversas maneras, te ofrecen algo de la figura, pero luego te lo quitan, o bien nunca te lo dan del todo.

Es posible que la mayoría de ustedes hayan visto estas imágenes de daguerrotipos de personas esclavizadas hechas a mediados del siglo XIX; a veces de frente, a veces de perfil. Formaban parte de un proyecto que básicamente promovía ideas en torno al racismo científico, y, en esencia, presentaban este argumento de que hay un tipo específico, o de que hay muchos tipos de seres humanos, entre los cuales las personas negras están en el extremo inferior.

Así que la pregunta es, ¿qué significa que el sujeto negro encuentre, en cierta forma, su momento de origen en el espacio de la fotografía, o uno de los momentos de origen en el espacio de la fotografía, en este..., quiero decir, la cosificación es lo de menos, pero en esta especie de espacio violento de deshumanización? Y creo que hay un gran número de artistas que están pensando seriamente en lo que significa para la fotografía, básicamente, tener integrada esta tensión en su interior. 

Por un lado, ofrece muchísimo acceso y visibilidad, que como personas deseamos por muchos motivos. Al mismo tiempo lleva consigo, en su circulación, esta amenaza de sobreexposición y de aquello que puede ser usado en tu contra. Creo que el medio de la fotografía es el punto de partida de esa conversación sobre la tensión de la visibilidad —el deseo de ocultar, pero también el de estar presente y ser legible en varios espacios—. 

Raman: Ashley, ¿qué esperas que aprenda el público de esta exposición?  

James: Hay algo muy... creo que en esencia hay una experimentación formal realmente emocionante, ya que ocultar y revelar al mismo tiempo es todo un desafío. Y creo que es mucho lo que se puede lograr al interactuar en los límites de algo, porque es en ese límite donde se aprende sobre los parámetros de una cosa.

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Listen to audio about exhibitions and artworks at the Solomon R. Guggenheim Museum in New York City. Frank Lloyd Wright's landmark building is home to a collection of modern and contemporary masterpieces.