" Satin Doll " es un estándar de jazz escrito por Duke Ellington y Billy Strayhorn con letra de Johnny Mercer . Escrita en 1953, la canción ha sido grabada por Ella Fitzgerald , 101 Strings , Terry Callier y Nancy Wilson . Su progresión de acordes es bien conocida por su uso inusual de acordes y apertura con un giro ii-VI . 

A Johnny Mercer a menudo se le pedía que escribiera letras de canciones que ya eran populares. La letra de "Satin Doll" se escribió después de que la canción fuera un éxito en su versión instrumental. Ellington utilizó "Satin Doll" como tema de cierre en la mayoría de sus conciertos.

Otras versiones

Duke Ellington - Sesiones del Capitolio 1953-1955 (1953) [3]
Los Gaylords – 1958 [4]
Bill Doggett – Saludo a Duke Ellington ( King , 1959)
Peggy Lee / George Shearing – ¡La belleza y el ritmo! ( Capitol Records , 1959)
Los posavasos - Uno a uno (1960) [5]
Harry James – Harry James... Hoy ( MGM , 1960)
Ella Fitzgerald - Ella en Hollywood (1961) [3] y Ella Fitzgerald canta el cancionero de Duke Ellington
McCoy Tyner - Noches de baladas y blues (1963) [3]
Las impresiones - Las impresiones interminables (1964)
Blossom Dearie - Blossom Time en casa de Ronnie (1966) [3]
Kimiko Kasai - Satin Doll ( CBS/Sony , 1972) - con Gil Evans Orchestra [6]
Bobbi Humphrey (hazaña. Duke Ellington, Johnny Mercer, Billy Strayhorn) - Satin Doll (1974)
Chicago - Chicago VIII (1974)
Terry Callier - Simplemente no puedo evitarlo (1974)
Oscar Peterson y Clark Terry - Oscar Peterson y Clark Terry (1975) [3]
Joe Sample - Los tres (1975) [3]
Dewey Redman - Venus africana (1992) [3]
Dave Grusin - Homenaje a Duke (1993)
Dr. John - Duque elegante (1999)
Hank Jones – Algún día vendrá mi príncipe (2002) [3]
Buddy Emmons y Ray Pennington con Swing Shift Band - It's All In The Swing (2005)
Phish 8 de mayo de 1993 - Field House, Universidad de New Hampshire , Durham, New Hampshire

Satin doll

“RETORNO A LA VIDA” de Walter Ríos (2020)

Esta es una historia conmovedora sobre la vida y la música, una historia que une dos caminos que, aunque diferentes, se entrelazan en el amor por el arte y la amistad.

Walter Ríos, un destacado bandoneonista y músico de tango, nació el 18 de julio de 1942 en Santa Fe, Argentina. A lo largo de su carrera, ha sido un ícono del tango, reconocido por su virtuosismo y su compromiso con la difusión de este género musical. Su trayectoria incluye colaboraciones con grandes artistas y orquestas, y su capacidad para fusionar el tango con otros estilos ha dejado una marca indiscutible en la música argentina.

En marzo de 2020, Walter me honró de una manera muy especial: me dedicó un tema titulado “Retorno a la vida” Este gesto fue aún más significativo para mí, ya que fui su médico tratante durante un capítulo difícil de su vida, en el que enfrentó una grave enfermedad. La dedicación de Walter no solo fue un reconocimiento a nuestra relación médico-paciente, sino un homenaje a la fuerza de la vida y la salud.

A pesar de que él reside en Argentina y yo en los Estados Unidos, la música ha sido el puente que nos ha unido. Recientemente, he tenido el honor de añadir una nueva dimensión a su tema "Retorno a la vida" mediante el acompañamiento con mi guitarra. Juntos, hemos recorrido un camino que va de pacientes a colegas de la música, donde él brilla con su bandoneón y yo aporto el acompañamiento con la guitarra.

Este viaje nos muestra que, en la vida, las conexiones pueden surgir en los momentos más inesperados, y que la música tiene el poder de unir corazones y transformar experiencias. 


"RETURN TO LIFE" by Walter Ríos (2020)

This is a moving story about life and music, a story that unites two paths that, although different, are intertwined in the love of art and friendship.

Walter Ríos, a prominent bandoneist and tango musician, was born on July 18, 1942 in Santa Fe, Argentina. Throughout his career, he has been an icon of tango, recognized for his virtuosity and his commitment to the dissemination of this musical genre. His career includes collaborations with great artists and orchestras, and his ability to merge tango with other styles has left an indisputable mark on Argentine music.

In March 2020, Walter honored me in a very special way: he dedicated a topic to me entitled "Return to life" This gesture was even more significant to me, since I was his attending physician during a difficult chapter of his life, in which he faced a serious illness. Walter's dedication was not only a recognition of our doctor-patient relationship, but also a tribute to the strength of life and health.

Despite the fact that he lives in Argentina and I live in the United States, music has been the bridge that has united us. Recently, I have had the honor of adding a new dimension to your song "Retorno a la vida" through the accompaniment with my guitar. Together, we have traveled a path that goes from patients to music colleagues, where he shines with his bandoneón and I provide the accompaniment with the guitar.

This trip shows us that, in life, connections can arise in the most unexpected moments, and that music has the power to unite hearts and transform experiences.

Retorno a la vida (Walter Ríos en bandoneón)

•   La canción fue escrita por Freddie Mercury en 1979.  ￼
   •   Se incluyó en el álbum The Game de Queen, que salió en 1980.  ￼
   •   Fue lanzada como sencillo el 12 de octubre de 1979 en Reino Unido.  ￼
   •   El tema fue grabado en los estudios Musicland Studios en Múnich, Alemania, entre junio y julio de 1979.  ￼
   •   Género: rock’n’roll con fuerte sabor rockabilly.  ￼
   •   Alcance en listas:
      •   En el Reino Unido alcanzó el número 2 en las listas de singles en 1979.  ￼
      •   En Estados Unidos se convirtió en el primer #1 de Queen en el Billboard Hot 100, el 23 de febrero de 1980 y permaneció varias semanas en el tope.  ￼
   •   Contexto de composición: Freddie la escribió en apenas 5 - 10 minutos mientras estaba en la bañera del hotel Bayerischer Hof en Múnich, según él mismo.  ￼
   •   Detalles de producción:
      •   Para capturar el estilo clásico rockabilly, se usó una guitarra Telecaster para el solo que normalmente no era la habitual de Brian May.  ￼
      •   Fue la primera vez que Mercury tocó la guitarra rítmica en un concierto con Queen.  ￼
   •   Importancia para Queen: Esta canción marcó una renovación del estilo del grupo, demostrando que podían abordar sonidos más sencillos, directos y con homenaje al rock de los años 50.  ￼
   •   En Australia también fue un gran éxito, manteniéndose en el número 1 por siete semanas.  ￼

Significado / contexto de la letra
   •   La letra habla de “esta cosa llamada amor” (the thing called love) que sorprende, descoloca, mueve a quien la vive. Mercury dice “I just can’t handle it / this thing called love” («simplemente no puedo manejarlo / esta cosa llamada amor») para luego mostrar que, a pesar de ello, algo en esa locura de amor le gusta.  ￼
   •   Musicalmente y estructuralmente, la canción adopta una simplicidad intencionada (Freddie en guitarra con pocos acordes) para lograr justo ese aire de homenaje al rockabilly temprano.  ￼
   •   Es un juego entre control y dejarse llevar: “Take a back-seat, hitch-hike… until I’m ready / a crazy little thing called love” — se prepara para el impulso, para lanzarse.

Letra

Esta cosa llamada amor, simplemente no puedo manejarla
Esta cosa llamada amor, debo hacerme con ella
Y no estoy listo…

Una pequeña cosa llamada amor
Esta cosa llamada amor
[Se balancea]
Me vuelve loco porque rockea así…
Me provoca una fiebre, caliente y fría, luego me deja con un sudor frío

Tengo que estar tranquilo, relajarme, ponerme en onda, volver al camino
Tomar asiento trasero, hacer autostop
Y dar un largo paseo en mi motocicleta, hasta que esté listo

Una pequeña cosa llamada amor.

Crazy little thing called love

La canción “Don’t Know Why” fue escrita por Jesse Harris.  ￼
   •   Apareció originalmente en el álbum de Harris titulado Jesse Harris & the Ferdinandos (1999) como parte de su repertorio.  ￼
   •   La versión más conocida es la de Norah Jones, incluida como sencillo el 28 de enero de 2002, en su primer álbum Come Away with Me (2002).  ￼
   •   Género: mezcla de jazz-pop / pop acústico con influencias de jazz, blues y country.  ￼
   •   Producción: Norah Jones y Arif Mardin, entre otros.  ￼

2. Relevancia e hitos
   •   “Don’t Know Why” fue un gran éxito comercial y de crítica para Norah Jones, ayudando a establecerla como artista.  ￼
   •   En los premios Grammy de 2003, ganó tres importantes categorías: Record of the Year, Song of the Year y Best Female Pop Vocal Performance.  ￼
   •   El álbum Come Away with Me alcanzó enorme éxito —certificaciones de millones de ventas— y consolidó el estilo de Norah Jones.  ￼

3. Contexto de la canción y estilo
   •   La canción habla de una mezcla de nostalgia, arrepentimiento y reflexión sobre decisiones pasadas en una relación.  ￼
   •   Musicalmente, se caracteriza por un acompañamiento sobrio, íntimo: piano-voz sobre una base suave, lo que resalta la voz de Norah Jones y el lirismo.  ￼
   •   Fue grabada en los estudios Sorcerer Sound (NYC) y Allaire (Shokan, Nueva York).  ￼

4. Importancia en la carrera de Norah Jones
   •   Este sencillo ayudó a que Norah Jones ganara visibilidad inmediata y que su álbum debut alcanzara un público mucho más amplio que el circuito puramente de jazz.  ￼
   •   Sirvió como puente entre géneros: aunque ella tenía formación de jazz, este tema la situó en un espacio pop/acústico más accesible.  ￼

5. Datos adicionales relevantes
   •   Aunque la versión de Jones es la que todos conocemos, la canción no fue compuesta originalmente para ella —sino por Harris, y la colaboración surgió posteriormente.  ￼
   •   La canción contiene elementos armónicos interesantes (“dominantes secundarios”, según análisis musical) que le dan un aire sofisticado, aunque suene sencilla. 

Letra

Fui a esperarte
pero llegaste demasiado tarde.
No sé por qué no vine.

Sentí el sol sobre mi rostro
y pensé que podría escapar,
pero no sé por qué no vine.

Dejé que te llevaras mi corazón,
quise volar contigo,
soñé con terminar contigo
en la arena, junto al mar.

Pero comprendí,
que me dejarías sola.
No sé por qué no vine.

Cuando vi romper las olas,
quise volver atrás,
pero no sé por qué no vine.

Mi corazón es un vino vacío,
me iré a la deriva por el tiempo,
quedándome sin amor.

Pasaré los días
en una nube de tristeza,
moriría en la profundidad del mar,
me agobiaré hasta secarme.
No sé por qué no vine.
No sé por qué no vine.
No sé por qué… no vine.

Don’t know why

🎵 La mia storia tra le dita

Autor e intérprete original: Gianluca Grignani
País: Italia
Año de lanzamiento: 1994
Álbum: Destinazione Paradiso (lanzado en 1995, pero la canción apareció un año antes en el Festival di Sanremo 1994, categoría “Giovani”)
Género: Pop rock melódico / Balada romántica italiana
Compositor: Gianluca Grignani
Letra: Gianluca Grignani
Productor: Massimo Luca (músico y productor reconocido en Italia)
Duración: Aproximadamente 4 minutos 30 segundos
Sello discográfico: PolyGram / Mercury

📖 Contexto y significado

“La mia storia tra le dita” —traducible como “Mi historia entre los dedos”— fue el primer gran éxito de Gianluca Grignani, cantautor milanés que se volvió una de las voces más distintivas del pop italiano de los 90.

La canción está escrita desde la perspectiva de un hombre que trata de aceptar el final de una relación amorosa, aunque todavía está profundamente ligado emocionalmente a la mujer que se aleja. Habla con honestidad y melancolía, alternando entre la resignación y el deseo de que ella se quede.

El título alude a la imposibilidad de retener el amor —como algo que “se escapa entre los dedos”—.

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🎼 Estilo musical
   •   Arreglo: guitarra acústica al frente, acompañada de percusión suave y bajo eléctrico.
   •   Tono emocional: íntimo, confesional, de tristeza contenida.
   •   Voz: el registro de Grignani es cálido, con un vibrato leve que da autenticidad.
   •   Estructura: verso-estribillo clásico, con progresión ascendente hacia el clímax emotivo en el último estribillo.

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🌍 Impacto y recepción
   •   Fue uno de los temas más difundidos en Italia en 1994-1995.
   •   Lanzó la carrera de Grignani a nivel internacional, con ventas superiores al millón de copias del álbum Destinazione Paradiso.
   •   La canción ha sido traducida y versionada en varios idiomas (portugués, español, inglés, francés).
   •   Se considera un clásico moderno del pop romántico italiano.

Letra

🎵 Mi historia entre los dedos

(Traducción completa del italiano al español)

Me miras así,
pero ya no sé qué decir,
parece que todo ha sido dicho,
y no hay nada más que añadir.

Si fuera más fácil decirte adiós,
te juro que lo haría,
pero no es tan sencillo olvidar
una historia que fue la mía.

Sé que no volverás,
y que quizá es mejor así,
pero en cada cosa que hago,
siento que aún estás aquí.

Porque tengo tu amor
mezclado entre mis dedos,
y aunque intento soltarlo,
se me escapa lentamente.

Y me cuesta tanto
aceptar que te he perdido,
que sigo hablando solo,
como si aún vivieras conmigo.

Y tú,
que me dices que es mejor dejarlo,
que no hay nada más que hablar,
pero no sabes
cuánto duele renunciar.

Sé que hay alguien más,
no quiero saber quién,
no quiero imaginar tu voz
susurrando a otro también.

Y no quiero pensar
que mi lugar ya no es el tuyo,
pero cada vez que cierro los ojos
te veo sonreír en lo oscuro.

Porque tengo tu amor
mezclado entre mis dedos,
y aunque intento soltarlo,
se me escapa lentamente.

Y me cuesta tanto
aceptar que te he perdido,
que sigo hablando solo,
como si aún vivieras conmigo.

Y si alguna vez piensas en mí,
si alguna vez te duele el alma,
recuerda que hay un hombre aquí
que no te olvida, aunque calla.

Porque tengo tu amor
mezclado entre los dedos,
y aunque intento soltarlo,
se me escapa lentamente.

Y todo lo que soy,
y todo lo que fui,
sigue ahí…
entre los dedos de mí.

La mia storia tra le dita (Mi historia entre tus dedos)

Africa fue escrita por David Paich (teclados, voz en la banda) y Jeff Porcaro (batería) para el álbum Toto IV de la banda Toto, lanzado en 1982.  ￼
   •   Fue el segundo sencillo en Europa (junio de 1982) y el tercero en EE.UU. (octubre de 1982).  ￼
   •   Alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot 100 en febrero de 1983.  ￼
   •   La banda Toto estaba compuesta por músicos de estudio muy hábiles, lo que aporta al alto nivel instrumental del tema.  ￼

Inspiración y significado
   •   Paich declaró que la idea surgió mientras tocaba su teclado Yamaha CS-80 y encontró un timbre que lo inspiró.  ￼
   •   El contenido lírico se inspira en parte en un documental televisivo que Paich vio sobre África, donde quedaron impresas imágenes de sufrimiento y belleza; él intentó imaginar cómo se sentiría allí.  ￼
   •   También se han citado influencias de relatos de misioneros católicos que Paich oyó cuando estuvo en una escuela de varones; esa idea de “bendecir la lluvia” (“I bless the rains down in Africa”) proviene de esa memoria.  ￼
   •   Aun así, la banda reconoce que la letra mezcla metáforas, es algo ambigua y no pretende ser un retrato geográfico preciso.  ￼

Música y producción
   •   La canción combina sintetizador, piano, percusión africana estilizada, batería refinada y coros elaborados. Jeff Porcaro en la batería es clave en el groove del tema.  ￼
   •   Fue casi descartada por la banda en el proceso de producción del álbum, llegó a estar «en peligro» de no salir.  ￼
   •   Este tema representa quizá uno de los mayores éxitos populares de Toto y se ha convertido en un estándar del pop/rock de los 80.

Legado
   •   Más de cuatro décadas después sigue siendo una canción muy reconocida globalmente.
   •   Ha tenido reapariciones en la cultura popular, versiones, memes y etc.  ￼

Letra (parcial)

Esta noche oigo el eco de los tambores…
Pero ella solo oye los susurros de una conversación en voz baja…

Me detuve cerca de un anciano en el camino,
Esperando encontrar palabras olvidadas o melodías antiguas…

Estribillo (fragmento):
Bendigo las lluvias allá en África…

Africa

“Sweet Love” es una canción de Anita Baker incluida en su segundo álbum, Rapture (1986).  ￼
   •   Fue escrita por Anita Baker, Louis A. Johnson y Gary Bias; producida por Michael J. Powell.  ￼
   •   El sencillo fue lanzado en mayo de 1986 como primer sencillo del álbum.  ￼
   •   Rendimiento en listas: llegó al #2 en el chart R&B de EE.UU., #3 en Adult Contemporary y #8 en el Hot 100 de Billboard.  ￼
   •   Ganó el Grammy a la Mejor Canción R&B en la 29ª edición de los Grammy (1987).  ￼
   •   Musicalmente se encuadra en géneros como R&B, soul y “quiet storm” — este último término para ese estilo de baladas suaves de soul-adulto, íntimo y nocturno.  ￼
   •   La canción está escrita en la tonalidad de Si♭ menor (o al menos en el análisis teórico indica B♭ minor) y tiene un tempo moderado.  ￼
   •   Su impacto: no solo impulsó el disco Rapture hacia ventas multi-platino sino que definió a Anita Baker como una voz clave del soul romántico de los 80.  ￼

Significado de la canción

“Sweet Love” es, básicamente, una declaración de entrega romántica profunda. La letra expresa el amor total (“with all my heart I love you, baby”), la confianza (“just trust in what we’re feeling”), la pertenencia (“you’re my man, I’m your girl”) y la seguridad de que este amor durará (“it’ll always be this way”).
El tono es de devoción, apoyo mutuo, deseo de permanencia. En un contexto musical-social, el estilo “quiet storm” ofrecía una alternativa elegante al soul más explícito o funk pesado: un soul maduro, íntimo, que hablaba de estabilidad y sofisticación, y Baker lo ejemplificó.  ￼

Letra en español 

Con todo mi corazón te amo, amor
Quédate conmigo y verás
Mis brazos te abrazarán, amor
No te vayas nunca, porque creo

Estoy enamorada, dulce amor
Te llamo por tu nombre sin temor
Estoy enamorada, dulce amor
No te vayas jamás, será así por siempre

Tus suaves ojos me miran, amor
Ellos me muestran cómo debe ser
No tengas miedo, no llores, amor
Déjame que te abrace mientras te amo

Estoy enamorada, dulce amor
Te llamo por tu nombre sin temor
Estoy enamorada, dulce amor
No te vayas jamás, será así por siempre

Este amor no puede ser errado
No hay amor más fuerte en este mundo
Oh, cariño, no
Tú eres mi hombre, yo soy tu mujer
Nunca me iré, ya lo verás
No puede estar mal
¿No sabes que este es tu lugar?

Estoy enamorada, dulce amor
Te llamo por tu nombre sin temor
Estoy enamorada, dulce amor
No te vayas jamás, será así por siempre

Sweet love

“Why” de Annie Lennox, nacida el 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen (Escocia).  ￼
   •   Antes de su carrera en solitario, formó parte del dúo Eurythmics junto a Dave Stewart, alcanzando gran éxito durante los años 80.  ￼
   •   “Why” es su primer sencillo en solitario, lanzado el 16 de marzo de 1992, como el single principal de su álbum debut como solista, Diva.  ￼
   •   Fue escrito por ella misma y producido por Stephen Lipson.  ￼
   •   Género: mezcla de soul/pop introspectivo con arreglos elegantes, piano, voces múltiples y atmósfera emocional.  ￼
   •   Rendimiento en listas: en el Reino Unido alcanzó el #5; en Estados Unidos llegó al #34 en el Billboard Hot 100 y al #6 en Adult Contemporary. En Italia alcanzó el #1.  ￼
   •   El vídeo musical, dirigido por Sophie Muller, muestra a Lennox en un entorno entre bastidores de un espectáculo, transformándose mediante maquillaje y vestuario. Ganó el premio al Mejor Vídeo Femenino en los MTV Video Music Awards de 1992.  ￼
   •   Sobre el significado de la canción, Lennox la describió como “un diálogo profundo conmigo misma… una canción sobre la comunicación, o la falta de ella”.  ￼
   •   Musicalmente, el tramo de introducción usa un sintetizador de cuerdas/piano, se pasa luego a armonías vocales en tres partes que evocan un coro de gospel; hay cambios de tonalidad que intensifican la emoción.  ￼

“Why” es una confesión íntima, una suerte de monólogo interno donde Lennox desnuda su vulnerabilidad. No hay reproche: hay reconocimiento de los errores, la imposibilidad de comunicar y la aceptación del dolor. Es casi una elegía al amor perdido, pero con un tono de madurez y autoconciencia poco habitual en las baladas pop de los 90.

La voz de Lennox, entre contenida y desgarrada, le da una dimensión espiritual al tema. Musicalmente, la sencillez armónica (C–C/B–Am–F) deja espacio para la interpretación vocal y las dinámicas emocionales.

Letra en español 

¿Cuántas veces tengo que intentar decirte
que lo siento por las cosas que hice?
Pero cuando empiezo a intentar decírtelo,
es cuando tú me dices:
“Este tipo de problema apenas comienza.”

No te voy a decir mentiras,
sólo necesito que escuches lo que siento.
Y aunque podría parecer que no me importa,
el alma entera me duele por dentro.

¿Por qué?
¿Por qué?

Este es el libro que nunca leí,
estas son las palabras que nunca dije,
este es el camino que nunca recorreré,
estos son los sueños que soñaré en su lugar.

Este es el gozo que apenas toqué,
esta es la pena que nunca lamenté,
estas son las lágrimas que nunca lloré,
este es el amor que dejo morir.

¿Por qué?
¿Por qué?

Esta es la fe que ya no sigo,
este es el miedo que no controlo,
he intentado seguir, pero estoy tan cansada,
no sé si pueda seguir mintiéndome.

¿Por qué?
Por qué…

Este es el sonido de mi alma,
estas son las palabras que no dije,
este es el rostro que jamás mostré,
estas son las manos que no estreché.

Este es el tiempo que nunca tuve,
estas son las batallas que no gané,
estas son las heridas que nunca sané,
este es el amor, el amor que maté.

¿Por qué?
Por qué…

🎵Self Control
   •   Intérprete principal: Laura Branigan
   •   Álbum: Self Control (1984)
   •   Género: Synth-pop, Italo disco, New wave
   •   Duración: 4:08
   •   Compositores: Giancarlo Bigazzi, Steve Piccolo y Raffaele Riefoli (Raf)
   •   Productor: Jack White (alemán, no confundir con el músico de The White Stripes)
   •   Sello discográfico: Atlantic Records

La canción fue originalmente escrita e interpretada por el cantante italiano Raf en 1984, en inglés. Ese mismo año, Laura Branigan grabó su propia versión, que se convirtió en un éxito mundial, especialmente en Estados Unidos y Europa.

📜 Contexto histórico

En 1984, la música electrónica y el Italo disco estaban en su auge. Laura Branigan ya era conocida por su hit anterior, Gloria (también de origen italiano), y Self Control consolidó su estilo: una voz potente, dramática, y una producción marcada por sintetizadores, percusión digital y un aura nocturna y sensual.

La canción retrata el espíritu de los ochenta: la vida urbana, la tensión entre deseo y control, la soledad y la búsqueda de identidad en la noche. El videoclip, dirigido por William Friedkin (el mismo de El Exorcista), fue uno de los primeros videos musicales con una narrativa cinematográfica, cargada de simbolismo erótico y surrealista.

👩‍🎤 Datos biográficos de Laura Branigan
   •   Nacimiento: 3 de julio de 1952, Brewster, Nueva York, EE. UU.
   •   Fallecimiento: 26 de agosto de 2004, en su casa de Nueva York (aneurisma cerebral).
   •   Formación: Estudió actuación en la American Academy of Dramatic Arts.
   •   Carrera: Branigan fue una de las voces femeninas más poderosas de los 80, con una mezcla de dramatismo, técnica vocal impecable y energía pop.
   •   Otros éxitos: Gloria, Ti Amo, Solitaire, Spanish Eddie, The Lucky One.
   •   Fue nominada a varios premios Grammy y su interpretación de Self Control quedó como su sello definitivo.


💬 Sentido y resumen de la letra (traducción interpretativa)

La letra habla de una persona atrapada entre el deseo y la disciplina, entre la atracción por el placer nocturno y la conciencia de perder el control.
En la noche, el protagonista se siente libre, pero también dominado por una fuerza interior que lo empuja a dejarse llevar. La oscuridad representa tanto la libertad como el peligro.

Traducción interpretativa (sin infringir copyright):

“Vivo mi vida como si fuera de noche,
y cuando cae la oscuridad, el control se desvanece.
En la noche soy alguien más,
guiado por la pasión y no por la razón.
Soy una criatura de la noche… sin control.”

El tono es de seducción, dualidad y misterio, reflejando la lucha interna entre la racionalidad diurna y la entrega nocturna.

🌍 Impacto y legado
   •   Llegó al puesto Nº 4 en el Billboard Hot 100 (EE. UU.) y al Nº 1 en Alemania, Suiza y Canadá.
   •   Es considerada una de las canciones más emblemáticas del pop de los 80.
   •   Fue versionada o reinterpretada por múltiples artistas y sigue apareciendo en películas, series y compilados nostálgicos.
   •   El sonido de Self Control definió gran parte de la estética del synth-pop femenino de la década.

Self control

Sólo un Momento
Artista: Vicentico (Gabriel Julio Fernández Capello)
Álbum: Sólo un Momento
Lanzamiento: 2009
Género: Pop rock / Balada contemporánea
Discográfica: Sony Music

El tema fue el primer sencillo del cuarto álbum solista de Vicentico. Marcó una transición estilística: más íntima, melódica y melancólica que sus trabajos anteriores, con producción más limpia, menos ska y menos influencia de Los Fabulosos Cadillacs. La canción se convirtió en uno de sus mayores éxitos radiales, y consolidó su perfil como cantautor solista maduro, con un tono existencial y reflexivo.

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🟩 Contexto biográfico e histórico

En 2009, Vicentico se encontraba consolidando su carrera solista, tras un paréntesis de Los Fabulosos Cadillacs. “Sólo un Momento” reflejó su búsqueda de serenidad frente a la fugacidad del tiempo y la pérdida.
El disco recibió elogios por su tono íntimo, con arreglos sutiles y letras introspectivas. Fue grabado entre Buenos Aires y Nueva York, con músicos de sesión y arreglos orquestales discretos.
El videoclip —dirigido por Agustín Alberdi— enfatiza la idea de que la vida se compone de instantes fugaces, usando imágenes detenidas y metáforas visuales del tiempo detenido.

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🟨 Fragmento representativo de la letra 

“Sólo un momento / va a pasar /
sólo un momento nada más.
No hay nada eterno, todo se va,
sólo un momento y nada más…”

🟦 Significado y análisis

El tema gira en torno a la impermanencia, la pérdida y la aceptación del cambio. Vicentico sugiere que toda alegría o dolor es transitorio, que lo único que poseemos es el presente.
Musicalmente, combina un tempo lento, con progresiones menores y un fraseo vocal contenido, casi confesional. La melodía, repetitiva y circular, refuerza la idea del tiempo que vuelve y se escapa.
En el contexto latinoamericano de fines de los 2000 —época de crisis económicas y sociales—, la canción también fue interpretada como un llamado a resignificar el aquí y el ahora.

Es sólo un momento

Doctor and musician, I resume the interpretation and study of the guitar, after more than 30 years of not doing it professionally.

I'm playing with: a) classical guitar made by the Spanish luthier Sergio Repiso in 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacoustic; g) Godin Multitac, electroacoustic and h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Positive Grid Amplifier (Spark), Fender Mustang 125 and Fender Frontman

Tracks (backtracking) are selected from different artists hosted on YouTube and other platforms. Respect copyright and copyright regulations.

Recordings begin in November 2022 in the United States and continue in the first months of 2023, Buenos Aires, Argentina, from May 2023, in the United States.

All songs are performed, arranged, produced, recorded, mixed and mastered by Adrian Hunis.

Currently, the songs are found on all platforms and online stores, but mainly on SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

There are uploaded and suitable for listening, more than 300 songs, with lists that classify, genre and identity of each song, with a brief minute and the lyrics of the song.

Credit: my photo is a work by Dr. Sarkis Anac

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM


Credit: my black and white photo is a work of Dr. Sarkis Anac

ESPAÑOL

Médico y músico, reanudo la interpretación y el estudio de la guitarra, después de más de 30 años de no hacerlo profesionalmente.

Estoy tocando con: a) guitarra clásica hecha por el luthier español Sergio Repiso en 1970; b) D'Angelico Excel Style B; c) Gibson Les Paul Studio; d) Ibanez LGB 30; e) Fender Stratocaster HSS; f) Taylor Electroacústica; g) Godin Multitac, electroacústica y h) Taylor T5Z; I) Washburn J6s; J) Fender Telecaster

Amplificador Positive Grid(Spark), Fender Mustang 125 y Fender Frontman

Las pistas (backtracking) se seleccionan de diferentes artistas alojados en YouTube y de otras plataformas. Respeto normativas de derechos de autor y de copyright.

Las grabaciones comienzan en noviembre de 2022 en los Estados Unidos y continúan en los primeros meses de 2023, Buenos Aires, Argentina, a partir de mayo de 2023, en los Estados Unidos.

Todos los temas están interpretados, arreglados, producidos, grabados, mezclados y masterizados por Adrian Hunis.

Actualmente, los temas se encuentran en todas las plataformas y tiendas en línea, pero fundamentalmente en SoundCloud. (https://on.soundcloud.com/tj1ajytRFCiWcxr77)

Hay subidos y aptos para escuchar, más de 300 temas, con listas que clasifican, género e identidad de cada tema, con una breve minuta y la letra de la canción.

Adrian Pablo Hunis
APHUNIS@GMAIL.COM

Crédito: mi foto es una obra del Dr. Sarkis Anac dónde está Adri ￼

Self control

Adrian en guitarra